О проекте
Московская международная биеннале молодого искусства — масштабный проект в области современного искусства, проводимый в России с 2008 года. Задачи Биеннале — открытие новых имен, поддержка и стимулирование творческих инициатив художников и кураторов нового поколения, создание условий для их публичного высказывания и, как следствие, развитие среды современного искусства и международной интеграции. Организатором Московской международной биеннале молодого искусства является один из ее основателей –– Московский музей современного искусства. Начало проекту положили фестиваль молодого искусства «Стой! Кто идет?» (проводился Государственным центром современного искусства с 2002 по 2006 год) и выставка молодого искусства «Мастерская» (проводится MMOMA ежегодно с 2001 года по настоящее время).
VII Московская международная биеннале молодого искусства состоит из Основного проекта, девяти Специальных проектов, Образовательной программы, разделенной на три блока, Параллельной программы, состоящей из 23 проектов различных московских институций, и Программы портфолио-ревю, направленной на поддержку молодых художников из регионов России.
Основной проект Биеннале состоит из двух международных конкурсов: конкурса для художников, результатом которого стали четыре работы на фасадах Музея Москвы, и конкурса для молодых кураторов, по итогам которого для экспонирования в Музее Москвы было выбрано три проекта, объединивших 47 художников из 10 стран.
Также в пространстве Основного проекта представлена новая видеоработа Саши Пироговой, которая получила специальный грант Биеннале, а зону кинозала занимает учебная программа «Внеклассные практики» — специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства и Московского международного фестиваля экспериментального кино MIEFF.
Биеннале молодого искусства в своей основе — не проект, не выставка, а процесс, набор различных механизмов, которые создают и поддерживают живую среду молодого искусства. В этом году организаторы, находясь в рамках определенных ограничений и сложностей, обратились к таким форматам и решениям задач Биеннале, как процессуальность, различные способы репрезентации работ, поддержка взаимодействия кураторов и художников, горизонтальные связи. Именно подобный подход позволяет поддерживать непрерывность в культурном процессе, которая важна как для его участников, так и для зрителя.
Юлия Аксёнова — независимый куратор. В 2002 году окончила факультет истории искусства РГГУ, с 2004 по 2007 год работала в отделе новейших течений Государственной Третьяковской галереи, в 2007 году поступила в международную школу кураторов De Appel, CCA, Амстердам. С 2010 по 2012 год являлась директором образовательных программ, а с 2012 по 2015-й — куратором Музея «Гараж». Куратор/сокуратор выставок: «Соц-арт: политическое искусство в России» (ГТГ, 2007); Master Humphrey’s Clock (De Appel, Амстердам, 2008); New/Old Cold War (Красный Октябрь, 2009); «Русские Утопии» (Центр «Гараж», 2010); «Фантомные монументы» (Центр «Гараж», 2011); «Нужное искусство» (Парк Горького, 2011); «33 Фрагмента из истории русского перформанса» (Performa, Нью-Йорк, 2011); «Чёрный котёл» и «Кунсткамера Яна Шванкмайера» (Центр «Гараж», 2013); «Личный выбор» (Центр «Гараж», 2014); «Перформанс в России: картография истории» (Музей «Гараж», 2014); «Яёи Кусама: Теория бесконечности» (Музей «Гараж», 2015); «Своя Земля / Чужая территория» (ЦВЗ «Манеж», 2015); «Молодые турки» Кёкена Эргуна (Музей «Гараж», 2016); «Лаборатория городской фауны» (Центр «Винзавод», 2016). Организатор многочисленных конференций, автор публикаций, посвященных русскому и зарубежному искусству. В настоящее время работает над многочастным проектом «Полихрония» в Московском музее современного искусства (2019–2020), который включает в себя несколько коллективных и персональных выставок российских и зарубежных художников, а также публичную программу.
Марина Бобылева — шеф-куратор галереи современного искусства «Триумф». Окончила кафедру эстетики философского факультета МГУ имени М. В. Ломоносова. Среди последних выставок — «Свободный Коптеволенд» Владислава Кручинского в Музее Вадима Сидура, «Flower Power. Архив» Агентства Сингулярных Исследований в Московском музее современного искусства, «О том, что помнишь, позабудь» Уно Моралеса в Мультимедиа Арт Музее. Сокуратор проекта «Другие берега» в «Манеже» (Санкт-Петербург); куратор программы однодневных перформансов в галерее «Триумф», куратор программы «Молодые львы», организованной совместно с Московским музеем современного искусства.
Данила Булатов — куратор, искусствовед, специалист по истории искусства XX века. Закончил МГУ имени М. В. Ломоносова (исторический факультет, отделение истории и теории искусства). С 2011 года — научный сотрудник в ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 2016–2017 годах — сокуратор международного выставочного проекта «Лицом к будущему. Искусство Европы 1945–1968» (Брюссель/Карлсруэ/Москва). Автор монографии «Возрождение модернизма: немецкое искусство 1945–1965 годов. Художественная теория и выставочная практика» (2017). Куратор ряда проектов в ГМИИ имени А. С. Пушкина, в том числе выставки «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа» (2019).
Ярослав Воловод — куратор Музея современного искусства «Гараж». Окончил восточный факультет Санкт-Петербургского государственного университета. Получил магистерскую степень в области кураторских исследований совместной программы Бард- колледжа (Нью-Йорк) и СПбГУ. Стажировался в Центральном институте Хинди (Нью- Дели) и Гейдельбергском университете, был участником программы Transcuratorial Academy (Берлин/Мумбаи). Сотрудничал с фондом Calvert 22 (Лондон), Фондом культуры и искусства «ПРО АРТЕ» (Санкт-Петербург) и международной организацией CEC ArtsLink (Нью-Йорк/Санкт-Петербург). В 2019 году стал лауреатом государственной премии в области современного искусства «Инновация» в номинации «Куратор года» за выставку «Ткань процветания» (совместно с Валентином Дьяконовым и Екатериной Лазаревой). Избранные кураторские проекты: «Миражи Болливуда» (галерея «Вертикаль», Санкт-Петербург, 2016); «Топология города-призрака» (совместно с Андреем Мизиано; Новая Голландия, Санкт-Петербург, 2017); «Худпром Конго: живопись для народа» (совместно с Самми Баложи, Бамби Кеппенс и Валентином Дьяконовым; Музей «Гараж», Москва, 2017); «Хороший сосед» (специальный проект XV Стамбульской биеннале; Музей «Гараж», Москва, 2017); «Безграничный слух» (совместно с Анастасией Митюшиной и группой Council; Музей «Гараж», Москва, 2018); «Бюро переводов» (совместно с Ольгой Диевой; Музей «Гараж», Москва, 2019).
Андрей Егоров — искусствовед, заведующий научным отделом и куратор Московского музея современного искусства. Окончил отделение истории и теории искусства МГУ имени М. В. Ломоносова в 2006 году. C 2012 года — член-корреспондент Российской академии художеств. С 2009 года курирует выставки совместно с Анной Арутюнян. Избранные проекты в Mосковском музее современного искусства: «Сны для тех, кто бодрствует» (2013, экспозиция коллекции), «Музей с предсказаниями» (2014–2015, совместно с Василием Церетели, экспозиция коллекции), «Одно внутри другого. Искусство новых и старых медиа в эпоху высокоскоростного интернета» (2015–2016, номинант Премии Курёхина — 2015), «Что видится „бедной уборщице“ Дмитрия Пригова? Дар Московскому музею современного искусства» (2017), «Хаим Сокол. Свидетельство» (2018), «Идеальный возраст» (2018, специальный проект «Фокус» VI Московской международной биеннале молодого искусства). Избранные проекты на других площадках: цикл «Слова и вещи. Открытие коллекции» (Музей Михаила Булгакова, Москва, 2014–2016), «Алексей Мартинс. Формы тепла» (Fragment Gallery, Москва, 2018). Входил в экспертные советы премии «Инновация-2014» и номинации «Книга года» премии «Инновация-2019», кураторскую группу стратегических проектов IV Московской международной биеннале молодого искусства (2014) и экспертный совет VI Московской международной биеннале молодого искусства (2017–2018). Член художественного комитета Pernod Ricard Fellowship 2018.
Анна Журба — куратор, сотрудник выставочного отдела Московского музея современного искусства, в прошлом сотрудник аукционного дома Phillips. Магистр искусств Голдсмитс-колледжа в составе Лондонского университета. Лауреат cпециального приза премии «Инновация» 2015 года от культурно- благотворительного фонда «U-Art: Ты и искусство» в номинации «Кураторский проект» за специальный проект V Московской биеннале современного искусства «Восток. Деконструкция». Сокуратор программы «Формы художественной жизни», реализованной Московским музеем современного искусства в партнёрстве с Гёте-Институтом (2017–2019), а также сокуратор IV и V сессий выставочного проекта «Удел человеческий» (Еврейский музей и центр толерантности, 2018; Московский музей современного искусства, 2019). Программный директор галереи Artwin.
Екатерина Кибовская — комиссар V и VI Московской международной биеннале молодого искусства. Окончила факультет журналистики МГУ имени М. В. Ломоносова. Работала в журнале Esquire, сотрудничала с сайтами OpenSpace.ru и «Частный корреспондент», а также с изданиями «Сноб» и Art+Auction в качестве независимого журналиста. С 2007 по 2011 год сотрудничала с рядом художников и галеристов в Нью-Йорке в качестве менеджера. Принимала активное участие в формировании концепции развития Парка Горького в должности креативного директора (2011–2013), также участвовала в различных инициативах в сфере культуры. В 2015 году Кибовская была назначена комиссаром V Московской международной биеннале молодого искусства (2016), годом позже стала комиссаром VI Биеннале (2018), а также возглавила дирекцию по специальным проектам Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО». В 2019 году назначена советником управляющего директора ПАО «Сибур Холдинг». В составе команды коллег и приглашённых экспертов Кибовская реализует ряд культурных проектов в городах присутствия компании, в частности содействует развитию и продвижению туристического и культурного бренда Тобольска.
Виктория Михельсон — директор по стратегическому развитию Фонда V-A-C (Москва/Венеция). Окончила бакалавриат Нью-Йоркского университета и магистратуру Института искусства Курто в Лондоне. Стажировалась в различных культурных институциях. С 2016 года работает в Фонде V-A-C; занималась организацией проектов «Геометрия настоящего» в ГЭС-2 и «Тино Сегал» в Новой Третьяковке и Музее архитектуры имени А. Щусева. Член правления Фонда V-A-C, член экспертных советов Фонда Николы Труссарди (Милан) и фестиваля «Кинезис, искусство в движении» (Палермо).
Александра Рудык — критик, редактор, искусствовед. Окончила Российский государственный гуманитарный университет по специальности «искусствоведение». Стажировалась в университетах Ка’Фоскари и IUAV в Венеции (Италия). С 2017 года возглавляет научно-издательский отдел Московского музея современного искусства и занимает должность главного редактора журнала «Диалог искусств». В разные годы работала в галереях Лизы Плавинской, «Арт-стрелка» и GMG. Занимала должности обозревателя выставок в журнале «Афиша», редактора «Арт-гида», заместителя главного редактора Interview Russia. Также писала для изданий: «Большой город», «Сноб», Forbes, Vogue, The Blueprint, «Проект Россия», Esquire и других. Редактор-составитель юбилейной книги ЦСИ «Винзавод» «Краткая история российской культуры 2007–2017», каталога павильона России на Венецианской биеннале 2017 года, каталогов «Андрей Бартенев» и «Сальвадор Дали и медиа» (Московский музей современного искусства) и других изданий.
Алиса Савицкая — куратор, руководитель отдела выставок Нижегородского «Арсенала». Автор и куратор (в составе кураторских групп) выставок «Этюды оптимизма» (2014), «Музей великих надежд» (2015), «Жизнь живых» (2016), «Простые чувства» (2017), «Горький. Модернизм» (2018), «Инновация-2019» (2019) и других. Автор книг «Коммунальный авангард. Каталог-путеводитель по соцгородам Автозавода и Уралмаша в Нижнем Новгороде и Екатеринбурге» (совместно с Еленой Беловой и Алексеем Гординым, 2011) и «Краткая история нижегородского уличного искусства» (совместно с Артёмом Филатовым, 2019). Живет и работает в Нижнем Новгороде.
Календарь
Карта
Биеннале
ОСНОВНОЙ
ПРОЕКТ
Выставка кураторских проектов Основного проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства открыта для посещения и проходит в Музее Москвы.
Режим работы выставки: ежедневно с 12:00 до 22:00 (понедельник – выходной).
Билеты можно приобрести только онлайн.
Рома Богданов (р. 1986, Орск) — живет и работает в Москве.
Выпускник Института современного искусства Иосифа Бакштейна (2020, Москва). Резидент проекта «Открытые студии» Винзавода (Москва, 2019). Вошел в long-list премии для молодых художников Nova Art Contest (Санкт-Петербург, 2019). В «Открытых студиях» реализовал перформанс «Позиция», участвовал в коллективном перформансе «Каталог». В рамках проекта представил персональную выставочную трилогию bill, VVVVV, Hommage. Экспозиция Hommage продолжает серию выставок #tothewinners в 2017-м и Fake в 2016-м в галерее «Артмуза» (Санкт-Петербург). Участник групповых выставок: «Открытое хранение» (ЦСИ Винзавод, 2019), A second away (в составе группы «ХВАТИТ», Винзавод.Open, ЦСИ Винзавод, 2019).
Глобализация социальных процессов позднего капитализма и развитие цифровых технологий выявили ряд проблем, связанных с защитой личной информации. Речь уже идет не только о бесконтрольном доступе к частной жизни Пользователя, но и о доступе к его Бессознательному. Ник Срничек в работе «Капитализм платформ» пишет о стремлении современных форм бизнеса к монополизации баз данных для усовершенствования алгоритмов анализа пользовательских потребностей. Целью анализа можно считать неосознанное (или вытесненное) Желание Пользователя.
В проекте «Screen» произведение искусства, созданное Бессознательным художника, выступает единицей информации для базы данных, а институция — платформой для сбора и анализа данных, совершенствующей алгоритм вычисления неосознанного Желания как производителя (художника), так и реципиента.
Проект представляет собой задернутые шторы из экранирующей ткани на окнах фасада Музея Москвы. Шторы и ставни выполняют не только утилитарные и декоративные задачи: они всегда являлись оберегом, подчеркивали сакральность процессов внутри дома и служили преградой для внешнего взгляда. Визуальную символику штор дополняют свойства материала, из которого они изготовлены. Экранирующая ткань это радиопоглощающий материал, изначально разработанный для снижения заметности военной техники. Способность блокировать излучение низкочастотных радиоволн, передающих сигналы GPS, GSM и WiFi, и выход материала на массовый потребительский рынок открыли возможность использовать его не только для защиты от вредных излучений, но и для ограничения доступа к пользовательской информации. Выбор этой ткани в проекте проявляет стремление института искусства к автономии и платформенный характер его внутренних процессов.
Screen* — Экран
Алина Глазун (р. 1988, Кировоград) — живет и работает в Москве.
Окончила факультет искусств МГУ им. М.В. Ломоносова (2010). Выпускница Института современного искусства Иосифа Бакштейна (2012, Москва).
Персональные выставки
2019 — «Птичка поет о любви и о смерти», Masters Bookstore, ТД «Пассаж» (Санкт-Петербург)
2019 — «Все умрут, а я — изумруд», галерея Максима Боксера (Москва)
2018 — «Блестит и Хватит», Marina Alvitr Gallery (Екатеринбург)
2018 — Verstecken und Suchen, Фонд Арины Ковнер (Цюрих)
Групповые выставки
2020 — «Русские сказки. От Васнецова и до сих пор», Государственная Третьяковская галерея (Москва)’
2020 — «Полоса упускания», галерея «Основа», Cube.Moscow (Москва)
2018 — «Простые цифры», VIII Ташкентская международная биеннале современного искусства
2017 — «Азбука гомеопатии», ЦТИ Фабрика (Москва)
Произведения находятся в российских и зарубежных коллекциях.
Гирлянды из флажков и текст «Все немного разные», расположенный полукругом, придают фасаду торжественный и праздничный вид. С одной стороны, фраза не несет в себе конкретного месседжа и работает подобно тестам Роршаха: зритель наполняет ее собственными размышлениями, переживаниями и ассоциациями в зависимости от своего бэкграунда, опыта и настроения. С другой стороны, это (само)ирония относительно проектов, произведений, выставок, художников, концепций: зачастую создается ощущение, что все проекты одинаковые, все авторы одинаковые, а каждый конкретный художник занимается самоэпигонством (и я тоже). В таком контексте работа становится призывом учиться видеть самые незначительные различия и наслаждаться ими.
Нелепые морды котов (которые кажутся одинаковыми, но на самом деле разные), глядящие на зрителя с флажков, снижают градус пафоса. И в конце концов, мы все очень любим котиков.
Алиса Омельянцева (р. 1997, Новый Уренгой) — живет и работает в Москве и Вене.
Студентка Венского университета прикладных искусств факультета MA Transdisciplinary Art. Училась в Институте современного искусства «База» (2018-2019, Москва). Окончила факультет BA (Hons) Fine Art Университета Хардфордшира и Британской высшей школы дизайна (2018). В 2019 году состоялась первая персональная выставка «Сделано на земле» («Башмет центр», Москва).
Групповые выставки
2019 — «Daily Golem», Kunstforum Montafon (Австрия)
2019 — «Здесь и сейчас», ЦВЗ «Манеж» (Москва)
2019 — «Беднейший класс: животные», Винзавод.Open, ЦСИ Винзавод (Москва)
2018 — «Простые цифры», VIII Ташкентская международная биеннале современного искусства
2018 — «Сфера», параллельная программа 6-й Московской международной биеннале молодого искусства, галерея «Электрозавод»
В этом проекте я исследую опыт наблюдателя, размытие границ приватного пространства и иллюзорность поправок в настройках экрана. Меня интересует подвижный след идентификации архитектуры в пространстве и отражение действий человека. Экран является изолирующим слоем в общем информационном поле.
Светоотражающая тонировочная пленка была уже использована в нескольких моих предыдущих проектах. В данной работе этот материал адаптируется к архитектурному ансамблю музея, трансформируя фасад одного из зданий в одностороннее зеркало Гезелла, какие обычно установлены в комнатах для наблюдения за фокус группами или для проведения психологических экспериментов. Невидимость наблюдателя позволяет испытуемым вести себя естественно.
Музейный комплекс привлекает меня своей простотой и утилитарностью в сочетании с лаконичными формами классического ампира. Три практически идентичных здания будто размножены в отражении друг друга. Будучи одним из немногих сохранившихся крупных общественных сооружений начала 19 века, комплекс бывших Провиантских складов, как и многие исторические здания, несколько раз сменил свое предназначение, каждое из которых, как некий новый слой, накладывалось на стены постройки.
Мне интересно вступить в диалог с пространством музейного комплекса, взаимодействуя с фасадами соседних зданий и через окна, с главной экспозицией в музее.
Проект планируется реализовать без моего физического вмешательства. Наблюдая по видеосвязи, я буду контролировать процесс. Экран переходит в экран, я присутствую, мы присутствуем.
Игорь Самолет (р. 1984, Котлас) — живет и работает в Москве.
Окончил факультет графического дизайна Сыктывкарского государственного университета им. Питирима Сорокина (2008), выпускник мастерской «Проектная фотография» Московской школы фотографии и мультимедиа им. Родченко (2013). Лауреат Премии для молодых художников Credit Suisse и Cosmoscow (2019).
Участник многочисленных международных резиденций, таких как Swedish Lapland (Швеция, 2018), Atelierhaus (Германия, 2017), Air Barents (Норвегия, 2015) и др. Участник престижных фестивалей, среди которых Steirischer Herbst (Грац, 2020), Foto Wien (Вена, 2019), фестиваль молодых фотографов Европы Circulation(s) (Париж, 2018).
Произведения находятся в российских и зарубежных коллекциях.
Самолет показывает уязвимость современного человека внутри гигантского цифрового пространства, обращая внимание на его эмоциональную неустойчивость. Мобильная экранная культура диктует новые правила и алгоритмы межличностного взаимодействия. Технологический скачок от стационарного (ноутбука, компьютера) до мобильного устройства ввода (смартфона) за последние 8 лет, сделал эту культуру повсеместной, всепроникающей и, как итог, повседневной — сформировалась цифровая среда. Пандемия COVID-19 в 2020 году, на время карантина ограничившая физические контакты между людьми, обнажила зависимость между физической и цифровой средой и дала возможность скептикам убедиться в том, что цифровизация проникла во все сферы человеческой жизни и сформировала собственную культуру и явления. С этой культурой и работает Самолет.
Его художественный метод — это процесс производства и потребление цифрового контента: процесс, ставший частью нашей цифровой повседневности. Автор делает скриншоты новостного слайдера, снэп-масок, инстаграм-сториз, чатов и постов и использует их как основную единицу формообразования в своих инсталляциях и объектах. Отобранный им контент — реакция на социальные, гражданские, исторические или личные обстоятельства. Публикуя свою личную реакцию, автор тем самым обнаруживает себя участником глобальных исторических процессов.
Мы определяем симпатию к владельцу по содержанию контента, устанавливая заочную коммуникацию. Он смотрит на нас, мы смотрим на него. Помещая зрителя в коммуникационное поле инсталляции, Самолет задается вопросом, характерным для всех своих работ: «Как быть счастливым в предложенных исторических обстоятельствах?»
Помещая зрителя внутрь своего коммуникационного поля, автор заставляет задуматься о проблеме приватности в цифровую эпоху.
Экспертного совета:
Саша Пирогова (р. 1986) — живет и работает в Москве.
В центре произведений художника — философское исследование непрерывного течения жизни. Она предлагает новый чувственный взгляд на неразрывность материального и духовного. Работы Саши Пироговой можно представить как своеобразный энергообмен: фиксируя и передавая зрителю свои ощущения, художница стремится к его позитивной трансформации.
После окончания физического факультета МГУ имени М.В. Ломоносова в 2010 Саша Пирогова продолжила развиваться в области современного танца, откуда перешла в визуальное искусство. В 2014 она закончила Московскую школу фотографии и мультимедиа им. А.Родченко, мастерскую «Видео и новые медиа».
Еще во время учебы Саша Пирогова стала лауреатом Государственной премии в области современного искусства «Инновация-2013» в номинации «Новая Генерация», а в 2017 — премии Кандинского в номинации «Молодой художник. Проект года».
Проекты художницы представлялись на Венецианской биеннале, Триеннале Музея Современного Искусства Гараж, Уральской Индустриальной Биеннале Современного Искусства, в ЦВЗ Манеж, ГМИИ им. А.С. Пушкина, галереи Whitechapel (Лондон), музее современного искусства Киасма (Хельсинки), на фестивале ImPulsTanz (Вена), в галерее Tate Modern (Лондон) и пр.
В 2017 Саша Пирогова представляла Россию на 57-й Венецианской Биеннале
Произведения находятся в российских и зарубежных коллекциях.
Самая большая ценность в мире — это жизнь. Она может быть очень трудной, но даже тогда, в самые трудные моменты, важно увидеть других людей, все живое. Ведь время переменчиво, что может быть важнее того, что мы есть друг у друга? Одна большая семья на этой планете. Все люди по сути своей одинаковы, наша главная сила — это любовь, которая, являясь основой жизни, может творить великие вещи, создавать новый мир. Когда жизнь освещена любовью, в ней нет места несчастью. Счастливый человек являет собой торжество любви. Такой человек меняет жизнь всех остальных, так как любовь — это все, это один большой человек, одна семья, одно сердце.
Эльза Абдулхакова (р. 1990) — художник, куратор, живет и работает в Москве.
Работала с архивами группы «Товарищество Новые Тупые» (Санкт-Петербург), сотрудничала с галереями Parazit и Aperto gallery в Санкт-Петербурге. Работала в Фонде V-A-C (2013–2018, Москва). На базе Библиотеки им. Н.А. Некрасова (Москва) вместе с Егором Ефремовым и Марией Капинос запустила проект «Лаборатория движения „6 квадратных метров“», исследующий телесность. В 2020 году вместе с художником Германом Строгановым образовала дуэт ASDC — Abdulkhakova Stroganov dance company.
В рамках проекта forbidden body language представлено 6 перформативных художественных проектов в одном пространстве, которое будет использоваться как резиденционное: для репетиций, исследовательского процесса и налаживания контактов.
Проект развенчивает запреты, связанные с телом. Основная идея заключается в доступности языка тела, в его разнообразии и возможности адаптации к каждому. Одна из задач проекта — вовлечь аудиторию в процесс создания искусства, поэтому часть участвующих в проекте художественных работ — лабораторные — и позволят желающим быть вовлеченным зрителем или полноценным участником, соавтором. Базовый сценарий адаптации участвующих в проекте работ для широкой аудитории — открытые практические классы, репетиции и разминки. Проект продолжает запущенную в декабре 2019 года на базе библиотеки им. Н.А. Некрасова Лабораторию движения «6 квадратных метров» – серию тематических встреч и практических классов с прицелом на углубление и расширение исследований телесных практик и движения.
Художники:
Abdulkhakova Stroganov dance company:
Эльза Абдулхакова (Россия)
Герман Строганов (Россия)
Мариам Нагайчук (Россия)
Ева Валиева (Россия)
Вадим Еличев (Россия)
Вадим Еличев (Россия)
Алена Папина (Россия)
Ню Симакина (Россия)
«Хор исполнения желаний»:
Алексей Кирсанов (Россия)
Федор Кокорев (Россия)
Виктория Кудрявцева (Россия)
Вик Лащёнов (Россия)
Февралина Покровская (Россия)
Анастасия Россохина (Россия)
Ню Симакина (Россия)
Евгения Фомина (Россия)
Все мероприятия проходили в пространстве Основного проекта в Музее Москвы.
Сейчас проект перенесен в онлайн-формат.
Посмотреть перформансы можно до 31 декабря 2020 года на сайте: https://nonfiction.film
Джулия Морале (р. 1995) — историк искусства, журналист, куратор, живет и работает в Лондоне.
Заместитель редактора Музея Дизайна. Журналист самого читаемого онлайн-издания об искусстве и культуре в Италии Artribune Magazine. Участвовала в подготовке выставки Wishing Trees Уриэля Орлова на Manifesta 12 (Палермо, 2018). Также работала как специалист по исследованию музейной аудитории и ассистент редакции Музея дизайна (Великобритания).
Штерре Барентсен (р. 1997) — исследователь, куратор, живет и работает в Берлине.
Работает над диссертацией «Неоавангард в Восточной Европе 70-х» в Институте истории искусства и визуальной культуры (Берлинский университет им. Гумбольдта). Основатель и главный редактор студенческого научного журнала Courtauld Undergraduate Art Journal в Институте искусства Курто (Лондон, 2017–2018). Стажировалась и работала в галерее Art on 56th (Бейрут), Коллекции современного итальянского искусства Эсторика (Лондон), была художником-постановщиком в Burton Taylor Studio (Оксфорд).
Художники:
Аня Глейзер (Россия/Великобритания)
Бо Чой (Гонконг/Великобритания)
Джулия Ченчи (Италия)
Камий Левек (Франция)
Ольга Шурыгина (Россия)
Родриго Артеага (Чили)
Габриэль Артеага (Чили)
Тереса Солар (Испания)
Карлос Фернандес Пелло (Испания)
Филдс Хэррингтон (США)
Эмилия Шкарнулите (Литва)
Эспер Постма (Нидерланды/Германия)
СОБСТВЕННЫЕ МЕСТА // АРХИВНЫЕ ПРОСТРАНСТВА
Проект инсталлирован по результатам дистанционного взаимодействия с художниками и кураторами и исследует суть определения архива, объединяя художников десяти разных национальностей. Произведения, которые были задуманы или адаптированы для показа в Москве, будут исследовать периферийные, часто забытые контексты со всего мира, а также демонстрировать локальные проявления пространства и времени, будь то сибирский город XIX века, рыбацкая деревня в Узбекистане, небольшая сельскохозяйственная община на холмах Тосканы или субъекты армянской диаспоры в Париже. Проект «Собственные места//Архивные пространства» стремится показать, что архив представляет собой не только авторитетное собрание документов или институциональный метод принуждения, но и может быть использован как личный способ сбора воспоминаний или систематизации знаний. Выставка призвана замедлить темпы создания, потребления и мышления об искусстве.
Кураторский проект, представленный Джулией Морале и Штерре Барентсен разделен на три группы:
КОЛЛЕКЦИЯ
В первой части проекта будут выражены истории, скрытые в материальной культуре, а не в письменных документах. Свидетели антропогенного и естественного разрушения вещей, художники, представленные в этой части выставки, соберут различного рода останки, показывающие, как истории прошлого могут сохраняться в материальных объектах.
РЕКОНСТРУКЦИЯ
Художники, представленные во второй части создадут пространства, в которых записываются, сохраняются и рассказываются маргинальные истории, существующие на грани забвения, с использованием архивных материалов и исторических свидетельств.
ВОССТАНОВЛЕНИЕ
В заключительной части художники выйдут за пределы собраний исторических документов и официальных записей и воспроизведут в реальности истории, спрятанные в мириадах документов.
Лизавета Матвеева (р. 1991) — куратор, живет и работает в Санкт-Петербурге.
Работает с темами креативных пространств и инкубаторов, самоорганизованных художественных инициатив, арт-резиденций, партиципаторных возможностей искусства. Координатор международной программы резиденций для художников и кураторов CEC ArtsLink Back Apartment Residencies, куратор ярмарки SAM Fair в Музее стрит-арта (Санкт-Петербург). С 2014 по 2017 — сокуратор artist-run пространства «Люда» (Санкт-Петербург), сокуратор международного фестиваля «Арт-проспект» и проекта Interval (Санкт-Петербург). Куратор сезона 2018–2019 годов проекта «Старт» (ЦСИ Винзавод, Москва). Эксперт Государственной премии в области современного искусства «Инновация» в 2020 году.
Избранные проекты: «Мои пространства хрупки» (галерея Navicula Artis, Санкт-Петербург, 2020), «Очень странные истории» (галерея «Миф», Санкт-Петербург, 2019), The Brotherhood of the New Blockheads (с Петром Белым, Mishkin Gallery, Нью-Йорк, США, 2019), «Художественное объединение „Форма + Цвет“: Школа» (с Геннадием Зубковым, галерея «Дом молодежи», Смоленск, 2019); The Whole World Was Not Accessible To My Gaze (с Франческой Альтамура, The Carillon Gallery, Tarrant College, Техас, США, 2019), «Не то, чем кажется» (галерея Марины Гисич, Санкт-Петербург, 2019), Frozen (проект «Старт», ЦСИ Винзавод, Москва, 2019).
Франческа Альтамура (р. 1991) — куратор, организатор выставок, жительница Нью-Йорка (земли индейцев Канарси/Ленапе).
Со-куратор выставки Diedrick Brackens: Darling Divined (с Марго Нортон) в Новом музее (2019), которая будет показана в Блэнтонском музее искусства (Техас) в 2021 году. Куратор выставки Sydney Shen: Onion Master (2019) и проектов Ранды Маруфи (2020) и Ахада Аламуди (2019) в рамках программы Screen Series (все в Новом музее). Принимала участие в подготовке других выставок известных и молодых художников (Питер Сол, Дайга Грантина, Ханс Хааке, Любайна Химид, Марта Минухин, Нари Уорд, Сара Лукас, Томас Байрле и Джон Акомфра), а также групповых выставочных проектов, в том числе The Warmth of Other Suns: Stories of Global Displacement (внешний проект в пространстве Phillips Collection, Вашингтон); ,The Same River Twice: Contemporary Art in Athens (в пространстве Музея Бенаки, Афины), Strange Days: Memories of the Future (в пространстве Store X, Лондон) Триеннале Нового музея Songs for Sabotage в 2018 году.
С января 2019 года представляет работников музея в профсоюзе UAW Local 2110 Среди независимых кураторских проектов Франчески Альтамуры выставки в галерее Carillon Таррант- колледжа, Форт Уорт, Техас (2019), галерее Ladrón в Мехико (2017) и пространстве Государственной художественной коллекции, Лондон (2016). В настоящий момент работает над групповой выставкой в пространстве Haus N, Афины, с Лизаветой Матвеевой (открытие намечено на осень 2020 года). Франческа Альтамура окончила магистратуру по специальности «куратор» Голдсмитского колледжа Университета Лондона.
Художники:
Анастасия Короткова (Россия)
Анна Афонина (Россия)
Валерия Грай (Россия)
Габи Саххар (Великобритания)
Грегори Калличе (США)
Данини (Россия)
Джозеф Бакли (Великобритания/США)
Дан Хершляйн (США)
Евгений Гранильщиков (Россия)
Марина Стахиева (Россия)
Мария Романова (Россия)
Миколай Собчак (Польша/Германия)
Мэтт Копсон (США)
Никита Селезнев (Россия)
Николас Графиа (Филиппины/Германия)
Пасмур Рачуйко (Россия/Грузия)
Саша Зубрицкая (Россия)
Тереза Хромати (США)
Фин Симонетти (Канада)
Хади Фаллапише (Иран/США)
Шади Аль-Аталла (Саудовская Аравия, ОАЭ/США)
Я НЕ ЗНАЮ, ЗЕМЛЯ КРУЖИТСЯ ИЛИ НЕТ
Проект, представленный кураторами Лизаветой Матвеевой и Франческой Альтамура, проходит в онлайн формате. В рамках него разработана отдельная цифровая платформа, на которой участвующие в проекте художники покажут мультимедийные произведения, раскрывающие актуальные страхи и тревоги в абсурдистской форме с использованием черного юмора, сатиры и иронии. Цифровая платформа, разработанная художницей-экспериментатором Джен Лю (США), креативными технологами Доа Джафри (США) и Цю И У (США) и 3D-художником Антоном Козловым (Украина), выступит в качестве основной площадки выставки «Я не знаю, Земля кружится или нет..». Важным компонентом цифровой платформы также стал текстовый компонент, включающий в себя специально написанные тексты художников, эссе и поэтические произведения. Проект в Музее Москвы стал альтернативным физическим пространством, где зрители смогут в индивидуальном режиме познакомиться с цифровой платформой. Цифровая платформа и офлайн-выставка функционируют одновременно.
Весна 2021
Абижан Тото (р. 1994) — куратор, писатель, живет и работает в Бангкоке и Сеуле.
В сферу интересов входят экософия, междисциплинарные исследования, вопросы труда и финансов. Основатель ForrestCurriculum, платформы для исследовательских и просветительских проектов, посвященных природе и культурам лесов Южной и Юго-Восточной Азии (с Пужитой Гухой, 2018), также является куратором художественного центра Субхашок в Бангкоке. Работал с Художественным саммитом в Дакке (Бангладеш), школой Bellas Artes Projects в Маниле и Батаане (Филиппины) и кураторским коллективом Council в Париже. Участник многочисленных кураторских резиденций, в том числе в Сеуле, Люцерне, Бангкоке, Кванджу. Лауреат премии Лоренцо Бональди, присуждаемой Галереей современного искусства Бергамо кураторам до тридцати лет (2019).
Избранные проекты: Адриан Пачи, Interregnum (VER Project Space, Бангкок, 2019), Re-Aligning the Asian Art Biennale в рамках проекта Southern Constellations (Музей современного искусства Любляны, 2019), The Exhaustion Project: There Is Still Work To Be Done (Дом культур мира, Берлин, 2018), History Zero (Mumbai Art Room, Мумбаи, 2017).
Специальные
проекты
ОРГАНИЗАТОРЫ: ЯРМАРКА COSMOSCOW, ОНЛАЙН-ГАЛЕРЕЯ SAMPLE, АГЕНТСТВО ANNA DYULGEROVA COMMUNICATION
Ярмарка молодого современного искусства blazar — сателлит международной ярмарки современного искусства Cosmoscow и специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства —— призвана способствовать поиску, развитию и продвижению молодых авторов и позволяет своим участникам получить новый опыт взаимодействия с институциями, коллекционерами, критиками и зрителями. Большая часть ярмарки отдана под произведения независимых художников, отобранные экспертным советом ярмарки. На ярмарке представлены в том числе участники VII Московской международной биеннале молодого искусства, 2-й Триеннале российского современного искусства и грантовой программы для художников, работающих в сфере актуального искусства Музея современного искусства «Гараж». В основной части показаны более 400 работ 67 художников. Ярмарка пройдет в Музее Москвы с 9 по 13 сентября.
https://www.blazar.art/
КУРАТОРЫ: СЕРГЕЙ БАБКИН И АННА ЖУРБА
Помощь и поддержка стали ключевыми понятиями во время пандемии коронавируса, однако важно, чтобы они не были явлениями временными и исключительно антикризисными. Специальный проект биеннале «Группа поддержки», проводимый в сотрудничестве с пространством CUBE.Moscow, нацелен на поддержку самоорганизованных, некоммерческих инициатив в сфере искусства, возникших как во время карантина, так и до него. Это проекты, которые чаще всего не могут или не хотят встраиваться в часто герметичный институциональный контекст, но при этом становятся территориями витальности, эксперимента с новыми формами художественной жизни.
Проект станет временной «тренировочной» зоной по выводу московских самоорганизованных художественных инициатив из «серой» зоны дружеских горизонтальных связей, для которых не существует внешнего взгляда", как ее охарактеризовала исследовательница Александра Новоженова. Поддержка и забота могут иметь самые разные формы и проявления: от содействия художникам в продаже работ во время глобального локдауна до создания пространств коммуникации, обмена знаниями, нахождения вместе. Не менее важна и возможность быть увиденным, как внешним зрителем, так и друг другом, ведь изоляция сделала почти невозможными совместные, не опосредованные отчуждающими интерфейсами социальных сетей практики и одновременно напомнила об их незаменимости. Участники проекта, многие из которых испытывают постоянный дефицит пространства и времени для работы, выставочной деятельности или репетиций, смогут на протяжении месяца использовать пространство CUBE, встречаться там с друг другом, а также со зрителем и проводить там мероприятия самых разных форматов: от дискуссий до концертов. А гости проекта смогут познакомиться со срезом самых живых, ускользающих от фиксации практик молодых художников.
https://cube.moscowАвтор идеи и постановщик — Катя Бочавар
Автор инсталляции — Семён Мотолянец
Перформанс «Мыльная опера» является многокомпонентным произведением, состоящим из девятнадцати музыкально-танцевальных номеров и перформансов, реализуемых внутри сайт-специфик инсталляции Семёна Мотолянца «Ненадежная конструкция из хозяйственного мыла». Общая продолжительность перформанса «Мыльная опера» составит 5 часов, на протяжении которых команда режиссёров и операторов будет обеспечивать непрерывное вещание на онлайн-ресурсы ГРАУНД Солянки.
Авторы проекта ставили перед собой цель предоставить молодым авторам возможность установить связи и наладить творческое взаимодействие, как между собой, так и с профессиональной художественной средой, а также презентовать свои творческие инициативы в рамках масштабного проекта в области современного искусства. Более сорока участников перформанса — молодые музыканты, танцоры, перформеры и вокалисты разных направлений — были отобраны по итогам опенкола.
Создатели:
Автор идеи и постановщик — Катя Бочавар
Автор инсталляции — Семён Мотолянец
Музыкальный куратор — Арина Зверева
Продюсеры: Катя Ливергант, Рустам Вахидов
Интервьюер — Ксения Ламшина
Художник по свету — Александр Романов
Исполнительный продюсер — Андрей Борисов
Более подробную информацию можно найти на официальном сайте галереи: https://solyanka.org/
На VII Международной московской биеннале молодого искусства Объединение «Выставочные Москвы» представляет серию кураторских проектов, раскрывая широкий спектр инициатив и стратегий молодого современного искусства на площадках сети Выставочных залов Москвы под общим слоганом «ВМЕСТЕ».
www.vzmoscow.ruПроекты Объединения, вошедшие в Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства:
Выставочный проект «Радикальное очищение»
Галерея «Парк»18 августа — 01 октября 2020
Куратор: Оксана Лебедева
Выставочный проект «Это все что»
Галерея «Электромузей в Ростокино»02 октября 2020 — 15 ноября 2020
Куратор: Кира Вайнштейн
Выставочный проект «Окрестности»
Галерея «Пересветов переулок»08 октября 2020 — 15 ноября 2020
Куратор: Александра Киселева
Консультант: Антон Вальковский
Выставочный проект «РАЗ/АРХИВАЦИЯ»
Галерея «Нагорная»09 октября 2020 — 29 ноября 2020
Куратор: Нина Вересова
Выставочный проект "The Gathering"
Галерея «Богородское»16 октября — 29 октября 2020
Куратор: Александра Кременец
Выставочный проект «За заборами заборы»
Галерея «ЗДЕСЬ на Таганке»17 октября — 08 ноября 2020
Куратор: Александр Зайцев
Выставочный проект «Системы- сверхсистемы»
Галерея «Ходынка»03 ноября — 22 ноября 2020
Куратор: Ася Баскаева
Выставочный проект «Семейные ценности»
Галерея «На Песчаной»Новые даты проекта: 22 января — 28 февраля 2021
Куратор: Дафна Зайцева
КУРАТОР: АЛИНА КОРЕНЬ
Участники:
Onda
Ева Аракчеева
Адиль Аубекеров
Анна Вишневская
Миша Горячкин
Роман Ермаков
Кирилл Жилкин
Коллектив «Музей вечно играющих аттракционов» (Анастасия Крохалева, Денис Перевалов)
Василиса Лебедева
Виктор Назаров
Алиса Николаева
Павел Польщиков
Ксения Попаренко
Гурген Петросян
Михаил Ситников
Денис Уранов
Елена Ямлиханова
Джейкоб Якубов
Цель проекта «Карта человеческой природы» — построение проекции сознания современного человека в масштабе одной выставки. Для участия в спецпроекте было подано более 200 заявок от современных художников, из которых были отобраны 19 авторов.
По задумке куратора, каждый зал — это определенный уровень познания
человека. Экспозиция начинается с познания «внешнего», то есть нашей жизни в физическом пространстве. Далее предлагается совершить путешествие «вглубь» — к сути человеческой природы.
Зритель сможет самостоятельно составить Карту человеческой природы, соединяя смыслы, предложенные художниками в их работах, которые располагаются в залах: «Нулевая точка», «Тело», «Жизнь внутри тела. Погружение», «Общее место», «Суть».
Экспозиция начинается с самого близкого человеку — с его тела и того, что происходит с телом в физическом мире, в пространстве «видимого». Первая частьполностью посвящена телу человека, его физическому строению и вопросам телесности.
Тема «Метод: внутренняя археология» открывает вторую часть экспозиции, предлагая зрителю дальнейшее исследование «скрытого», метод «внутренней археологии», то есть продвижение к сути человеческой природы в первую очередь через способность освобождаться от телесного и обращаться к своим чувствам и эмоциям.
Завершается экспозиция залом «Суть» и саунд-арт работой коллектива «Музей вечно играющих аттракционов» (Анастасия Крохалева, Денис Перевалов).
Более подробную информацию можно найти на официальном сайте:
http://www.rosizo.ru/events/event/2057/КУРАТОР: ДАРЬЯ КАМЫШНИКОВА
ГРУППОВАЯ ВЫСТАВКА ВЫПУСКНИКОВ ШКОЛЫ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА «СВОБОДНЫЕ МАСТЕРСКИЕ»
Эволюция и технический прогресс к началу XXI века фактически превратили нас в новый вид — «человек общающийся».
Выросло целое поколение людей, сверяющих каждый свой шаг с социальными сетями и поисковыми системами. Потребность постоянного одобрения от фолловеров и подписчиков изменила саму суть общения.
Когда я предложила эту тему слушателям «Свободных мастерских MMOMA», то ожидала анализ ее различных аспектов от самих представителей «нового вида».
Большая часть проектов уже была в работе, когда разразившаяся пандемия COVID-19 перевела жизнь и общение в онлайн-формат и так изменила все наши планы.
Сейчас я часто слышу от коллег, что работы, сделанные художниками в период пандемии и самоизоляции, поверхностны и чрезвычайно просты. Тем не менее, как куратор я очень рада, что художники поделились своими живыми впечатлениями и переживаниями на эту тему. А глубокого пластического, изобразительного и философского анализа того, что с нами произошло, нам в будущем никак не избежать.
Дарья Камышникова
http://www.mmoma.ruХУДОЖЕСТВЕННЫЙ РУКОВОДИТЕЛЬ: ЯН ГИНЗБУРГ
КУРАТОР: ДМИТРИЙ ХВОРОСТОВ
Предметом размышлений Яна Гинзбурга, Дмитрия Хворостова и студентов их мастерской Research Based Art Института «База» станет «Закрытая рыбная выставка» классиков московского концептуализма Елены Елагиной и Игоря Макаревича, показанная в Загородном музее МАНИ (Московского архива нового искусства) в 1991 году.
В рамках нового этапа реконструкции будет представлен воссозданный архив советской «Рыбной выставки» 1935 года, посвященной поездке четырех художников по рыбным угодьям Астрахани. Каталог этой выставки стал отправной точкой для «Закрытой рыбной выставки» дуэта Елагиной и Макаревича, ставшей их первым совместным проектом.
В экспозицию войдут инсталляции, объекты, видео, документация акций и перфомансов. Проект включает в себя публичную программу в лектории Центра Вознесенского, подготовленную совместно с Институтом современного искусства «База».
Организаторы: Центр Вознесенского при участии Института современного искусства «База».
С 27 января в Центре Вознесенского при участии Института современного искусства «БАЗА» вновь открывается «ЗАКРЫТАЯ РЫБНАЯ ВЫСТАВКА. РЕКОНСТРУКЦИЯ».
Регистрация на сайте организатора.
Учебная программа «Внеклассные практики»
Программа «Внеклассные практики» займет отдельную зону в пространстве Основного проекта. В рамках специального проекта будут проходить еженедельные кинопоказы, дискуссии и встречи со студентами. Программа создана для молодых фильммейкеров, цель которой пошатнуть устоявшееся представление о том, как и зачем делать кино. Смешивая актуальную теорию искусства и практические занятия, проект предложит двенадцати участникам, представителям разных российских кино и арт-школ, посмотреть на режиссуру с другой стороны.
Кинопрограмма «Время совместных действий»
Программа «Время совместных действий» займет отдельную зону в пространстве Основного проекта. В рамках специального проекта будут проходить еженедельные кинопоказы, дискуссии и встречи со студентами. Серия из восьми показов, приуроченная к учебной программе «Внеклассные практики», посвящена киноколлективам со всего света. Три группы прошлого и пять сообществ настоящего представляют различные формы сопротивления от юнионизации рабочих-женщин в Британии 1970-х («Ночные уборщицы» Berwick St Collective) и Индии 1980-х (фильмы Yugantar Film Collective) до эко-активизма («Подводное течение» Рори Пилгрима) и протеста против насилия на расовой почве (работы Black Audio Film Collective). В свою очередь российские участники программы — группа «Червоград-фильм» с черно-белой немой фантасмагорией «Житие Гореслава Чуждоземного» — радикально отклоняются от мейнстримного кинопроизводства в пользу свободного коллективного самовыражения.
Кураторы программы: Михаил Захаров, Владимир Надеин, Рита Соколовская.
Вход на все сеансы кинопрограммы бесплатный по регистрации.
РАСПИСАНИЕ
05 ноября
19:00–22:00
«Увертюры»
The Living and the Dead Ensemble
Великобритания/Франция
2020
132 мин
08 ноября
19:30
«Подводное течение» + Q&A
Рори Пилгрим
2019
50 мин
12 ноября
20:00
«Ночные уборщицы»
Berwick St Collective
Великобритания
1975
90 мин
15 ноября
20:00
«Песни Хэндсворта»
Black Audio Film Collective
Великобритания
1986
58 мин
«Семь песен для Малькольма Икса»
Black Audio Film Collective
Великобритания
1993
52 мин
22 ноября
20:30
«Служанка»
Yugantar Film Collective
Индия
1981
25 мин
«Табачные угли»
Yugantar Film Collective
Индия
1982
25 мин
«Выдумка ли это?»
Yugantar Film Collective
Индия
1983
25 мин
27 ноября
19:30
Показ работ Rojava Film Commune + Q&A
«Истории разрушенных городов»
Шеро Хинде (Rojava Film Commune)
Сирия
2016
77 мин
«Дом»
Севиназ Эвдике (Rojava Film Commune)
Сирия
10 мин
«Мое имя на камне»
Зилан Хемо (Rojava Film Commune)
Сирия
10 мин
29 ноября
20:00
«Житие Гореслава Чуждоземного» + Q&A
«Первая Червоградская киностудия»
Россия
2019
64 мин
2 декабря
19:30
Показ короткометражных работ Karrabing Film Collective + Q&A
Трилогия вторжения
«Кода собаки заговорили»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2014
34 мин
«Уинджаррамеру, вороватые $уки»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2015
36 мин
«Вутар, соленые сны»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2016
29 мин
«День из жизни»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2020
32 мин
Образовательная программа
VII Московская международная биеннале молодого искусства объявляет о старте образовательной программы, реализуемой совместно с Фондом поддержки современного искусства Винзавод. Программа состоит из трех блоков: цикл из пяти международных дискуссий «Салон отверженных категорий» (куратор — критик и искусствовед Андрей Шенталь); «Дневник биеннале» куратор — искусствовед Борис Клюшников), объединивший сообщества теоретиков и критиков искусства; практическая часть: серия мастер-классов из печатных мастерских (кураторы — объединение принт-маркет Вкус Бумаги).
Цикл международных дискуссий объединил выдающихся исследователей, философов, кураторов и художников. Среди них профессор Университета Абердина в Великобритании Тим Ингольд (Tim Ingold), приверженец экологического подхода к антропологии и психологии; специалист по гендерным исследованиям, профессор Колумбийского университета в Нью-Йорке Джек Халберстам (Jack Halberstam), применяющий критическую теорию для анализа искусства и культуры; итальянский социолог, философ и писатель, профессор Академии Брера в Милане Франко Берарди (Franco «Bifo» Berardi), специализирующийся на изучении депрессии; историк, доктор философии Анна Мазаник (Anna Mazanik, Венгрия), фокусирующаяся на истории медицины; кандидат культурологии, педагог «Шанинки» Оксана Мороз; один из ведущих специалистов в области перформативных практик, художница Екатерина Муромцева, работающая с темой возрастной антропологии, и многие другие.
Первая дискуссия в цикле под названием «Апология возраста», посвященная возрастной антропологии, состоится 12 октября, в 19:00 (мск). Участники дискуссии: профессор Тим Ингольд, художница Екатерина Муромцева и профессор Анна Шадрина, модератор дискуссии Андрей Шенталь. Дискуссия пройдет в онлайн-формате, на английском языке, с синхронным переводом на русский. Трансляция пройдет в Zoom и в сети «ВКонтакте».
«Дневник биеннале» в кооперации с различными сообществами начнет работу с 20 октября на цифровой платформе figma, которая предоставит возможность свободного высказывания каждому из участников и открытой навигации ресурса для пользователей. Авторы «Дневника» с куратором, экспертом Лаборатории художественной критики Винзавода Борисом
Клюшниковым создадут свои форматы для диалога об искусстве.
Среди участников проекта: коллектив «Кафе-мороженое» и «Кооператив распределенного сознания» с серией подкастов о современной трудовой этике; сообщество Cyberfeminism и телеграм-канал «Блуждающая Звезда»
с дискуссией о практике создания текстов об искусстве на примере мессенджера Telegram. «Альманах-огонь» разработает специальный аудиогид по выставке; мастерская «Практики письма» представит формат
3D-интервью; кружок по научной фантастике «Слово для Леса и Мира» продумает экскурсию-фикцию по выставке в воображаемом контексте научно-фантастических текстов. Список участников будет расширяться.
На протяжении всего проекта в цифровой среде появится система библиографических референсов: авторы «Дневника» проведут опрос художников, кураторов, координаторов и работников биеннале
о книгах и текстах, повлиявших на их практики, создавая «книжную полку» проекта.
Образовательную программу дополнит серия онлайн мастер-классов из печатных мастерских, кураторы — объединение принт-маркета Вкус Бумаги, поддерживающие традиции техник ручной печати.
Для реализации программы практического блока Биеннале и Винзавод пригласили сообщество мастерских, специализирующихся на печатных техниках, во многомблагодаря доступности художественных практик
и экспериментальному потенциалу для художественного высказывания. Печатные техники сегодня присутствуют в большинстве художественных проектов как часть произведения и становятся актуальной и доступной
практикой для многих авторов.
Восемь мастер-классов из различных мастерских познакомят художников с техниками шелкографии, офорта, линогравюры, фото-офорта, ризографией
и другими видами печати. Ручные техники печати позволяют произвести тиражные работы и сделать процесс искусства доступным для его участников: художников и коллекционеров. Распространение данных техник и владение ими расширяют визуальный нарратив, повышают общий профессиональный уровень художников, открывают дополнительные возможности для реализации идей.
Среди участников: «Офортная мастерская», дизайн- студии ESH Print, студия печати Samopal Studio, студия дизайна и аналоговое
печатное производство Hardcore Studio, мастерская шелкографии «Принт- мафия», архитектурная школа и мастерская «Архитектура через офорт»,
Лаборатория экспериментальной печати «Пиранези Lab», мастерская и галерея печатной графики ЛИТО.
Трансляции мастер-классов пройдут на странице Instagram биеннале с последующей публикацией в соцсетях мастерских и Винзавода. Первая трансляция состоится 20 октября, 19:00 (мск).
Вся программа будет представлена на официальном сайте Биеннале в разделе «Образовательная программа». Все мероприятия программы бесплатные.
Партнер цикла международных дискуссий — социальная сеть «ВКонтакте».
Андрей Шенталь — художественный критик и куратор. Окончил Факультет журналистики МГУ им. Ломоносова (Кафедра литературно-художественной критики и публицистики) и магистратуру Центра исследований современной европейской философии Кингстонского университета. В 2013–2015 гг. был старшим редактором раздела «Современное искусство» проекта «Теории и практики», а в 2015–2017 — редактором, автором и переводчиком «Художественного журнала». С 2016 года является иностранным корреспондентом Flash Art International. Автор рецензий, интервью и статей, опубликованных в различных изданиях и сборниках, среди которых «Артхроника», Colta.ru, Art Territory, Idea, Mute, Art Leaks, Little Joe, Flash Art и Frieze. Со-куратор проектов Now Showing: Austerity Measures (Лондон, Лиссабон, Рига, Афины, Порту, Бухарест, 2013); «Неудовлетворенность эстетикой», «Новые космологии» и «ДИАМАТ» («Винзавод», Москва, 2016, 2017–18, 2018–2019 гг. соответственно); куратор персональной выставки Арсения Жиляева «Возвращение» («Винзавод», Москва, 2017–18); со-куратор программы «Турбулентность» в рамках Международной ярмарки современного искусства Cosmoscow (Москва, 2020).
Борис Клюшников (р. 1989, Россия) — преподаватель теории современного искусства. С 2013 по 2015 год работал в ГЦСИ в отделе междисциплинарных программ. С 2015 по 2020 гг. преподавал курс теории современного искусства на кафедре кино и современного искусства РГГУ. Преподаватель и организатор программ по теории и истории искусства института «База». Преподаватель школы фотографии и мультимедиа им. Родченко. С 2015 года преподает в Британской высшей школе дизайна. Со-основатель Лаборатории художественной критики Винзавода (совместно с институтом «База»). С 2020 года преподаватель Московской школы новой литературы. Организатор ридинг-групп по научной фантастике The Word For World Is Forest. В сферу исследовательских интересов входят философия современного искусства, видеоэссеизм и пересечение искусства и научной фантастики.
Принт-маркет Вкус Бумаги проходит ежегодно с 2014 года на различных площадках Москвы (Powerhouse, Наука и искусство, ЭМА, Центральный Телеграф, ЦСИ Винзавод), в 2019 году проходил в Музее современного искусства Гараж совместно с книжной ярмаркой Garage Art Book Fair. Принт-маркет Вкус Бумаги занимается развитием тиражной графики в России и поддержкой художников и специалистов, работающих с этим направлением искусства. Крупнейший в России фестиваль тиражной графики и продюсирует творческие инициативы, связанные с ручными техниками художественной печати на бумаге.
Центр современного искусства Винзавод является первым и самым большим частным центром современного искусства в России, с 2007 года объединяющим галереи, образовательные программы, студии и мастерские. Собрав все направления современной культуры в одном пространстве, открытом для широкой аудитории, Винзавод поддерживает актуальное российское искусство и формирует устойчивую среду для его развития.
На базе Винзавода создан Фонд поддержки современного искусства, его стратегические направления: Новые имена и Образование.
В рамках направления Винзавод. Новые имена работают проект Старт, Открытые студии, СТЕНА. Направление Винзавод. Образование развивает Лабораторию художественной критики (совместно с институтом База), Лабораторию журналистики и выставочный проект Винзавод.Open. Все проекты направлены на поддержку новых имен в искусстве, расширение возможностей для начинающих профессионалов в области искусства и культуры в целом.
Основная миссия Фонда — поддержка и развитие современного российского искусства. Фонд сотрудничает с ведущими российскими и зарубежными культурными институциями, взаимодействует с региональным профессиональным сообществом, а также поддерживает образовательные проекты в сфере современной культуры и искусства.
РАСПИСАНИЕ
Андрей Шенталь
Дискуссии состоятся онлайн, на английском языке с синхронным переводом на русский.
«Апология возраста»
12 ОКТЯБРЯ 2020
19:00
УЧАСТНИКИ
Профессор Тим Ингольд (Tim Ingold, Великобритания), художница Екатерина Муромцева (Россия) и доктор социологических наук Анна Шадрина (Великобритания), модератор дискуссии Андрей Шенталь (Россия)
«Тирания позитива»
26 ОКТЯБРЯ 2020
19:00
УЧАСТНИКИ
Профессор Ева Иллоуз (Eva Illouz, Израиль), критик Борис Клюшников (Россия), Наталья Протасеня (Россия)
«Эпик фэйл»
9 НОЯБРЯ 2020
19:00
УЧАСТНИКИ
Профессор Джэк Халберстам (Jack Halberstam, США), Габи Саххар (Великобритания), Анастасия Вепрева (Россия), модератор — Франческа Альтамура (США)
«Мастерство социальной неловкости»
24 НОЯБРЯ 2020
19:00
УЧАСТНИКИ
Художник Егор Рогалев (Россия), доцент Оксана Мороз (Россия), профессор Франко Берарди (Италия)
«Блеск и нищета болезни»
30 НОЯБРЯ 2020
19:00
УЧАСТНИКИ
Историк медицины Анна Мазаник (Anna Mazanik, Австрия), философ Хави Карель (Великобритания), культуролог Валерия Конончук (Россия)
Борис Клюшников
20 ОКТЯБРЯ — 1 ДЕКАБРЯ 2020
УЧАСТНИКИ
Коллектив Кафе-мороженое, Кооператив распределенного сознания, сообщество Cyberfeminism, телеграм-канал «Блуждающая Звезда», альманах «Огонь», мастерская Практики письма, кружок по научной фантастике «Слово для Леса и Мира», Отдел Практической Аффектологии, мастерская им. Маркузе и др.
Каждый вторник публикация дайджеста на сайте биеннале и сайте лабораторий Винзавода labs.winzavod.ru
О Дневнике Биеннале
Восемь онлайн мастер-классов из печатных мастерских пройдут в рамках образовательной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства. Партнер и организатор программы Фонд поддержки современного искусства Винзавод пригласил курировать эфиры принт-маркет Вкус Бумаги, поддерживающий традиции техник ручной печати. Мастер-классы познакомят зрителей с техниками шелкографии, офорта, литографии, фотоофорта, ризографии и другими видами печати.
Ручные техники печати позволяют произвести тиражные работы и сделать процесс искусства доступным для его участников: художников и коллекционеров. Распространение данных техник и владение ими расширяет визуальный нарратив, повышает общий профессиональный уровень художников, открывает дополнительные возможности для реализации своих идей.
Трансляции мастер-классов пройдут на странице Instagram биеннале с последующей публикацией в соцсетях мастерских и Винзавода.
ПРИНТ-МАРКЕТ ВКУС БУМАГИ
ТЕХНИКА РИЗОГРАФИЯ
27 ОКТЯБРЯ 2020
19:00
Первый эфир пройдет в мастерской одного из организаторов «Союз Печать» - студии ризографии ESH PRINT. Мастера студии в прямом эфире расскажут про особенности техники ризографии, а также напечатают работу, используя ризограф.
Ризография – типографская техника, идеально подходящая для создания малотиражных изданий. Для печати на ризографе используется краска на основе риса или сои с матовой поверхностью и характерной потертой текстурой.
ТЕХНИКА ЗИНМЭЙКИНГ
4 НОЯБРЯ 2020
19:00
В мастерской Samopal Studio, расположенной на Электрозаводе, художник и издатель Саша Маршани на примере зинов (малотиражных изданий) из коллекции своего издательства Samopal Books расскажет, как воплотить идею и добиться выразительности издания, используя минимальные средства.
В эфире Саша рассмотрит процесс подготовки изображения, специфику работы с фотографией и другими полутоновыми изображениями, продемонстрирует разные варианты переплета и в прямом эфире соберет брошюру-руководство по цветоделению и растрированию в ризографии.
Мастер-класс подходит всем, кто хочет познакомиться с культурой малотиражных DIY изданий и ввести формат зинов в свою арт-практику.
⠀
Трансляция начнется в 19:00 и пройдет в официальном аккаунте Биеннале в Instagram. Ссылка на аккаунт: https://www.instagram.com/young_biennale
ТЕХНИКА ВЫСОКОЙ ПЕЧАТИ
11 НОЯБРЯ 2020
19:00
Совладелец мастерской @HardcorePress Михаил Мень рассказал о художественном применении техники высокой печати. Этот процесс отличается от плоской печати тем, что краска наносится на поверхность выступающих элементов печатной формы. В результате на готовом отпечатке появляется не только изображение, но и тактильно ощутимый рельеф. Печать будет проходить на винтажном станке Heidelberg.
Этот процесс отличается от плоской печати тем, что краска наносится на поверхность выступающих элементов печатной формы. При соприкосновении с бумагой, для полного переноса краски, необходимо давление на форму. В результате на готовом отпечатке появляется не только изображение, но и тактильно ощутимый рельеф. Он является важными визуальным инструментом, дополняющими работу с цветом и формой. Печать проходит на винтажном станке Heidelberg.
*В рамках трансляции был напечатан принт художника Павла Щелконогова
ТЕХНИКА ШЕЛКОГРАФИЯ
18 НОЯБРЯ 2020
19:00
18 ноября прошёл четвёртый эфир из печатных мастерских для образовательной программы биеннале.
Мастер-класс по технике шелкографии провёл основатель студии «Принт-мафия» Ильдар Искаков. В рамках трансляции он рассказал об особенности шелкографияечкой печати и показал процесс работы на примере многоцветной работы уличного художника Саши RTS.
ТЕХНИКА СУХАЯ ИГЛА
23 НОЯБРЯ 2020
18:00
Печатник и художница Дарья Климась рассказала и показала технику «сухая игла». Во время мастер-класса мы увидели все – от нанесения изображения на поверхность металлической пластины, пластика или картона острием твердой иглы, что придает линейному рисунку характерную резкость и контраст до завершающего этапа и различных вариантов штриховки и основы работы с краской.
ТЕХНИКА ФОТООФОРТ
30 НОЯБРЯ 2020
19:00
ТЕХНИКА МЕЦЦО ТИНТО
2 ДЕКАБРЯ 2020
19:00
ТЕХНИКА ЛИТОГРАФИЯ
8 ДЕКАБРЯ 2020
19:00
Портфолио-Ревю
VII Московская международная биеннале молодого искусства объявляет финалистов Портфолио-ревю
Экспертные советы, представляющие партнера по трем направлениям, выбрали финалистов:
«АРТ» — 9 финалистов
«Медиа-арт» — 9 финалистов
«Культурная журналистика» — 5 финалистов
Даты проведения программы: 10 — 13 марта 2021.
Программа очных встреч пройдет 11 — 12 марта 2021.
По итогам программы портфолио каждого финалиста будет опубликовано на сайте Биеннале молодого искусства. Всего было подано более 150 заявок из таких городов России, как: Самара, Санкт-Петербург, Краснодар, Киров, Брянск, Тула, Сочи, Новосибирск, Дмитровград, Владимир, Калуга, Сыктывкар, Красноярск, Владивосток, Самара, Мариинск, Екатеринбург, Челябинск, Калининград, Руза, Нижний Тагил, Тверь, Ялта, Нижний Новгород, Балашиха, Омск, Томск, Ярославль Челябинск, Саратов, Липецк, Белгород, Магнитогорск, Тамбов, Новороссийск, Тюмень, Белгород, Пермь, Лосино-Петровский, Чебоксары, Воронеж, Смоленск, Нижний Новгород, Великие Луки, Красногорск, Волгоград, Видное, Одинцово, Арзамас, Ачинск, Копейск, Казань, Артем (Приморский край), Ярославль, Шипулино.
Программа призвана дать возможность молодым художникам и арт-критикам со всей России, работающим в различных областях современного искусства, рассказать о себе и своих достижениях, провести для них специальные образовательные мероприятия с целью повышения их квалификации и дальнейшего развития их карьеры, а также повысить интерес широкого зрителя к современному искусству и работам молодых российских художников. Подать заявку на участие могли художники и арт-критики до 35 лет, проживающие на территории Российской Федерации (за исключением Москвы). Open call на участие в программе открылся 9 ноября и завершился 13 декабря 2020 года.
Портфолио-ревю проходит при поддержке компании СИБУР с 2017 года. Сеть отелей AZIMUT Hotels стала официальным отелем проекта: победители конкурса во время программы будут жить в AZIMUT Отель Смоленская Москва. Институциональными партнерами стали ГМИИ им. А.С.Пушкина, Московская школа современного искусства (MSCA), журнал «Диалог искусств» и интернет-ресурс «Артгид».
Программа Портфолио-ревю впервые была инициирована в 2017 году VI Московской международной биеннале молодого искусства в городе Тобольске совместно с компанией СИБУР в рамках благотворительной программы «Формула хороших дел». Более 70 молодых художников до 35 лет из 6 регионов России смогли получить профессиональный опыт участия в индивидуальных и групповых сессиях с экспертами Биеннале в Тобольске. «Портфолио-ревю» стал проектом, реализующим одну из самых сложных и важных задач биеннале молодого искусства — давать молодым художникам необходимые ресурсы и знания для развития. Сейчас выпускники «Портфолио-ревю» создают региональные сообщества, проводят выставки и другие мероприятия в регионах, связанные с современным искусством. Результаты двухлетней программы в Тобольске привели к решению развивать проект и дальше. В 2020 году Биеннале молодого искусства в рамках программы «Портфолио-ревю» поставила перед собой новые задачи: расширение географической карты проекта, создание отдельных программ по направлениям, в том числе в сфере арт-критики, и проведения многочисленных междисциплинарных мероприятий для молодых художников со всей России.
МЕДИА-АРТ
Финалисты в направлении МЕДИА-АРТ:
1. Борзунов Илья, Самара
2. Вепрева Анастасия, Санкт-Петербург
3. Винк Любовь, Красноярск
4. Ильенок Олеся, Екатеринбург
5. Каракулова Дарья, Самара
6. Кононков Владислав, Владивосток
7. Мартыненко Анна, Санкт-Петербург
8. Окишева Наталья, Владивосток
9. Чугунов Андрей, Екатеринбург
Программа пройдет по адресу:
Территория ГМИИ им А.С. Пушкина в ГЦСИ
Москва, ул. Зоологическая, д. 13
Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина — один из крупнейших в России музеев зарубежного искусства. В коллекции насчитывается около 700 тысяч произведений разных эпох — от Древнего Египта и Античности до начала XXI века. В Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков представлена одна из самых известных в мире коллекций импрессионизма и постимпрессионизма из собраний Сергея Щукина и Ивана Морозова.
В 2017 году музей определил новое направление своей деятельности — «Пушкинский XXI», – ориентированное на современное российское и западное искусство во всех аспектах: выставочном, образовательном и исследовательском. С 2018 года в рамках направления началось формирование первой в России коллекции медиаискусства.
С января 2020 года по инициативе Министерства культуры в состав Пушкинского музея вошел Государственный центр современного искусства (ГЦСИ) с филиалами во Владикавказе, Екатеринбурге, Калининграде, Нижнем Новгороде, Самаре, Санкт-Петербурге и Томске.
Искусствовед, куратор отдела кино и медиаискусства ГМИИ имени А.С. Пушкина и направления «Пушкинский XXI». Работала в научно-методическом отделе ЦВЗ «Манеж», где занималась организацией выставочных и образовательных проектов, среди которых — Открытая школа «Манеж/МедиаАртЛаб», цикл выставок молодых медиахудожников «Большие надежды», выставка и образовательная программа «Золотой век русского авангарда». В 2017 году курировала проекты развития социокультурной политики «Технопарка «Сколково». Работала в Агентстве инноваций города Москвы, в Фонде Винзавод. Финалист программы кураторских стажировок EUNIC 2017 и участник программы Focus 2019 Institut Français. В 2019 году была продюсером павильона России в рамках Миланской Триеннале (третье место, награда «Восковая пчела») и выставки «В конце пребывает начало» ГМИИ им. А.С. Пушкина, которая открылась в церкви Сан-Фантин в Венеции во время Венецианской биеннале современного искусства.
Доктор философии (PhD), защитивший диссертацию по медиа-арту в Лондонском университете, дипломированный специалист по филологии (Университет Бари, Италия) и в области медиаискусства (Лондонский университет, Великобритания). Ведущий в России эксперт в области искусства новых технологий и исследователь российского видеоарта, один из наиболее опытных специалистов по российскому современному искусству из регионов.
Широко публикуемый автор статей о современном искусстве. Лауреат премий «Инновация» и «The Art Newspaper Russia». Заведующий сектором кураторских проектов отдела специальных региональных проектов ГМИИ им. А.С. Пушкина, независимый куратор, лектор и преподаватель.
АРТ
Финалисты в направлении АРТ:
1. Виноградов Антон, Нижний Тагил
2. Датченко Виталий, Санкт-Петербург
3. Ларионова Мария, Санкт-Петербург
4. Мурина Лукия, Томск
5. Павловская Александра, Щелково
6. Потеряев Сергей, Екатеринбург
7. Слобожанина Аня, Санкт-Петербург
8. Старков Алексей, Нижний Новгород
9. Тихонова Наталья, Санкт-Петербург
Программа пройдет по адресу:
Территория Московской школы современного искусства, пространство U Contemporary
Москва, 4-й Сыромятнический пер., 1, стр. 6
Московская школа современного искусства (MSCA) — проект Университета креативных индустрий Universal University и Британской высшей школы дизайна (БВШД). Школа объединила более чем десятилетний опыт БВШД в сфере современного искусства, международного образования и взаимодействия с ключевыми арт-институциями России и других стран. Академический совет Школы отвечает за высокие стандарты преподавания, обучения, взаимодействия с международными партнерами и интеграцию выпускников в локальное и международное профессиональное сообщество. Образовательные программы MSCA: бакалавриат по направлениям Fine Art и Photography в партнерстве с Университетом Хартфордшира, Великобритания (выпускники получают два диплома: британского образца Университета Хартфордшира и MSCA); дополнительное профессиональное образование и переподготовка по направлениям «Современное искусство» и новый курс «Международные стратегии в арт-бизнесе»; интенсивы по различным направлениям. Преподаватели курсов — профессора по современному искусству из Великобритании, Европы и США, специалисты из Christie’s Education New York, Visa, галереи bitforms в Нью-Йорке, The National Arts Club New York, и другие ведущие российских и зарубежные функционеры. Выпускники школы — специалисты международного уровня в области современного искусства: художники, фотографы, кураторы, сценографы, галеристы, арт-дилеры и арт-менеджеры. Попечительский совет: Хуан Круз (Художник, профессор и директор Эдинбургского колледжа искусств), Софья Троценко (основатель Центра современного искусства Винзавод), Ольга Свиблова (основатель и директор Мультимедиа Арт Музея), Сепаке Ангиама (художественный руководитель Института международных изобразительных искусств), Сьюзен Коллинз (британская художница и профессор), Эндрю Стайл (руководитель факультета живописи в Школе изящных искусств Slade), Майкл Армитаж (современный художник, представленный галереей White Cube), Тимоти Хайман (арт-критик и художник).
Собственное выставочное пространство U Contemporary — новый этап в образовательном процессе MSCA. Пространство U Contemporary, базирующееся на территории Винзавода, станет некоммерческой платформой для интеграции художников в международный арт-процесс и обмена опытом между зарубежным профессиональным сообществом и студентами через выставочную деятельность.
Окончил Восточный факультет Санкт-Петербургского государственного университета. Получил магистерскую степень в области кураторских исследований совместной программы Бард-колледжа (Нью-Йорк) и СПбГУ.
Стажировался в Центральном институте Хинди (Нью-Дели) и Гейдельбергском университете, был участником программы TRANScuratorial Academy (Берлин / Мумбаи). Сотрудничал с фондом Calvert 22 (Лондон), Фондом культуры и искусства «Pro Arte» (Санкт-Петербург), международной организацией CEC ArtsLink (Нью-Йорк / Санкт-Петербург) и другими институциями. В 2019 году стал лауреатом Государственной премии в области современного искусства «Инновация» в номинации «Куратор года» за выставку «Ткань процветания» (совместно с Валентином Дьяконовым и Екатериной Лазаревой).
Окончила Национальный исследовательский университет «Высшая школа экономики», также обучалась в Московской школе фотографии и мультимедиа им. Родченко, Университете Кингстон (Лондон), Открытой школе «Манеж/МедиаАртЛаб» (Москва).
Среди кураторских проектов: выставка Евгения Антуфьева «Семь подземных королей или краткая история тени» (галерея Regina), «Отсутствующие монументы» (ЦСИ «Заря»), со-куратор проекта «Процессы. Опыты искусства в музее» (Музей истории ГУЛАГа), со-куратор проекта «Опыты нечеловеческого гостеприимства» (MMOMA), со-куратор выставки Кирилла Савченкова Office of Sensitive Activities / Applications Group (MMOMA), со-куратор проекта «Генеральная репетиция» (MMOMA), куратор FOMO Sapiens (CosMoscow 2018 / Collector’s Eye).
Живет и работает в Москве.
Директор Московской школы современного искусства, куратор программы дополнительного профессионального образования «Современное искусство», художник. Окончил Slade School of Fine Art, UCL (BA (Hons) Fine Art) и Royal Drawing School (Postgraduate Diploma, Великобритания). Куратор многочисленных выставочных проектов.
КУЛЬТУРНАЯ
ЖУРНАЛИСТИКА
Финалисты в направлении КУЛЬТУРНАЯ ЖУРНАЛИСТИКА:
1. Бирюкова Анастасия, Нижний Новгород
2. Кораблева Анастасия, Санкт-Петербург
3. Поликарпова Галина, Санкт-Петербург
4. Стрига Надежда, Березовский, Свердловская обл.
5. Шушаричев Лев, Екатеринбург
Программа пройдет по адресу:
Территория ГМИИ им А.С. Пушкина в ГЦСИ
Москва, ул. Зоологическая, д. 13
«Диалог искусств» — печатный журнал о современном искусстве с лимитированным тиражом. «Диалог искусств» — перископ в мир современного искусства. ДИ внимательно следит за соединениями разных культурных сфер, фиксирует изменения тенденций и вкусов, выявляет самые актуальные вопросы и проекты, анализируя их с позиций экспертов из разных гуманитарных сфер. Каждую обложку и «тему» оформляют современные художники специально для «Диалога искусств».
Интернет-ресурс «Артгид» посвящен художественной жизни и современному искусству и задуман как платформа для коммуникации профессионалов и любителей искусства.
Самыми разными способами «Артгид» рассказывает об актуальном, интересном и важном в мире визуального искусства — его теории и практике, сообществе и людях, влиятельных музеях и независимых площадках.
Окончила факультет истории искусства Российского государственного гуманитарного университета (квалификация «искусствовед, историк искусства»). В 2008 участник образовательной программы Art plastique в La maison des cultures du monde (Париж). До 2009 обозреватель журнала «Артхроника». С 2010 по 2011 — редактор отдела «Искусство» журнала L’Officiel. С 2011 — шеф-редактор сайта artguide.com. С 2012 шеф-редактор русской версии журнала Garage Magazine. Автор многочисленных публикаций в изданиях ART+AUCTION, Artpress (Франция), ArtNews (США).
С 2017 по 2019 — преподаватель бакалаврской программы «История искусств» Факультета гуманитарных наук НИУ ВШЭ. Составитель и преподаватель курса «Актуальное искусство России».
С 2019 преподаватель магистерской программы музея современного искусства «Гараж» и НИУ ВШЭ «Практики кураторства в современном искусстве». Составитель и преподаватель курса «История и теория современной культуры».
Окончила факультет теории и истории искусств Российской академии художеств (Санкт-Петербург), аспирантуру ВШЕК Российского государственного гуманитарного университета (Москва), Высшие курсы сценаристов и режиссеров мастерская П.Е. Тодоровского и Н.Б. Рязанцевой (Москва).
Постоянный автор Colta.ru, «Диалога искусств», «Кино ТВ» и КиноПоиска. Шеф-редактор интернет-издания «Искусства кино».
Окончила факультет истории искусства Российского государственного гуманитарного университета по специальности «Искусствовед, историк искусства». Стажировалась в университетах Ка’Фоскари и IUAV в Венеции (Италия). С 2017 года возглавляет научно-издательский отдел Московского музея современного искусства и занимает должность главного редактора журнала «Диалог искусств». В разные годы работала в галереях Лизы Плавинской, «Арт-стрелка» и GMG. Занимала должности обозревателя выставок в журнале «Афиша», редактора «Арт-гида», заместителя главного редактора Interview Russia. Также писала для изданий: «Большой город», «Сноб», Forbes, Vogue, The Blueprint, «Проект Россия», Esquire и других. Редактор-составитель юбилейной книги ЦСИ «Винзавод» «Краткая история российской культуры 2007–2017», каталога павильона России на Венецианской биеннале 2017 года, каталогов «Андрей Бартенев» и «Сальвадор Дали и медиа» (ММОМА) и других изданий.
Параллельная
программа
В рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства состоялся open-call для институций Москвы для участия в Параллельной программе, которая проходит с сентября 2020 до января 2021 года.
Проекты параллельной программы Биеннале осуществляются на разных площадках города Москвы, а возраст участников и кураторов не превышает 35 лет. На конкурс было подано 36 заявок: из них 13 — от государственных организаций и 23 — от частных институций. По итогам open call в параллельную программу вошли 23 проекта, инициированные московскими институциями. Данные проекты направлены на взаимодействие с молодым искусством и затрагивают актуальные темы в современном контексте.
В рамках параллельной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства проходят следующие проекты:
Кураторы: Анна Арутюнян, Андрей Егоров
Художник: Иван Новиков
Московский музей современного искусства совместно с галереей pop/off/art представляют выставку «Против зерна» — первый персональный музейный проект Ивана Новикова, молодого художника, который заявил о себе в начале 2010-х гг. и за прошедшие годы стал одним из наиболее заметных участников актуального художественного процесса в России. Новиков совмещает в своей работе беспредметную живопись и инсталляционные практики. В фокусе его внимания — границы, напряжение и взаимообмен, между природой и культурой, между органическими системами и цивилизационным воздействием человека на них.
Эта универсальная оппозиция обретает у Новикова личное прочтение: его интересуют социально-политические катаклизмы, которыми отмечена история стран Индокитая второй половины XX века — прежде всего, война во Вьетнаме, разделенном на два идеологических лагеря, и масштабное насилие, учиненное режимом «красных кхмеров» в Камбодже. Художник рассматривает эти сюжеты в свете современных постколониальных и экологический теорий и парадоксально соотносит их с проблематикой абстрактной живописи. Именно живопись становится для него тем медиумом, сквозь материальную структуру которого — холст, грунт, пигменты, связующие, фактуру, цвет — в равной мере проявляет себя природное и антропогенное. Название выставки отсылает к вышедшей в 2017 году одноименной книге известного американского политолога и антрополога Джеймса Скотта (Against the Grain: A Deep History of the Earliest States), изучающего опыт низового сопротивления государственному угнетению, прежде всего, в горных частях Юго-Восточной Азии. Экспозиция объединит ряд проектов и инсталляций художника — из собрания автора и частных коллекций, — которые ранее уже демонстрировались на разных площадках и теперь будут переосмыслены для пространства MMOMA на Гоголевском бульваре. Среди них «Я хочу бояться леса» (2014), «Перевернутая корзина» (2015), «Льенсо» (2016), «Чемоданы без действия» (2017), «О двух концах» (2018). Также будут представлены новые, специально созданные работы.
Задействующие живопись и графику, фотографии и видео, скульптуры и реди-мейды, растения и продукты массового потребления — вместе они, словно фрагменты пазла, сложатся в цельное повествование. Выставка в MMOMA обобщит и в некотором роде подытожит размышления Новикова о недавнем прошлом важного для него региона, о современном глобальном миропорядке и об этическом потенциале искусства.
Место проведения:
ММОМА
Гоголевский бульвар, д. 10, стр. 2
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 21:00
понедельник — выходной
Вход: полный 350 р, льготный 150 р
www.mmoma.ru
Художники: Екатерина Герасименко, Евгения Дудникова, Ника Черняева
Организатор: JART gallery
Наблюдая за творчеством молодых художников, работающих в жанре фигуративной живописи, мы обнаружили, что многих из них интересует тема преломления реальности. Представленные нами художницы - Екатерина Герасименко, Евгения Дудникова и Ника Черняева - по-своему интерпретируют окружающий мир. Разнообразие выбираемых авторами приемов отражают тенденции исследования этой темы в молодом искусстве.
Предметы, выхваченные из реальности и помещенные в непривычное окружение, создают новую реальность. Узнаваемые объекты вызывают диссонанс и заставляют зрителя задуматься о подлинности происходящего. Художницы берут за основу детские воспоминания или впечатления о конкретных людях, предметах или явлениях, зафиксированные на фотографиях или эскизах, и перерабатывают их, таким образом создавая ощущение двойственности окружающего мира.
Тема “нереальной” реальности – одна из главных в творчестве Евгении Дудниковой. Фигуры людей и предметы на ее картинах узнаваемы, но при этом герои оказываются в фантастическом окружении, действие разворачивается на фоне мистических пейзажей, а сюрреалистические сюжеты напоминают то ли явь, то ли сон. Переосмысленная реальность в ее работах похожа на утопию, но, возможно, именно так выглядит наше будущее.
Живописные работы из серии “Ахмат” художница Ника Черняева создает на основе фотографий, сделанных в деревне у бабушки с дедушкой, куда её в детстве отправляли на летние каникулы. Однако в качестве эскиза используется не сам кадр, а коллаж, созданный из нескольких изображений. Таким образом автор создает монтаж реальности, корректирует ее. Холсты превращаются в воспоминания о реальных событиях, которых на самом деле не было.
Снимки, часто смазанные, сделанные на скорую руку на мобильный телефон, становятся основой работ еще одной художницы - Кати Герасименко. Художница перерабатывает эти фотографии, привнося в них некоторый контекст, или наоборот — извлекая из него запечатленные объекты - обыденные предметы из повседневной жизни, предметы из реальности, которая кажется нам привычной. Выхваченные из привычного нам мира реальных вещей, помещенные в центр композиции живописного полотна, ярко окрашенные (иногда в прямом смысле) эмоционально, они оказываются в центре параллельной реальности, созданной автором.
Место проведения:
JART gallery
3-я ул. Ямского Поля, 9, А115
Время работы:
понедельник, воскресенье 11:00 — 20:00
вторник — пятница 11:00 — 21:00
суббота 12:00 – 20:00
https://jartgallery.art
Кураторы: Диана Джангвеладзе, Мария Доронина
Организатор: ММОМА
Маточкин шар – это оригинальное название пролива между северным и южным островами Новой Земли. С поморского диалекта в свободной форме его можно было бы перевести как Пролив компаса. Метафорическая – иллюзорная и литературная – топография стала точкой отсчета для двухчастного проекта, в котором задействованы произведения из собрания ММОМА. Оттолкнувшись от образа освоения неизвестных территорий, с которым риторически связана Московская молодежная биеннале и с которым ассоциируется процесс исследовательской работы с музейной коллекцией, мы сфокусировали свое внимание на проблеме нового, инородного, не вписывающегося, иррационального и, с другой стороны, как следствие, на археологии, культуре памяти и коллективной идентичности. Выставка повествует о terra incognita, история которой приобретает два симметричных прочтения и таким образом приобретает своего рода бинокулярный характер. Экспозиция «Маточкин шар *», реализованная на 4 этаже Образовательного центра, обращается к образу мистерий и провидения, в то время как «* Пролив компаса», разместившийся на 3 этаже, посвящен размышлению о практиках коммеморации опытов откровения.
На выставке будут представлены работы Николая Андронова, Бориса Анисфельда, Уты Бекая, Ивана Бражкина, Германа Виноградова, Антона Гинзбурга, Ивана Горшкова, Дебеша Госвами, Ренато Гуттузо, Елены Елагиной, Владислава Мамышева-Монро, Николая Кошкина, Александра Кутового, Игоря Макаревича, Бориса Орлова, Павла Пепперштейна, Виктора Пивоварова, Андрея Ройтера, Татьяны Сельвинской, Андрея Филиппова, Рены Цузмер, Павла Шимеса, Евгения Юфита и др.
Место проведения:
ММОМА, Ермолаевский переулок, 17, 3, 4 этажи
Время работы:
вторник — воскресенье: 12:00 — 21:00
Вход: бесплатно
www.mmoma.ru
МУЗЕЙ ВАДИМА СИДУРА
Кураторы: Катрин Борисов, Екатерина Новокшонова
Художник: 0331с
Организаторы: Московский музей современного искусства, Музей Вадима Сидура, Фонд содействия развитию современного искусства Ruarts
При участии: музыкальной компании и лаборатории звуковых исследований Kotä Records
Многочастный проект художника 0331с «ПО ГОЛОВАМ» обращается к концепту исторической памяти, хранящейся в артефактах современного городского пространства.
Концептуальное ядро проекта составляет галерея изображений людей, которые, будучи не связанными друг с другом лично, образуют общий портрет молчаливых свидетелей истории. 0331с обнаруживает аффективные следы человеческого присутствия, образы жизни и взаимодействия с городским пространством, укорененные непосредственно на улицах города, в его социально-исторической ткани. Камень брусчатки, который уже давно стал исторической и декоративной составляющей современного городского ландшафта, выступает в проекте в качестве самостоятельного физического элемента среды и одновременно непосредственного хранителя памяти поколений: трещины, потертости, сколы — свидетельства жизни людей, чьи личные истории забыты.
Высекая изначально возникшие из мимолетных повседневных зарисовок портреты анонимных персонажей в «вечном» камне габбро-диабазе, 0331с одновременно наделяет их символическим местом в истории и подчеркивает непостоянство памяти: повседневное и, по сути, незамеченное прохождение «по головам» трансформирует изображение, оставляя фрагментарный образ, подобный смутному воспоминанию.
Отвечая на вызов последующего неизбежного забвения, художник создает собрание эстампов, отпечатков с каждого из камней, воскрешая свидетелей истории в памяти их потомков. В противовес уложенной на полу брусчатке в пространстве на Гоголевском бульваре, эстампажи «литограффити», взмывающие вверх, под потолок музея Сидура, становятся способом преодоления прерывности человеческой памяти и инструментом овладения временем. Тонкая рисовая бумага, на которой выполнены портреты, становится символом хрупкости и мимолетности присутствия отдельного человека в бурлящем потоке истории.
Помещенные впоследствии в специально созданные художником гранитные шкатулки, портреты обретают нетленность и бессмертие, парадоксально оставаясь безвозвратно забытыми в вечном камне. Торжественность символического погребения в вечности рождается во включенном в экспозицию музыкальном произведении «Марш Тишины», которое своим размеренным ритмом манифестирует момент утраты и длящееся безмолвие «немых» свидетелей истории. Сами же шкатулки выполняют функцию памятника, указывающего на отсутствие или нехватку, замыкая цикл забвения-воскрешения.
Место проведения:
Московский музей современного искусства
Гоголевский бульвар, 10
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 21:00
понедельник — выходной
Музей Вадима Сидура
ул. Новогиреевская, 37А
Время работы:
среда — воскресенье 14:00 — 21:00
понедельник — выходной
Вход:
ММОМА: 350 руб
Музей Вадима Сидура: 150 руб
Единый билет на две площадки на время проведения выставки: 350 руб
www.mmoma.ru
Куратор: Оксана Чвякина
Художники: Гедиминас Даугела, Ирина Иванникова, Икуру Куваджима, Олеся Лавриненко, Александра Михайлова, Саша Госмант, Александра Налетова, Анастасия Свириденко, Анна Сопова, Шамиль Шааев, Антанас Яциневичюс
Организатор: ММОМА
Место проведения:
ММОМА, Гоголевский б-р, 10/1, 1 этаж
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 21:00
Вход: По входному билету в музей
www.mmoma.ru
Куратор: Самоорганизация Диск (Алина Измайлова, Шамиль Шааев)
Организатор: Галерея 25 Кадр
Галерея 25Кадр и самоорганизация Диск приглашает молодых художников принять участие в Параллельной программе VII Московской международной биеннале молодого искусства. В течение 10 дней на площадке галереи будет происходить перформативное взаимодействие между художниками и организаторами Диска. Опираясь на историю здания галереи (особняк Свешниковой 1913 года, который прошел путь от усадьбы, коммунальных квартир и офисов) было решено освятить ту сторону искусства, которая обозначается как бюрократическая. Смысл этого, показать приходящим в галерею зрителям (а также через трансляцию в инстаграм) процессы, предшествующие выставке, за пределами доступности взгляда посетителя (сбор заявок, портфолио-ревью, заполнение договоров; складирование работ на стеллажах). Во время таких встреч, мы будем говорить о практиках художника, его работах (будет производиться документация встреч). Работы на экспозиции будут оставаться в упаковке, которая использовалась художником при транспортировке. Или частично раскрываться, оставляя “шелуху” так же непосредственно в выставочном пространстве. Таким образом, степень значимости организационного этапа выставки и людей, принимающих в нем участие, будет выдвинута на передний план, не умаляя его. Свою роль самоорганизация Диск определяет, как солидаризация участников процесса создания выставки и создание ситуации эксперимента на консервативном поле искусства.
Место проведения:
Галерея «25 Кадр»
ул. Новокузнецкая, д. 29, стр. 1
Время работы: 13:00 — 20:00
www.instagram.com/disk.peakart
www.instagram.com/25kadrgallery
Программа Nexus New
Художник: Анастасия Галеева
Организатор: Центр творческих индустрий «Фабрика»
Что происходит со звуком, когда исчезает его источник?
Огромный интерес для исследователя представляет непостоянство городского саундскейпа, в котором звуки незаметно и бесследно исчезают в бурлении мегаполиса. Выставка «Закон сохранения звука» родилась из стремления актуализировать опыт прислушивания к звукам, которые совсем недавно составляли саундтрек нашей жизни.
Однако, это не ностальгия по прошлому, не попытка ухватиться за воздух. Город меняется, звуки исчезают и появляются, – это естественно. Мы же сохраняем исчезающий звук, чтобы он трансформировался в музыку, документ-абстракцию. Те, для кого эти звуки были частью повседневности, наделяют исчезающий звук сакральным, понятным только им одним смыслом. В порыве документации открываются миры, в которых газовая колонка –домашнее животное, а хлопки по ковру напоминают техно-рейв. Истории, рассказанные нам городскими «очевидцами» (хотя западный термин «ear witness» в этом смысле был бы точнее), – тоже своего рода документ и саунд-скульптура.
Цех Отделки становится шумовым оркестром. Звуки, исчезнувшие из московского звукового ландшафта, оживают и звучат впервые на фоне фабричного нойза. Голос и шум, прошлое и настоящее едины в пространстве аудио-инсталляции.
Звуки и интервью были собраны доцентом филологического факультета МГУ им. М.В. Ломоносова и руководителем научного семинара «Антропология звука» Андреем Логутовым, и его студентами в рамках курса по sound studies.
Место проведения:
Центр творческих индустрий «Фабрика»
Переведеновский переулок, 18
Открытие: 9 сентября 2020, 19:00
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 20:00
понедельник — выходной
http://fabrikacci.ru
Художница: Юлия Иосильзон
Организатор: Osnova gallery
Туфли незнакомки свешиваются из ниоткуда и оказываются на плечах героев картины, из зарослей выглядывает задумчивый, но загадочный образ, змеи оплетают и опутывают все вокруг... Персонажи Юлии Иосильзон живут в мире, полном радости и веселья, но, в то же время, всеобъемлющего матриархата, власти женщины. Они многогранны и очень загадочны, как и женская натура. Но это не ставшая мейнстримом феминистская повестка, а новая грань восприятия женственности и чувственности, легкости, которая объемлет зрителя и самого художника.
Не случайно в работах Иосильзон повсеместно присутствует хогартовская «линия красоты» – s-образный изгиб, впервые описанный британским художником и теоретиком Уильямом Хогартом в трактате «Анализ красоты». Единство и разнообразие, энергия и положительные эмоции – они появляются, благодаря тому самому изгибу.
Место проведения:
Osnova gallery
Холодильный переулок, д. 3, стр. 5
Время работы:
среда — пятница 13.00 — 20.00
суббота — воскресенье 11.00 — 17.00
(посещение по договоренности, выбрать время визита в разделе "Контакты" на www.osnovagallery.ru )
Вход: свободный
www.osnovagallery.ru
Кураторы: Богомаз Кети, Максим Змеев
Художник: Максим Змеев
Организатор: Zmeyev Gallery,
Виртуальное пространство стало значимой частью современности. Если раньше мы говорили о вторжении виртуальности в реальную жизнь, то сейчас ставится под сомнение "нереальность" цифрового пространства. Так же, как и предметы физического мира, виртуальный мир имеет определенный "жизненный цикл" и способен к исчезновению.
Проект "Out of the map" создан на основе видеоигры "Red Dead Redemption 2", построенной по принципу открытых миров "open world", в которых игрок может самостоятельно исследовать доступное ему пространство. Визуальная составляющая игры фотореалистична, а геймплей создает максимальную симуляцию реальности.
Игровая карта RDR2 имеет определенные границы геймплея, установленные разработчиками, однако, за счет багов их можно пересечь. Художник выходит в свободное пространство за пределы мира, визуально проработанного создателями. Перед игроком предстаёт территория, сформированная кодом, где генерация пейзажей осталась предоставлена сама себе.
Даже здесь фотореалистичные пейзажи сложно отличить от "настоящих", и только еле уловимый глич показывает внимательному зрителю, что его местонахождение за основным игровым пространством.
Проект "Out of the map" – это внутриигровые фотографии, созданные за границами карты. Сгенерированная кодом картинка перемещается на осязаемую поверхность, бумагу, и становится частью физического мира. Изображения виртуальных пейзажей и растений дополняются настоящими высушенными цветами.
Проект визуализирует соприкосновение и взаимопроникновение двух миров, оба из которых конечны. С развитием технологий устаревают цифровые носители, меняются способы хранения данных. Подобно цветам, превратившимся в гербарий, цифровая картинка спустя какое-то время может исчезнуть насовсем, так как почвы для ее воспроизведения просто не будет в природе.
Место проведения:
Zmeyev Gallery
Ленинский проспект, д. 31, стр. 1
Дата открытия: 17 сентября в 19:00
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 21:00
понедельник — выходной
Вход: свободный
Для посещения выставки звонить по номеру +79150692437
instagram.com/maximzmeyev
Художники: Николай Ульянов, Юлия Вергазова
Организатор: Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина
Саунд-инсталляция
Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина совместно с Центром «Благосфера» представляют проект молодых художников Юлии Вергазовой и Николая Ульянова «Аппроксимация несовозможными» в рамках параллельной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Темперация – изменение интервалов музыкального строя, приводящее к их отклонению от акустически чистых интервалов. Проще говоря, между «до», «до диезом» и «ре» находятся еще множество звуков, которых мы с вами не можем или не привыкли слышать. Темперация и является приближением к этим звукам. Инсталляция художников позволит вам, совмещая произвольным образом звуковые проекции от различных источников, услышать уникальные композиции.
«Представление о том, что навсегда осталось в прошлом, можно составить на основе оставленного следа, – говорят Николай Ульянов и Юлия Вергазова. – Одно из названий для набора темпераций, используемых в нашем проекте – «scale tree». Так же называется вымерший вид деревьев - лепидодендронов. Вряд ли мы сможем когда-нибудь увидеть или услышать их вживую - они вымерли около 200 миллионов лет назад. В этой работе мы предлагаем зрителю получить опыт восприятия множества многомерных отображений музыкальной композиции, существующей лишь в вымышленном пространстве».
Место проведения:
Центр «Благосфера»
м. Динамо, 1-й Боткинский проезд, д. 7, стр. 1
Открытие: 18 сентября 2020, 19:00 — 21:00
Время работы:
понедельник — пятница 16.00 — 21.00
суббота — воскресенье 12.00 — 21.00
Вход: свободный
Дресс-код: маска, перчатки и хорошее настроение.
Регистрация на событие: https://smirnovartsorokin.timepad.ru/event/1429626/
Информационные партнёры — ArtTube, curate.moscow
www.blagosfera.ru
Художник: Маркос Анзиани
Организатор: ASKERI GALLERY.
Маркос Анзиани (Marcos Anziani) (род. 1984) – молодой американский художник доминиканского происхождения, живет и работает в Нью-Йорке.
Маркос начал свой путь в искусстве сравнительно поздно, подобно художникам прошлого века, Анри Русо или Полю Гогену. За короткий промежуток времени, начиная с 2016 года, этот молодой и перспективный живописец уже произвел яркое впечатление на художественный мир.
Маркос работает в жанре лирической абстракции с элементами экспрессионизма. Его художественный язык близок стилю Виллема де Кунинга, Жоана Миро и Жана Мишеля Баския. Композиции произведения напоминают об абстракциях Кандинского.
В своих работах художник стремится обуздать энергию красочных пятен в рамках четко заданной плоскости холста. Абстрактные формы переплетаются с простыми линиями, создавая примитивистские образы людей и предметов. Творческий хаус, царящий в работах Анзиани, уравновешивается теплыми колористическими решениями.
Анзиани воспринимает живопись как способ выражения эмоций и мыслей. Художник умозрительно помещает себя внутрь картины и концентрируется на одном образе или идее, находя живописное воплощение своим размышлениям. Он строит композицию изнутри, полностью отдаваясь ей. Так возникают по-настоящему искренние «портреты» внутреннего состояния художника, чувственного восприятия, оттиски полета его воображения.
Маркос Анзиани активно развивается как художник и стремится создать искусство, которое продолжит пути поисков великих мастеров ХХ века.
В России Маркоса Анзиани эксклюзивно представляет ASKERI GALLERY.
Место проведения:
ASKERI GALLERY
ул. Поварская, 31/29
Время работы:
понедельник — пятница 10:00 — 19:00
Вход: свободный
www.askerigallery.com
Куратор: Шумилова Елизавета
Художники: Анастасия Королева и Михаил Марушкин
Организатор: Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина
Две работы стянуты в одну нить, хаос здесь воплощает слышимость невидимой системы дисциплин. Основное повествование строится вокруг двух историй.
Первая работа — история обмена агрессивной экспрессии. Здесь повествование строится на непосредственном контакте с лесом. Человек записывает звучащую среду, воздействует на запись, манипулирует ей. Затем он предоставляет возможность произвести свою интервенцию скрытой от глаз агентности леса. Использование аналогового способа записи звука позволяет прикоснуться к моменту превращения невидимой природной активности в аудиальный образ симметричного воздействия. Благодаря хаосу непредсказуемости процесса внесения возможных изменений, в момент погружения магнитофонной записи под землю, мнимый контроль был утрачен.
Вторая работа продолжает заданный темп повествования, раскрывая историю в более привычной среде. То, что человек так тщательно вытеснял во внешнем ему, обнаруживает себя, как природное ядро, скрытое за структурной не видимостью тела. Природное сообщает нам о своем опосредованном присутствии, через холодный механизм конструкции. Зритель обнаруживает скрытый, чужеродный элемент, который выдает вытесненное вновь, в момент со-присутствия.
В структуре проекта мы обнаруживаем, что нечто, ставшее чужим для нас, возвращается средь триумфа культуры и искусства. Происходит не утрата контроля, а интервенция той самой природы, которую сознательно призвали и провоцировали, в момент закапывания пленки или выхода на диалог, ничем не опосредованного. Дойдя до кульминации, находясь в моменте предъявления артефакта, становится очевидно обнажение вытесненного привычного, присутствующего как невидимый страх, отзвук тех сил, что находятся вне контроля.
Место проведения:
Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина
ул. Правды, д. 24, стр. 2, 2 этаж
Открытие: 1 октября 2020, 19:00 — 22:00
Время работы: ежедневно 12:00 — 20:00
Вход: свободный
www.smirnovartsorokin.ru
Куратор: Башмакова Ксения
Художники: Софья Афанасьева, Ирина Бабкина, Марина Бартош, Анна Дмитри, Анастасия Гринь, Вероника Калачева, Юлия Кушнаренко, Василиса Лебедева, Надежда Лисина, Евгений Малышев, Амир Мамин, Ольга Рябова, Елена Скрипкина, Екатерина Финкельштейн, Дина Четвертная, Мария Черткова, Шамиль Шааев, Наталья Конюкова
Организатор: Фонд культурных проектов “Четверг”
Художники работают с историями жителей дома престарелых и на их основе осмысляют эпоху 60-х годов в СССР и феномен памяти. Образ 60-х проходит через множество фильтров: политических, исторических, психологических. Прямая речь жителей пансионата №29, рассказывающих о своём личном опыте, превращается в сложносоставной нарратив из множества голосов и свидетельств. С этим нарративом вступают во взаимодействие художники. 19 работ, созданных в различных медиа, закручиваются в спираль, создавая напряжение между аналитическими и более эмоциональным, даже интимными высказываниями. Проходя через фильтры восприятия, мы отправляемся в путешествие по лабиринту воспоминаний, чтобы встретить любовь всей жизни в бассейне «Москва», сфотографироваться с Юрием Гагариным, купить новый книжный шкаф и потратить первую зарплату на подарки для всей семьи. Произведения складываются в образ 60-х годов — более объемный, чем документальные свидетельства, и более живой, чем архивные фотографии.
Формат: выставка в двух частях, представляющая работы 18 художников в разных медиа (инсталляция, живопись, графика, скульптура, фотография, видеоарт)
Место проведения:
Фонд культурных проектов «Четверг»
Бизнес-квартал Арма
Нижний Сусальный переулок, д. 5, стр. 18, 3 этаж
Время работы:
понедельник — пятница 12:00 — 19:00
http://chetverg-fond.ru
Куратор: Ольга Красуцкая
Участники: Ольга Красуцкая , Асмик Мелконян , Рома Казус, Евгения Воронова , Василиса Липатова , Андрей Шкарин
Организатор: Галерея «Файн Арт»
Мысль, форма, пластика линий. Параллельное сосуществование объектов, концепций и миров. Проект «Параллели» объединяет произведения художников, выстраивающих собственную вселенную посредством различных художественных средств. Их творческое осмысление собственной сущности и окружающего мира сводится в параллельное взаимодействие пространства и произведения, нескольких пространств, нескольких произведений и т.д. Параллель задает множественность путей освоения современности через искусство. Художники создают некий разлом в пространстве, сотворяя еще один мир, измерение, иное сознание. Представленные произведения продолжают друг друга, перетекают в пространство, вступают в диалог со зрителем. Комбинация линий, структур, едва уловимых образов и теней. Воздух пронизывает прозрачную скульптуру Липатовой, в нем растворяются минималистические полотна Красуцкой и Мелконян. Воздушные шары присутствуют в виде художественных объектов, живописных образов или readymade Казуса и Шкарина. Частью живописного пространства работ Вороновой являются геометрические конструкции, создающие новое пространство. Поэтическая геометрия сливается с идеей о другом пространстве жизни, которое может представляться как фантастический или же виртуальный мир.
Место проведения:
Галерея «Файн Арт»
ЦСИ ВИНЗАВОД
4-й Сыромятнический переулок, 1/8
Время работы:
вторник — воскресенье 13:00 — 20:00
понедельник — выходной
Вход: свободный
www.galleryfineart.ru
В рамках проекта Launchpad
Екатерина Герасименко
Галерея «Триумф»
Открытие выставки состоится 15 октября в 19:00.
Вход по предварительной аккредитации и регистрации на сеансы.
Галерея «Триумф» представляет первую персональную выставку «Помехи» Екатерины Герасименко. Выставка пройдет в рамках программы Launchpad, организованной галерей для поддержки молодого искусства.
Екатерина Герасименко работает в нескольких жанрах, экспериментируя с живописью и скульптурой. В своих работах художница почти не изображает людей: ей больше интересны места, в которых они находятся и живут, предметы, которыми они наполняют свои пространства, вещи, которые формируют монотонность. Екатерина говорит, что будничные детали и обыденные места, которые она изображает, являются не чем иным, как проекцией бессознательного обитателей этих мест:
Чаще я обращаюсь не к самим людям, а к пространствам, в которых они живут, и к предметам, с которыми они взаимодействуют — это истории, которые остаются за кулисами, личные переживания людей, выраженные через нарочито простые, бытовые предметы.
При этом места и происходящие сюжеты в картинах Екатерины Герасименко не передаются с фотографической доскональностью — в них всегда присутствует что-то чуждое изображаемой среде. Будь то садовая фигура льва, прячущаяся за металлическим ограждением в затемненной комнате, или же одиноко стоящий в парке роскошный обитый стул, на который вместе со зрительским устремился взгляд проходящей мимо дворняги. В каждый сюжет вкрадываются некоторые помехи, которые соединяют реальность с чем-то мимикрирующим под нее.
Исследования пространства в сочетании с художественным осмыслением и интерпретацией обыденности выявляют в конечном счете огромный культурный и психологический пласт. Рассматривая топосы, художница тем самым подвергает анализу образы, являющиеся проекциями человеческой психики наружу, во внешний мир. Ракурс наблюдателя, с позиции которого в пространстве холста представлены изображенные места и предметы, вовлекает в это исследование зрителя.
Для посещения выставки необходима регистрация, которая доступна на сайте галереи
https://www.triumph.gallery
Выберите удобные день и время посещения выставки. Обратите внимание, что количество мест ограничено. Планируйте свой визит заранее. Вы можете отменить свой визит, написав нам на почту info@truimph-gallery.ru или по телефону +7 (495) 162-08-93.
Место проведения:
Галерея «Триумф»
ул. Ильинка, д. 3/8, стр. 5
Время работы:
ежедневно 11:00 — 20:00
www.triumph.gallery
В рамках проекта Launchpad
При поддержке фонда «Культурное пространство»
Открытие выставки состоится 15 октября в 19:00.
Вход по предварительной аккредитации и регистрации на сеансы.
Галерея «Триумф» представляет первую персональную выставку петербургской художницы Евы Хелки. Выставка пройдет в рамках программы Launchpad, организованной галереей для поддержки молодого искусства.
Ева Хелки работает в широком спектре техник, часть из которых представлена на выставке в ее живописных работах и инсталляциях. В своих работах художница перерабатывает древние мифологические сюжеты и проецирует их на современную реальность. Героями ее работ становятся близкие Еве люди, а действие в картинах происходит на Васильевском острове — там, где живет художница.
Эстетика, которую создает Ева в своих произведениях, близка скорее не к пересказу вечных ценностей, выраженных в мифах, а к трепетному вниманию, уделяемому самой метаморфозе как процессу. Художнице интересно изображать неоконченное превращение, которое будто бы осциллирует между прошлым и будущим, между недосказанностью и завершенностью.
Желание зафиксировать саму метаморфозу выражается в выбранной Евой технике, при которой в пространстве работы, выполненной на фанерных листах, передний и задний планы накладываются друг на друга и образуют что-то среднее между картиной и ассамбляжем. Этот двойственный эффект достигается за счет использования и других материалов: зеркал, оргстекла, метала, темперы. Фон и контекст этих произведений потому могут легко меняться и подвергаться перестановке, а герои картины оказываются лишенными привязки к какому-либо топосу — важно лишь то, что с ними происходит.
В работах Евы миметическое переплетается с мистическим, а личное — с мифическим. И вместе эти противоположности образуют мир множества странствующих среди нас архетипов, дошедших из других эпох. Он оказывается собственной проекцией художницы на Васильевский остров, утопический остров блаженных, в котором персонажи с картин застыли за несколько мгновений до того, как их метаморфоза наконец осуществится.
Для посещения выставки необходима регистрация, которая доступна на сайте галереи
https://www.triumph.gallery
Выберите удобные день и время посещения выставки. Обратите внимание, что количество мест ограничено. Планируйте свой визит заранее. Вы можете отменить свой визит, написав нам на почту info@truimph-gallery.ru или по телефону +7 (495) 162-08-93.
Место проведения:
Галерея «Триумф»
ул. Ильинка, д. 3/8, стр. 5
Время работы:
ежедневно 11:00 — 20:00
www.triumph.gallery
Куратор: Александр Буренков
Место проведения:
Образовательный центр ММОМА
Ермолаевский переулок, д. 17
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 21:00
Вход: бесплатно
Куратор: Мария Кузьмина
Организатор: ЦПКиО им. Горького
В любом профессиональном творческом процессе значительную роль играют вещи с творчеством непосредственно не связанные: договоры, финансы, маркетинг. Они занимают время, создают поле напряжения и неопределённости в работе с институциями и с творческим сообществом. В случае неправильного отношения, игнорирования они приводят к материальным проблемам, выгоранию, даже публичным разбирательствам. INSIDE OUT – это проект, который показывает изнанку рутинных вещей, вскрывает непонятные бюрократические процессы, учит взаимодействовать с ними. Мы обсудим как вести переговоры, какие типовые договоры использовать, как структурировать личные финансы, заполнять заявки на гранты, следить за своим здоровьем, говорить о себе в публичном поле и соблюдать при этом нормы этики, управлять проектами и командами. На встречах художники смогут предложить свою альтернативу рутине и бюрократии, придумать профессиональный кодекс цифровой этики, высказать мнение о том, какими должны быть договоры и договоренности в современном мире.
INSIDE OUT будет запущена, как школа и сайт с лекциями и мастер-классами. Планируется, что офлайн встречи пройдут в павильоне «Школа» Парка искусств «Музеон», а онлайн мастер-классы в zoom с тем, чтобы охватить как можно большую аудиторию творческих профессионалов. Материалы школы останутся на сайте в качестве записи лекций, методических разработок и темплейтов, ссылок на базы контактов людей, к которым можно обратиться за консультацией по каждой из обсужденных тем
Место проведения:
Павильон «Школа», Парк искусств «Музеон»
Крымский Вал, владение 2
Расписание и онлайн-трансляции доступны на официальном сайте:
http://insideoutart.ru/
Вход: свободный
Участники:
Режиссёр/композитор: Борис Лесной
Продюсер/художник: Дуня Франкштейн
Драматург: Лиза Шестакова
Хореограф: Саша Ветрова
Художник по костюму: Вартан Мартынянов
Сопрано: Мария Шимчук
Настройщик, Сантехник: Михаил Левин
Хор: Ева Тардес, Мария Шишова, Александра Подольская, Анастасия Россохина, Анна Добранская, Eвгения Грибер, Лейла Килани, Дарья Павлова, Вера Габриэлян, Павел Чуманов
Оркестр: Анна Соколова (флейта), Максим Шутиков (контрабас), Пётр Юдкин (семплер)
Организатор: Фонд “Четверг”
Опера «Вода» — это сайт-специфик проект на границе театра и современного искусства, на экологическую тематику. Музыкальная часть перформанса помимо камерного оркестра, сопрано и хора включает звуковую инсталляцию, полностью основанную на звуках воды в различных агрегатных состояниях. Минималистичная хореография исполняемая жрицами утопического культа на грани ритуального действия сопровождает всю постановку, настойчиво и медитативно вовлекает зрителей в симбиотический процесс осмысления пространства музейного «белого куба» и его трансформации то в аквариум, то в чашу Петри, то в лужу и океан. Кроме того, вода сама становится субъектом перформанса, превращая исполнителей в объекты своего воздействия. Физические и химические свойства воды становятся хореографическим и музыкальным материалом, погружённым в мифологический контекст: главные герои постановки олицетворяют как реальных, так и вымышленных существ, связанных с этой стихией: Наяда, Сантехник, Харон, Хор капель и другие. Либретто постановки составляют интервью, публицистические и научные данные о воде, а также экологический статус-кво. Используя воду как ресурс и как символ, создатели предлагают посмотреть на экологию в широком смысле, подразумевая новый подход к политическим, экономическим и социальным вопросам современности. Опера «Вода» была показана в Новой Третьяковской галерее на фестивале Brusfest в 2019 году, и затем дважды в Музее Москвы в контексте выставки “Москва-река”.
Тизер https://youtu.be/fhW69ertS5o
Место проведения:
Башмет Центр
ул. Большая Полянка, 45
http://bashmet.center
Время работы: 19.00 — 20.30
Вход: 500 руб
Программа Nexus New
Художник: Валерия Санчило
Организатор: Центр творческих индустрий «Фабрика»
В недалеком будущем, после многочисленных тайфунов, пожаров, наводнений и пандемий, климатические изменения, ухудшение экологической и эпидемологической обстановок добрались до всех стран, не оставив равнодушных или сомневающихся. Человечество было вынуждено отказаться от использования топливных видов транспорта и перейти на электричество, проложив огромную сеть железных дорог и монорельсов. Главным транспортом для дальних перемещений стал электрический поезд, позволяющий обеспечить достаточное расстояние между пассажирами для соблюдения новых санитарных норм. Теперь, чтобы добраться с Запада на Восток, необходимо проехать через Москву - важный транспортный узел. Среди самых популярных направлений - поезд “Москва - Токио”, проезжающий через стремительно развивающиеся страны Средней и Восточной Азии.
Значение:
В данный момент человечество находится в процессе столкновения с необходимостью менять жизненные нормы и уклады, чтобы перейти на новый уровень развития цивилизации. Порой прогресс дается тяжело и людям трудно осознать и принять новую реальность. Этот проект является фантазией на тему того, как в будущем может выглядеть такая важная и незаменимая сторона нашей жизни как передвижение на дальние расстояния.
Форма:
Проект представляет собой мультимедийную инсталляцию, в состав которой входят: видеопроекции, звуковое сопровождение и художественные объекты.
Место проведения:
Центр творческих индустрий «Фабрика»
Переведеновский переулок, 18
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 20:00
понедельник — выходной
http://fabrikacci.ru
Куратор: Алиса Николаева
Художники: Раиса Граф, Алина Измайлова, Анастасия Ковалева, Галина Колбасова, Валентина Курсова, Анастасия Литвинова, Надежда Лихогруд, Ольга Ломака, Илья Мартынов, Рудольф Мерзоев, Наталья Орлова, Вероника Пель, Мария Руденко, Окс Рудько, Юрий Селиванов, Екатерина Серикова, Ирина Федосеева, Егор Федосов, Наталья Фролова, Шамиль Шааев, Роман Шалганов
Организатор: Самоорганизация Диск
Кураторский проект Алисы Николаевой был выбран в результате open call самоорганизации Диск.
Проект объединил работы, в чьих исследования находит место гносеологическая проблематика. Единорог, за которым мы охотимся - не одиночная четко определённая сущность, но волшебное существо, являющее себя как образ иррационального и нереального. Охота на единорога, нагружённого большим количеством смыслов в мировой культуре, одновременно процесс мистификации и попытка познать непознаваемое.
Художественные работы, представленные на выставке, поднимают такие вопросы: что есть единорог сегодня? где и каким образом его искать?
Однако обобщение этих субъективных суждением неминуемо заставляет сомневаться в объективности той реальности, в которой мы сосуществуем, и выделяет новый круг вопросов.
Место проведения:
Галерея «25 Кадр»
ул. Новокузнецкая, д. 29, стр. 1
Время работы:
ежедневно 13:00 — 20:00
instagram.com/disk_organization
instagram.com/25kadrgallery
Куратор: Софья Симакова
Художник: Алексей Дубинский
Организатор: ММОМА
Московский музей современного искусства и галерея «Триумф» представляют выставку художника Алексея Дубинского «Свет Звезды и Лабиринт Минотавра». Серия из тринадцати живописных полотен посвящена внутренней жизни человека, его памяти и самоидентификации.
Комната в данном случае – это и конкретное место изображенное на холсте, в котором
происходят разнообразные ситуации с персонажами, и некое метафорическое
пространство сознания художника, в котором синтезируются образы на основе
пережитого опыта и ситуаций, встреченных на жизненном пути людей. Здесь факты
переплетаются с фантазией, ведь память непостоянна и избирательна.
Алексей Дубинский, художник: «Эти работы о семье, о вынужденном бесконечном
путешествии, о потере близких отношений, о том как мимолётны могут быть моменты, ностальгии, воспоминаний и реальности событий, которые с нами происходят. История основывается на определенных реперных точках, событиях, повлиявших на становление личности, на восприятие мира и отношение к нему, его законам, его обитателям. Часто сложно определить в памяти что было реально в твоей жизни, а что является плодом воображения, сюрреалистическими галлюцинациями, так или иначе влияющими на твоё сегодня».
Софья Симакова, куратор выставки: «Помимо символического значения прообразом этого мета-пространства можно считать Московскую мастерскую Дубинского, комнату в коммунальной квартире в легендарном Доме Лансере или сквоте на Милютинском, как его называют обитатели. Мастерская как микрокосм художника, где он в первую очередь, остаётся наедине с собой, окруженный своими произведениями, и может максимально погрузиться в себя. Образ этой комнаты обладает кинематографично-театральным аспектом - в декорации этой квартиры, в узком коридоре, как на сцене разворачиваются разные события от детства художника до его встречи с первой любовью. Переезжая из города в город на протяжении всей жизни Дубинский был лишен места к которому был бы привязан, как к родовому гнезду, где хранились бы его игрушки и постеры любимых музыкальных групп. Не так давно выходила детская книга Александры Литвиной «История старой квартиры», в которой с 1902 по 2002 год происходили самые разные события.
Локальная история одной семьи, одной квартиры отразила историю всей страны. У
Дубинского его комната заключена внутри него и путешествует с ним из Грозного в
Нижний Новгород и из Москвы в Тбилиси, где он сейчас живёт».
Прославившись несколько лет назад благодаря своим абстрактным портретам в духе Сая Твомбли, Алексей Дубинский продолжает развивать собственный уникальный
художественный стиль. Новая серия работ существует на стыке абстрактного и
фигуративного искусства: пластичные, изменчивые образы помещенные в геометрически безупречное пространство комнаты. Наследуя великим классикам модернизма Дубинский продолжает начатое ими исследование природы человека и его памяти, внутренних интенций и мотивов.
Алексей Дубинский окончил Российскую Академию живописи ваяния и зодчества Ильи Глазунова. Факультет живописи, мастерская историко-религиозной живописи, Москва.
Живет и работает в Москве и Тбилиси.
Место проведения:
ММОМА
ул. Петровка, 25, 1 этаж
Время работы:
вторник — воскресенье 12:00 — 21:00
Вход: 150-350 р.
www.mmoma.ru
Художник: Иван Беляев
Куратор: Анжела Попова
Площадка: Art Design Human Studio
Осмысление "прозрачности" — есть путь личного поиска единой опоры, основания для иного видения сущности отношений, как между людьми, так и отношений человека с Миром (пространством Пути). Иными словами, термин "прозрачность" описывает основания для возникновения естественного Всеединства.
Стремиться к прозрачности — означает препарировать саму природу отношений, достигать их изначальной безмолвной сути.
Стать прозрачным означает отказаться от навязывания своей картины мира другим людям, позволять видеть Мир "сквозь" себя. Одновременно перестать быть преградой, заслоняющей Мир от другого и перестать видеть в другом подобную преграду.
Видеть мир "сквозь" других означает всматриваться в изначальную красоту самой человечности на фоне красоты Мира, свободного от мнения о нём; постигать тишину и единство этих явлений. Ибо только в познании изначальности не находится возможности для разделения и сравнения.
Именно эти идеи достижения "прозрачности" воплощают вазоподобные сквозные керамические формы. Снятие объема, деконструкция утилитарности сосуда -предмета с древнейших времен олицетворявшего человеческое тело, отсылает к идее постижения сущности препятствий на этом пути, их преодоления - вскрытия потенциала "прозрачности".
Растворение, преодоление плотности материала, то есть телесности - есть достижение видения красоты Мира, переживание единого пространства Пути, теряющего форму и границы, но объединяющего и примиряющего в себе все аспекты и этапы этого Пути постижения.
Место проведения:
Art Design Human Studio
Москва, Столярный пер., 3/13
Время работы:
вторник — суббота 11:00 — 19:00
Вход: свободный
https://artdesignhuman.com
https://www.instagram.com/artdesignhuman
https://www.facebook.com/artdesignhuman
studio@artdesignhuman.com
+7.985.745.57.22
+ 7.985.318.00.49
Open Call
Биеннале X Gucci
VII МОСКОВСКАЯ МЕЖДУНАРОДНАЯ БИЕННАЛЕ МОЛОДОГО ИСКУССТВА И ДОМ GUCCI ОБЪЯВЛЯЮТ РЕЗУЛЬТАТ OPEN CALL ДЛЯ МОЛОДЫХ ХУДОЖНИКОВ
В канун новогодних праздников мы рады объявить победителя open call для художников, который прошёл в рамках партнёрства VII Московской международной биеннале молодого искусства и Дома Gucci. Поздравляем Юлию Левин @levin.iulya (Анапа), чья работа «Кто я есть» (Iulya levin — Who Am I) получила главный приз.
Специальное упоминание Экспертного совета конкурса и Дома Gucci получили ещё четыре художника, их работы можно будет увидеть в социальных сетях Биеннале:
Софья Авакова @sofartist — «Портрет года» (Sofya Avakova — Portrait of the Year)
Василий Аникин @anikin_art (Vasiliy Anikin) — Make Your Dreams Come True
Евгений Гранильщиков @granilshchikov — «Фейерверки» (Evgeny Granilshikov — Fireworks)
Валерий Шевченко @dada1sme (Valerii Shevchenko) — Random Walk
Биеннале молодого искусства и Дом Gucci объявили open call для молодых художников в возрасте до 35 лет. Для участия в конкурсе участникам необходимо было создать видеоработу длиной до 3-х минут, используя только камеру мобильного телефона, заполнить анкету и вместе с CV отправить его на почту конкурса. Заявки принимались с 25 ноября до 6 декабря 2020 года. Принять участие в конкурсе мог любой художник в возрасте до 35-ти лет, проживающий на территории Российской Федерации.
Победитель получает денежный приз в размере 120 000 рублей. Его работа будет выставлена на сайте и в социальных сетях Биеннале.
«В этом году, когда вопрос о поддержке художников звучит особенно остро, Биеннале молодого искусства старается уделять внимание каждой возможности реализовать эту задачу. Партнёрство с Домом Gucci, для которого важен пульс времени и внимание к современной культуре, позволяет осуществить еще одну инициативу в этом направлении. Сейчас, когда закрыты московские выставки и музеи, присутствие художника в сетевом пространстве становится для него одним из доступных форматов деятельности — именно поэтому тема open call обращается к медиаарту. Такое общее понимание значимости создания пространства поддержки объединяют Биеннале и Дом Gucci в одной миссии», — Алексей Новоселов, комиссар VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Дом Gucci является специальным партнером VII Московской международной биеннале молодого искусства. В сентябре в рамках этого партнёрства молодая художница из Санкт-Петербурга Полина Осипова создала работу Endangered Beauty (“Исчезающая красота”) в диджитал формате маски для Инстаграм.
БИЕННАЛЕ х МУЗЕЙ
ТРАНСПОРТА МОСКВЫ
Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства и Музея Транспорта Москвы
Художники
Рома Богданов, Алина Глазун, Алиса Омельянцева, Игорь Самолет
Авторы идеи
Алексей Новосёлов и Инна Ганс
Музейный маршрут «Т» — единственный в Москве троллейбусный маршрут. Куратором этого уникального проекта является Музей Транспорта Москвы. Маршрут «Т» — это открытая музейная площадка в движении; художественное пространство, посвященное легендарному виду транспорта, который прослужил городу 87 лет. Московский троллейбус — важная часть культурного кода Москвы и Музей Транспорта активно поддерживает музейный и исследовательский статус маршрута. В 2023 году на этом маршруте — на Новорязанской улице, 27 — откроется новое пространство Музея Транспорта, где, в частности, будут представлены исторические модели троллейбусов.
Художественный проект, представленный на музейном маршруте «Т» этой зимой подготовлен совместно с VII Московской международной биеннале молодого искусства и четырьмя молодыми художниками. В сентябре победители открытого международного конкурса Биеннале Игорь Самолет, Алина Глазун, Алиса Омельянцева и Рома Богданов представили свои работы на фасадах Музея Москвы. Продолжая работать в городской среде, они подготовили проекты для трех остановочных павильонов на маршруте «Т» («Метро “Комсомольская”», «Метро “Красносельская”» и «Ольховская улица»), а также превратили один из троллейбусов маршрута в арт-объект.
«Каждая из работ — не только отдельный арт-объект, но и элемент цельного высказывания о роли транспорта в жизни современного горожанина. Мы призываем зрителей к диалогу не только с молодыми, талантливыми художниками, но и с привычными, знаковыми объектами транспортной сети, чтобы вместе разобраться в их эмоциональной, культурной роли», — говорит директор Музея Транспорта Москвы Оксана Бондаренко.
«В этом году для Московской международной биеннале молодого искусства одним из приоритетных направлений работы стали инициативы по усилению присутствия современного искусства в городской среде. Партнерство с Музеем Транспорта Москвы продолжает нашу общую миссию –– исследовать взаимодействие города и его жителей, предоставляя молодым художникам и современному искусству создавать открытый диалог с публикой, расширяя, тем самым, границы общественного пространства. Паблик арт, в свою очередь, меняет структуру города, делая его открытым для каждого» — комиссар Биеннале молодого искусства Алексей Новосёлов.
На сайте Музея Транспорта доступна видеоэкскурсия по маршруту, которую проводят директор Музея Транспорта Оксана Бондаренко, комиссар Биеннале молодого искусства Алексей Новосёлов и авторы работ.
Тысячи жителей Москвы торопятся, бегут, опаздывают. Транспорт — наш главный помощник в большом городе. Мы все не любим ждать, ожидание — одно из некомфортных состояний, ведь оно создает помехи в нашей привычной парадигме, ситуацию спешки и погони. Фраза-лайтбокс «Все разминулись» описывает несостоявшуюся встречу, но разминуться можно не только с кем-то, но и с самим с собой. Мы растворяемся в темпоритме города, встраиваемся в социальные шаблоны, осваиваем нормы и стандарты, но при этом мы перестаем ощущать себя, различать себя в потоке повседневности, не чувствуем себя здесь и сейчас. Вопрос «кто я?» требует замедления, которое мы не можем или не хотим себе позволять. Можно ли не разминуться и наконец встретиться с самим собой? И кого я встречу внутри себя? Скромные светящиеся буквы остановки позволят нам хоть на долю секунды остановиться и поразмышлять о себе самом.
Эволюция техники и цифровые коммуникации меняют нашу повседневность, стирая границы между реальным и виртуальным миром. В том числе современная техника архивирует и контролирует присутствие человека как в оцифрованном, так и в реальном пространстве.
Образ незримого Другого, наблюдающего за происходящим, рассматривается в масс-медиа, как довольно частый прием для обозначения присутствия контроля, или его видимости. Повсеместное размещение камер уличного наблюдения приводится как яркий тому пример. При этом присутствие на рынке техники муляжных вариантов камер наружного наблюдения усиливает разрыв между функциональным назначением объекта и создаваемым им эффектом.
В проекте «Видимость присутствия» использованы муляжи камер наблюдения. Хаотично расставленные на крыше остановочного павильона, так называемые обманки начинают напоминать стаю городских голубей, окончательно стирая границы образов и делая их структуру проницаемой для наполнения смыслами.
Надпись представляет собой фразу из дневника художника, сделанную во время вынужденной самоизоляции в мае этого года в Москве. В тот момент казалось, что время замедлило ход, Москва стала тихой и пустой, на остановках никто никого не ждал. Все коммуникации перенеслись в цифровую среду, стримы (прямые эфиры) стали аналогом живого общения, где люди вместе пекли пироги, встречали дни рождения, танцевали, работали - все это происходило на дистанции и через экраны смартфонов. Цифровая среда, заменила нам физическую, мы почти перестали выходить на улицу, цифровизация проникла во все сферы человеческой жизни и сформировала собственную культуру и явления. С этой культурой и работает Игорь Самолет, фиксируя в проекте через личный документ те обстоятельства, в которых пребывал весь мир в 2020 году.
Работа «Контакты» является продолжением проекта «Настройки Экрана», который Алиса Омельянцева представила на внутреннем фасаде Музея Москвы в рамках Биеннале молодого искусства. Покрытый светоотражающей тонировочной пленкой, фасад музея превратился в некое зеркало Гезелла*, а помещение за ним — в пространство для наблюдения. В отличие от здания музея, изначально объединяющего в себе выставочное и публичное пространство, троллейбус — даже представляющий музейный маршрут — в первую очередь имеет утилитарную функцию и оставляет свободу вовлечённости в проект.
Кроме данного текста, интерьер троллейбуса остается неизменным, произведение находится снаружи, а взаимодействие с работой происходит через окна-экраны, занимающие дозволенные 30% площади обзора. Пассажирам предоставляется возможность выбора - занять обычные места или стать зрителем, находящимся внутри пространства инсталляции. Следуя по музейному маршруту-экспонату, зритель может сам стать частью произведения.
Зрителем может стать любой пассажир.
*поверхность, выглядящая как зеркало с одной стороны и как затемненное стекло — с противоположной.
Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства и Музея Транспорта Москвы
Художники
Рома Богданов, Алина Глазун, Алиса Омельянцева, Игорь Самолет
Авторы идеи
Алексей Новосёлов и Инна Ганс
Команда проекта
Дмитрий Лапшов
Полина Лаптырева
VII Московская международная биеннале молодого искусства
Комиссар
Алексей Новоселов
Исполнительный директор
Алина Тахоева
PR и коммуникации
Вероника Кандаурова
Графический дизайн
Лена Погодина, Владимир Кунц
Музей Транспорта Москвы
Директор
Оксана Бондаренко
Продюсер
Анастасия Лапинь
PR и коммуникации
Дарья Волкова
Александра Кузнецова
Отдельная благодарность коллективу Мосгортранса и Медиацентру Департамента Транспорт
Московский музей современного искусства
Директор
Зураб Церетели
Исполнительный директор
Василий Церетели
Первый заместитель директора
Манана Попова
Организаторы выражают отдельную благодарность за помощь в организации проекта:
Анне Трапковой, Екатерине Первенцевой, Алексею Уманскому, Никите Макарову, компании Склевер и лично Александру Семенову
Новости
Прием заявок: 12 Декабря 2019 — 1 Марта 2020
С 13 июля по 13 сентября 2020 года в Москве в 7-й раз состоится Московская международная биеннале молодого искусства. Проходя традиционно летом, Биеннале в этот раз продлится до сентября и захватит большие городские события: фестивали, День города Москвы и Международную ярмарку современного искусства Cosmoscow.
VII Московская международная биеннале молодого искусства сохраняет прежних учредителей и организаторов проекта в лице Министерства культуры РФ, Департамента культуры города Москвы, РОСИЗО и Московского музея современного искусства.
Новый комиссар биеннале молодого искусства — Алексей Новоселов.
“Московская международная биеннале молодого искусства продолжает развиваться и укреплять себя в статусе крупного городского и межнационального события. Мне посчастливилось быть первым комиссаром в истории биеннале молодого искусства — V и VI биеннале были сделаны усилиями большой команды под моим руководством, и, мне кажется, нам удалось достичь многого. В команде работали кураторы, критики, менеджеры — видные эксперты в своих отраслях, и всегда особую роль в подготовке биеннале играл Алексей Новоселов, заместитель директора ММОМА. Поэтому закономерным и справедливым шагом считаю назначение Алексея на должность комиссара VII биеннале молодого искусства. Проект выходит на новый этап — к работе приступает новая команда, которая разделяет те ценности, которые формировались на протяжении всех этих лет. Я присоединяюсь к команде уже как эксперт в рамках рабочей группы, чтобы иметь возможность принимать стратегические решения под руководством нового комиссара. Желаю всем нам плодотворной работы и новых свершений!" — Екатерина Кибовская, комиссар V и VI Московской международной биеннале молодого искусства и участник экспертного совета VII Московской международной биеннале молодого искусства.
VII Московская международная биеннале молодого искусства будет состоять из 4 программ:
- Основной проект;
- Специальная программа;
- Образовательная программа;
- Параллельная программа.
Основной проект VII Московской международной биеннале молодого искусства состоит из двух частей, которые формирует экспертный̆ совет биеннале в рамках открытого конкурса: кураторский проект (не менее одного, но не более трех), а также три художественных проекта в пространстве Музея Москвы.
На прошедшей 11 декабря пресс-конференции был объявлен международный open call кураторских проектов. Подать заявку может любой куратор до 35 лет, чей проект включает в себя работы художников или художественные группы до 35 лет. Выбирать проекты, которые будут осуществлены на основной площадке биеннале, будет экспертный совет..
Для молодых художников также предусмотрен международный open call на создание трех объектов сайт-специфического искусства на трех внутренних фасадах Музея Москвы. Шорт-лист из 10 проектов отберет экспертный совет, а 3-х победителей из шорт-листа выберет международное жюри.
Заявки от кураторов и художников принимаются до 1 марта 2020 года на сайте: http://youngart.ru/.
Музей Москвы во второй раз станет площадкой основного проекта Московской международной биеннале молодого искусства, а также партнером VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Биеннале 2020 года пройдёт, как и прежде в системе внимания к художнику и кураторам, открытости для всех московских институций, занимающихся молодым искусством, расширении городских проектов и общей географии проекта, создании горизонтальных связей. Открытость проекта широкой аудитории и отдельный региональный фокус также станут важными задачами этого года.
Специальная программа Биеннале будет представлена крупными партнерскими проектами, которые будут организованы институциями, заинтересованными в развитии молодого искусства, включая ЦСИ Винзавод и программу "Винзавод. Open", Международную ярмарку современного искусства Cosmoscow и другие, и будут проходить по всему городу.
Образовательная программа, организованная в партнерстве с школой дизайна ИОН РАНХиГС, будет состоять из двух частей: профессиональной и публичной. Впервые в рамках образовательной программы Биеннале пройдут пять сессий портфолио-ревю для художников из регионов России. Портфолио-ревю пройдут в Центре Гиляровского: по результатам открытого конкурса художники приедут в Москву. Также будет организована специальная сессия портфолио-ревю для арт-критиков из регионов России.
Параллельная программа будет инициирована московскими институциями. Проекты выбираются экспертным советом на основе open call в соответствии со стратегией и концепцией VII Московской международной биеннале молодого искусства.
“VII Московская международная биеннале молодого искусства в следующем году продолжит свою миссию — поддерживать молодое искусства в целом и молодых художников в частности. Одна из ее приоритетных целей заключается в поиске и определении точек пересечения, установлении важных связей в искусстве не только в России, но и за рубежом. Вот уже 13 лет лет молодёжная биеннале фиксирует новые тенденции в современном искусстве, активно работая с городским пространством и его особенностями. Задача следующей Биеннале и нас, как одних из основателей и организаторов проекта, заключается в сохранении ее привлекательности, живой энергичности и географической масштабности,” - Василий Церетели, исполнительный директор ММОМА.
При возникновении вопросов по подаче заявок: info@youngart.ru
Команда VII Московской международной биеннале молодого искусства внимательно следит за событиями, происходящими сейчас в мире.
Мы вернемся к вам с новой информацией о проведении Биеннале молодого искусства в августе.
«Мы продолжаем работу над Биеннале. Экспертный совет и организаторы оперативно реагируют на любые изменения и в случае необходимости готовы адаптировать проект к текущему положению дел. Главный приоритет – это здоровье каждого участника процесса. Мы будем держать вас в курсе новостей. Берегите себя и своих близких», - Алексей Новоселов, комиссар VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Актуальная информация о Биеннале доступна на официальном сайте, в Instagram-аккаунте и в Facebook.
#stayhome #youngbiennale2020
VII Московская международная биеннале молодого искусства пройдет с 5 сентября по 6 декабря, 2020 в Москве в несколько этапов
Структура Биеннале будет состоять из 5 программ:
– конкурсной программы Основного проекта;
– специальных проектов;
– образовательной программы;
– региональной программы портфолио-ревю;
– проектов параллельной программы.
Основной проект пройдет в Музее Москвы и будет разделён на две части.
VII Московская международная биеннале молодого искусства состоится осенью 2020 года в обновленном формате.
Проект, который должен был состояться в июле этого года, был отложен на фоне принятых мер по борьбе с пандемией COVID-19. Учредитель в лице Департамента культуры города Москвы и организатор проекта, Московский музей современного искусства, приняли решение о переформатировании Биеннале молодого искусства и разделении ее на три блока, каждый из которых соответствует одному осеннему месяцу. В основу проекта закладывается процессуальность, которая позволит разделить активности по проекту, создать больше возможностей для интеграции Биеннале в международный художественный процесс и детального взаимодействия со зрителем, чередуя различные формы репрезентации молодого искусства.
«Биеннале молодого искусства в своей основе — это не проект, не выставка, а процесс, набор различных механизмов, которые создают и поддерживают живую среду молодого искусства. Сейчас очень важно, что проект не пропускает год, а продолжает свою работу, сохраняет результаты конкурса и инициативы, которые основаны на горизонтальных связях и создании пространства поддержки. В этом году организаторы находятся в рамках определенных ограничений и сложностей, поэтому мы пытаемся искать новые форматы и решения, но не прерывать задачи, заложенные Биеннале молодого искусства. Непрерывность в культурном процессе важна как его участникам, так и зрителю», — Алексей Новоселов, комиссар VII Московской международной биеннале молодого искусства.
ОСНОВНОЙ ПРОЕКТ
В первой части Основного проекта, которая стартует 5 сентября, будут представлены результаты открытого конкурса по созданию site-specific работ для внутренних фасадов Музея Москвы. Основной проект во дворе Музея Москвы будет доступен до 6 декабря 2020 года.
Вторая часть Основного проекта представит результаты открытого конкурса для кураторов. Кураторские проекты будут экспонироваться во втором корпусе Музея Москвы с 5 ноября по 6 декабря 2020 года.
Разработкой архитектурного решения Основного проекта займется бюро «ХВОЯ» (Санкт Петербург).
СПЕЦИАЛЬНЫЕ ПРОЕКТЫ БИЕННАЛЕ МОЛОДОГО ИСКУССТВА
В рамках Биеннале пройдут 9 специальных проектов, созданных в коллаборации и партнерстве с крупными профильными институциями.
ПОРТФОЛИО-РЕВЮ
Программа направлена на выявление молодых художников из регионов России, которые будут отобраны для участия путем open call; пройдет в партнерстве с ГМИИ им А.С. Пушкина и ГЦСИ. Участники смогут приехать в Москву для проведения серии портфолио-ревю с представителями профессионального сообщества. Портфолио-ревю пройдут в октябре и в ноябре по следующим направлениям: арт, фотография, стрит-арт/пабликарт, медиа-арт, а также арт-критика.
ОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ПРОГРАММА
Образовательная программа организована в партнерстве с Фондом поддержки современного искусства Винзавод и пройдет в онлайн-формате в ноябре в рамках второго этапа Основного проекта. Куратором программы стал Андрей Шенталь.
ПАРАЛЛЕЛЬНАЯ ПРОГРАММА
Программа состоит из инициируемых московскими институциями проектов, которые выбираются на основе open call и направлены на взаимодействие с молодым искусством. Подробности о приеме заявок доступны в разделе «Параллельная программа» на официальном сайте Биеннале.
8 сентября 2020 года в Музее Москвы прошла вечеринка по случаю запуска VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Вечер начался с показа паблик-арта на фасадах корпусов Музея Москвы – site-specific проектов художников Алисы Омельянцевой (Настройки экрана), Игоря Самолета (Я смотрю на тебя, ты смотришь на меня), Ромы Богданова (Screen) и Алины Глазун (Без названия / Все немного разные), отобранных экспертным советом Биеннале из 370 заявок из 64 стран.
Гости ознакомились с более чем 400 работами 67 молодых независимых художников, а также с работами на стендах 12 галерей и образовательных учреждений ярмарки blazar — сателлита международной ярмарки современного искусства Cosmoscow и специального проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Музыкальная программа вечера, куратором которой стал Алексей Щербина, состояла из выступления петербургской freepop-группы Super Collection Orchestra и перформанса художницы Данини. За диджейским пультом стояли Лева Жицкий (Koyil) и Ha HaBiBi.
Мероприятие посетили Наташа Гольденберг, Наталья Туровникова, Ксения Чилингарова, Тереза Мавика, Ольга Свиблова, Александр Перепелкин, Маргарита Пушкина, Владислав Лисовец, Виталий Козак, Михаил Ганнушкин, Полина Осипова, Федор Гамалея, Амбарцум Кабанян, Ян Яновский, Оксана Бондаренко и другие.
Партнер, поддерживающий Московскую международную биеннале молодого искусства с первого года ее основания –– Фонд Михаила Прохорова. Компании “Новатэк” и “Сибур” также стали партнерами проекта этого года.
Специальным партнером VII Биеннале выступил дом Gucci. Первой частью партнерства стал диджитал арт-проект Endangered Beauty (Исчезающая красота), который в формате маски для Инстаграм создала молодая художница из Санкт-Петербурга Полина Осипова. Эта работа доступна для скачивания в официальном Инстаграм-аккаунте @young_biennale до 6 декабря.
Партнеры открытия –– Green Baboon, а также бистро Underdog –– угощали гостей вечеринки авторскими коктейлями на основе джина и фирменными хот-догами.
VII Московская международная биеннале молодого искусства пройдет до 6 декабря и будет состоять из конкурсной программы Основного проекта, специальных проектов, образовательной программы, региональной программы портфолио-ревю и проектов параллельной программы. Основной проект пройдет в Музее Москвы и будет разделён на две части. В период Биеннале на территории Музея Москвы будет работать инфопойнт, в котором можно получить всю необходимую информацию о проекте и мероприятиях. Проект, который должен был состояться в июле этого года, отложили на фоне принятых мер по борьбе с пандемией COVID-19. Учредитель проекта в лице Департамента культуры города Москвы и организатор, Московский музей современного искусства, приняли решение переформатировать Биеннале молодого искусства, разделив проект на три блока, каждый из которых соответствует одному осеннему месяцу. Основная идея — процессуальность, которая позволяет разделить активности в рамках Биеннале, создать больше возможностей для интеграции проекта в международный художественный процесс, осуществить взаимодействие со зрителем, чередуя различные формы репрезентации молодого искусства.
Время работы двора Музея Москвы: ежедневно с 08:00-23:00.
Информационный павильон Биеннале открыт для посетителей на территории Музея Москвы.
Время работы:
понедельник — воскресенье 10:00-20:00
четверг 11:00-21:00
Расписание образовательной онлайн программы, а также даты открытия проектов биеннале ищите на сайте youngart.ru.
«Биеннале молодого искусства— это не выставка, не конкурс, а процесс, набор различных механизмов, которые создают и поддерживают живую среду молодого искусства. Сейчас очень важно, что проект не пропускает год, а продолжает свою работу, сохраняет результаты конкурса и инициативы, которые основаны на горизонтальных связях и создании пространства поддержки. В этом году организаторы находятся в рамках определенных ограничений и сложностей, поэтому мы пытаемся искать новые форматы и решения, но не прерывать задачи, заложенные Биеннале молодого искусства. Непрерывность в культурном процессе важна как его участникам, так и зрителю», — Алексей Новоселов, комиссар VII Московской международной биеннале молодого искусства.
8 сентября 2020 года в Музее Москвы прошла вечеринка по случаю запуска VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Вечер начался с показа паблик-арта на фасадах корпусов Музея Москвы – site-specific проектов художников Алисы Омельянцевой (Настройки экрана), Игоря Самолета (Я смотрю на тебя, ты смотришь на меня), Ромы Богданова (Screen) и Алины Глазун (Без названия / Все немного разные), отобранных экспертным советом Биеннале из 370 заявок из 64 стран.
Гости ознакомились с более чем 400 работами 67 молодых независимых художников, а также с работами на стендах 12 галерей и образовательных учреждений ярмарки blazar — сателлита международной ярмарки современного искусства Cosmoscow и специального проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Музыкальная программа вечера, куратором которой стал Алексей Щербина, состояла из выступления петербургской freepop-группы Super Collection Orchestra и перформанса художницы Данини. За диджейским пультом стояли Лева Жицкий (Koyil) и Ha HaBiBi.
Мероприятие посетили Наташа Гольденберг, Наталья Туровникова, Ксения Чилингарова, Тереза Мавика, Ольга Свиблова, Александр Перепелкин, Маргарита Пушкина, Владислав Лисовец, Виталий Козак, Михаил Ганнушкин, Полина Осипова, Федор Гамалея, Амбарцум Кабанян, Ян Яновский, Оксана Бондаренко и другие.
Партнер, поддерживающий Московскую международную биеннале молодого искусства с первого года ее основания –– Фонд Михаила Прохорова. Компании “Новатэк” и “Сибур” также стали партнерами проекта этого года.
Специальным партнером VII Биеннале выступил дом Gucci. Первой частью партнерства стал диджитал арт-проект Endangered Beauty (Исчезающая красота), который в формате маски для Инстаграм создала молодая художница из Санкт-Петербурга Полина Осипова. Эта работа доступна для скачивания в официальном Инстаграм-аккаунте @young_biennale до 6 декабря.
Партнеры открытия –– Green Baboon, а также бистро Underdog –– угощали гостей вечеринки авторскими коктейлями на основе джина и фирменными хот-догами.
VII Московская международная биеннале молодого искусства пройдет до 6 декабря и будет состоять из конкурсной программы Основного проекта, специальных проектов, образовательной программы, региональной программы портфолио-ревю и проектов параллельной программы. Основной проект пройдет в Музее Москвы и будет разделён на две части. В период Биеннале на территории Музея Москвы будет работать инфопойнт, в котором можно получить всю необходимую информацию о проекте и мероприятиях. Проект, который должен был состояться в июле этого года, отложили на фоне принятых мер по борьбе с пандемией COVID-19. Учредитель проекта в лице Департамента культуры города Москвы и организатор, Московский музей современного искусства, приняли решение переформатировать Биеннале молодого искусства, разделив проект на три блока, каждый из которых соответствует одному осеннему месяцу. Основная идея — процессуальность, которая позволяет разделить активности в рамках Биеннале, создать больше возможностей для интеграции проекта в международный художественный процесс, осуществить взаимодействие со зрителем, чередуя различные формы репрезентации молодого искусства.
Время работы двора Музея Москвы: ежедневно с 08:00-23:00.
Информационный павильон Биеннале открыт для посетителей на территории Музея Москвы.
Время работы:
понедельник — воскресенье 10:00-20:00
четверг 11:00-21:00
Расписание образовательной онлайн программы, а также даты открытия проектов биеннале ищите на сайте youngart.ru.
«Биеннале молодого искусства— это не выставка, не конкурс, а процесс, набор различных механизмов, которые создают и поддерживают живую среду молодого искусства. Сейчас очень важно, что проект не пропускает год, а продолжает свою работу, сохраняет результаты конкурса и инициативы, которые основаны на горизонтальных связях и создании пространства поддержки. В этом году организаторы находятся в рамках определенных ограничений и сложностей, поэтому мы пытаемся искать новые форматы и решения, но не прерывать задачи, заложенные Биеннале молодого искусства. Непрерывность в культурном процессе важна как его участникам, так и зрителю», — Алексей Новоселов, комиссар VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Арт-проект Gucci с художницей Полиной Осиповой в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства
Дом Gucci стал специальным партнером VII Московской международной биеннале молодого искусства, которая пройдет с 5 сентября по 6 декабря 2020 в несколько этапов на разных площадках. Первой частью этого партнерства стал диджитал арт-проект Endangered Beauty (Исчезающая красота), который в формате маски для Инстаграм создала молодая художница из Санкт-Петербурга Полина Осипова. Эта работа стала частью биеннале и доступна для скачивания в официальном Инстаграм-аккаунте @young_biennale c 8 сентября.
«Два года назад я стала путешествовать по заброшенным дореволюционным дачам в Ленинградской области. Каждое лето мы с подругой находим новые останки былой роскоши – некоторые из тех дач, где мы были совсем недавно, уже разрушены или были сожжены, а печи в стиле «Ар-нуво» разобраны и вынесены. Большинство этих дач принадлежит государству, но их никто не восстанавливает. Все детали в Инстаграм-маске Endangered Beauty собраны с наличников, дверных проемов и печей, которые я видела во время наших поездок. На мой взгляд, символизм северного русского модерна очень перекликается с символизмом Gucci, а размноженные глаза – отсылка к разнообразию проектов биеннале молодого искусства, которые доступны зрителю. В этой работе мне хотелось запечатлеть исчезающую красоту этих дач, пока они окончательно не превратились в мифические руины. Скорее всего лет через пятнадцать, когда я уже не буду проходить по возрасту в биеннале молодого искусства, эти здания уже невозможно будет увидеть», – Полина Осипова, художница.
«Благодаря этому партнерству у биеннале появился арт-проект, который существует только в диджитал измерении. Так мы расширяем возможности восприятия современной культуры самими разными зрителями и говорим на понятном им языке. Общее понимание культурного кода в искусстве, в частности молодом, осмысленные поиски общего в рамках современной культуры искусства и моды и внимание к новым художником объединяют биеннале и Gucci в одной миссии», – Алексей Новоселов, комиссар VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Проект Endangered Beauty стал второй коллаборацией с Gucci для Полины Осиповой, в феврале 2020 года к показу сезона осень-зима 2020 она создала Инстаграм-маску I see you, которую можно скачать в официальном Инстаграм-аккаунте @gucci.
Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства в Cube.Moscow
Кураторы: Анна Журба и Сергей Бабкин
Биеннале молодого искусства как проект была задумана в качестве механизма продвижения молодого искусства, возможности дать молодым художникам площадку и ресурсы для высказывания. Специальный проект биеннале «Группа поддержки», организованный в сотрудничестве с пространством CUBE.Moscow, нацелен на поддержку самоорганизованных, некоммерческих инициатив в сфере искусства, возникших как во время карантина, так и до него. Это проекты, которые чаще всего не могут или не хотят встраиваться в часто герметичный институциональный контекст, но при этом становятся территориями витальности, эксперимента с новыми формами художественной жизни. Проект станет временной «тренировочной» зоной по выводу самоорганизованных художественных инициатив из Москвы из, используя слова исследовательницы Александры Новоженовой, «серой» зоны дружеских горизонтальных связей, для которых не существует внешнего взгляда».
Проект открыт для широкой публики с 15 сентября с 12:00 до 21:00 каждый день, кроме понедельника.
Лаборатория:
– Клуб анонимно танцующих
– Отдел практической аффектологии
– Кооператив распределенного сознания
– Микробиеннале горизонтальных инициатив
– Отдел практической аффектологии
– ШШШ
– APXIV
– Camp as one
– Future Culture Lab
– SoundArtist.ru
– Spectate
Инкарнация:
– Студенты Школы Родченко (beznazvaniia)
– Студенты Института «База»
– Студенты Института современного искусства Иосифа Бакштейна
Реинкарнация:
– Центр «Красный»
– Кураторская мастерская «Треугольник»
ПРОГРАММА МЕРОПРИЯТИЙ НА НЕДЕЛЮ:
Вход свободный
Регистрация на события
13.09.2020 | 15:00-17:00
SPECTATE. Лекция: «Роман Осминкин. Когда критика становится действительно полезной: от эстетики дискурса к политике художественного производства»
Лекторий
14.09.2020 | 15:00-17:00
CAMP AS ONE. Artist talk: Настя Кизилова.
Лекторий
[Добавить в Google-календарь]
15.09.2020 | 19:30-21:00
ОТДЕЛ ПРАКТИЧЕСКОЙ АФФЕКТОЛОГИИ. Дискуссия и телесная практика: «Возмущение, вызов, стыд и трепет. О призвании к ответу и исключении»
Лаборатория
[Добавить в Google-календарь]
17.09.2020 | 19:00-20:00
ШШШ. Групповая практика: «Поиск персональной/коллективной формы +
практика автоматического письма партитура»
Лаборатория
[Добавить в Google-календарь]
19.09.2020 | 17:00-19:00
SPECTATE. Лекция: «Да здравствуют монстры, или в ожидании новых волн институциональной критики»
Лекторий
[Добавить в Google-календарь]
19.09.2020 | 19:00-21:00
APXIV. Дискуссия
Лекторий
[Добавить в Google-календарь]
20.09.2020 | 16:00-18:00
МИКРОБИЕННАЛЕ. Лекция: Виктор Жданов «Самоорганизованные биеннале. Локальный контекст»
Лекторий
[Добавить в Google-календарь]
20.09.2020 | 18:00-19:00
ШШШ. Перформанс: «Точка»
Лаборатория
[Добавить в Google-календарь]
Онлайн-перформанс "Мыльная Опера" в галерее ГРАУНД Солянка
VII Московская международная биеннале молодого искусства и Галерея-мастерская ГРАУНД Солянка представляют музыкальный онлайн марафон «Мыльная опера»
VII Московская международная биеннале молодого искусства и Галерея-мастерская ГРАУНД Солянка приглашают на специальный проект – перформанс «Мыльная опера», который пройдет в реальном времени в галерее на Солянке 15 сентября 2020 с 17:00 до 22:00.
Перформанс «Мыльная опера» является многокомпонентным произведением, состоящим из девятнадцати музыкально-танцевальных номеров и перформансов, реализуемых внутри сайт-специфик инсталляции Семёна Мотолянца «Ненадежная конструкция из хозяйственного мыла». Общая продолжительность перформанса «Мыльная опера» составит 5 часов, на протяжении которых команда режиссёров и операторов будет обеспечивать непрерывное вещание на онлайн-ресурсы ГРАУНД Солянки.
Авторы проекта ставили перед собой цель предоставить молодым авторам возможность установить связи и наладить творческое взаимодействие, как между собой, так и с профессиональной художественной средой, а также презентовать свои творческие инициативы в рамках масштабного проекта в области современного искусства. Более сорока участников перформанса — молодые музыканты, танцоры, перформеры и вокалисты разных направлений — были отобраны по итогам опенкола.
Создатели:
Автор идеи и постановщик — Катя Бочавар
Автор инсталляции — Семён Мотолянец
Музыкальный куратор — Арина Зверева
Продюсеры — Катя Ливергант, Рустам Вахидов
Интервьюер — Ксения Ламшина
Художник по свету — Александр Романов
Исполнительный продюсер — Андрей Борисов
Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства в Cube.Moscow
Кураторы: Анна Журба и Сергей Бабкин
Биеннале молодого искусства как проект была задумана в качестве механизма продвижения молодого искусства, возможности дать молодым художникам площадку и ресурсы для высказывания. Специальный проект биеннале «Группа поддержки», организованный в сотрудничестве с пространством CUBE.Moscow, нацелен на поддержку самоорганизованных, некоммерческих инициатив в сфере искусства, возникших как во время карантина, так и до него. Это проекты, которые чаще всего не могут или не хотят встраиваться в часто герметичный институциональный контекст, но при этом становятся территориями витальности, эксперимента с новыми формами художественной жизни. Проект станет временной «тренировочной» зоной по выводу самоорганизованных художественных инициатив из Москвы из, используя слова исследовательницы Александры Новоженовой, «серой» зоны дружеских горизонтальных связей, для которых не существует внешнего взгляда».
Проект открыт для широкой публики с 15 сентября с 12:00 до 21:00 каждый день, кроме понедельника.
ПРОГРАММА МЕРОПРИЯТИЙ НА НЕДЕЛЮ:
Вход свободный.
Расписание обновляется каждую неделю, за новостями можно следить здесь.
06.10.2020 | 12:00
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. Ню Симакина и Гала Измайлова, репетиция
Лекторий
06.10.2020 | 15:00
ИСИ. Женя Стерлягова, лекция «Внутри игры» — о современном искусстве внутри компьютерной игры Minecraft
Лекторий
06.10.2020 | 17:00
ИСИ. Катя Улитина, лекция «Присвоение танца» — об опыте восприятия/ интерпретации/осмысления движения «другого»
Лекторий
06.10.2020 | 19:30
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. Анна Толстухина, танец + обсуждение
Лаборатория
07.10.2020 | 17:00
ИСИ. Наташа Драчинская, лекция «Город/взаимодействие» — арт-практики в городской среде
Лекторий
07.10.2020 | 19:00
КООПЕРАТИВ РАСПРЕДЕЛЕННОГО СОЗНАНИЯ. Лекция по постколониальной теории (Шестакова, Энгельхардт)
Лекторий
07.10.2020 | 19:00
ИСИ. Перформанс: Обсуждение следующей активности самоорганизации Base(less)
Инкарнация
08.10.2020 | 11:00-18:00
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. Репетиции
Лаборатория
08.10.2020 | 15:00-16:30
SPECTATE. Запись лекции Новикова
Лекторий
08.10.2020 | 17:00
ИСИ. Карина Россиус, лекция «Феминистская самоорганизация Guerrilla Girls»
Лекторий
08.10.2020 | 19:00-22:00
SOUNDARTIST.RU. Live /Ananko + Sviridov + Kondratov + Alexeenko
Лаборатория
09.10.2020 | 12:00
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. Репетиция Галы и Ню
Лекторий
09.10.2020 | 15:00
ИСИ. Женя Стерлягова, лекция «Розы и пистолеты» — панк в моде и медиа
Лекторий
09.10.2020 | 17:00
ИСИ. Олег Чекалин, лекция «(Не)вещь» - о философии Мартина Хайдеггера
Лекторий
09.10.2020 | 18:00
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. Репетиция Анны Цедик
Лаборатория
09.10.2020 | 19:00
ИСИ. Перформанс: Откровения — сеанс чтения чужих текстов
Инкарнация
09.10.2020 | 19:00
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. Анна Цедик, танец + обсуждение
Лаборатория + лекторий
09.10.2020 | 20:00-22:00
ШШШ. Празднование ДР участницы ШШШ Саши Пучковой. Музыка, танцы и перформативные практики. «Карнавал сорочек» включает в себя блок с Аней Леоновой «Ритуалы, медиации и ленивые дискотеки»
10.10.2020 | 15:00
SPECTATE. Лекция: Критика и императив деколонизации
Лекторий
10.10.2020 | 17:00
CAMP AS ONE. Рёв грома в восьми пустынях. Игра в темные китайские шахматы
Лаборатория
10.10.2020 | 19:00
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. Карина Щербакова, Наталья Обельчак, танец + обсуждение
Лаборатория + лекторий
10.10.2020 | 19:00-21:00
ШШШ. «Как я стала...». Работа над концепцией перехода от человеческого к кошачьему. В рамках второй серии опытов ШШШ. Выставка в выставке
Лаборатория
10.10.2020 | 20:00-22:00
SOUNDARTIST.RU.
Лаборатория
11.10.2020 | 15:00
SPECTATE. Лекция / Воркшоп or Дискуссия о фандрейзинге для самоорганизаций
Лекторий
11.10.2020 | 16:00
ОТДЕЛ ПРАКТИЧЕСКОЙ АФФЕКТОЛОГИИ. Дискуссия: Обсуждение открытой редактуры открытого письма региональных деятелей культуры
Лаборатория
11.10.2020 | 19:00-21:00
КЛУБ АНОНИМНО ТАНЦУЮЩИХ. София-Анна Долина, Ню Симакина и Гала Измайлова, танец + обсуждение
Лаборатория + лекторий
11.10.2020 | 19:00-21:00
ШШШ. «Как я стала...». Работа над концепцией перехода от человеческого к кошачьему. В рамках второй серии опытов ШШШ. Выставка в выставке
Лаборатория
11.10.2020 | 18:00-21:00
ШШШ.
Выставочная зона
11.10.2020 | 20:00-22:00
SOUNDARTIST.RU. Live /Pleninger + Koroleva + Zhagun²
Лаборатория
Специальный проект
VII Московской международной биеннале молодого искусства
Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО»
Время проведения: 1 октября — 1 ноября 2020 г.
Место: галерея «РОСИЗО», Петроверигский переулок, дом 4, строение 1
Куратор: Алина Корень
1 октября 2020 года в Государственном музейно-выставочном центре «РОСИЗО» состоится открытие выставки «Карта человеческой природы» — специального проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства.
«Одна из важнейших задач РОСИЗО сегодня - поддержка творческой молодежи, молодых художников и кураторов. Сейчас у нас работает достаточно молодая кураторская команда, которая по-новому смотрит на фонды РОСИЗО, дает им новую жизнь. В рамках Биеннале мы представляем проект «Карта человеческой природы», к которому был проявлен огромный интерес со стороны молодых художников. Мы очень благодарны всем, кто прислал свои работы. К сожалению, из-за ограниченного пространства мы не могли предложить всем живое участие, но надеемся на дальнейшее сотрудничество», — рассказала директор ГМВЦ РОСИЗО Татьяна Волосатова.
Цель проекта «Карта человеческой природы» — построение проекции сознания современного человека в масштабе одной выставки. Для участия в спецпроекте было подано более 200 заявок от современных художников, из которых были отобраны 19 авторов.
По задумке куратора, каждый зал — это определенный уровень познания человека. Экспозиция начинается с познания «внешнего», то есть нашей жизни в физическом пространстве. Далее предлагается совершить путешествие «вглубь» — к сути человеческой природы.
Зритель сможет самостоятельно составить Карту человеческой природы, соединяя смыслы, предложенные художниками в их работах, которые располагаются в залах: «Нулевая точка», «Тело», «Жизнь внутри тела. Погружение», «Общее место», «Суть».
Экспозиция начинается с самого близкого человеку — с его тела и того, что происходит с телом в физическом мире, в пространстве «видимого». Первая часть полностью посвящена телу человека, его физическому строению и вопросам телесности.
Тема «Метод: внутренняя археология» открывает вторую часть экспозиции, предлагая зрителю дальнейшее исследование «скрытого», метод «внутренней археологии», то есть продвижение к сути человеческой природы в первую очередь через способность освобождаться от телесного и обращаться к своим чувствам и эмоциям.
Завершается экспозиция залом «Суть» и саунд-арт работой коллектива «Музей вечно играющих аттракционов» (Анастасия Крохалева, Денис Перевалов).
Участники выставки:
Onda
Ева Аракчеева
Адиль Аубекеров
Анна Вишневская
Миша Горячкин
Роман Ермаков
Кирилл Жилкин
Коллектив «Музей вечно играющих аттракционов» (Анастасия Крохалева, Денис Перевалов)
Василиса Лебедева
Виктор Назаров
Алиса Николаева
Павел Польщиков
Ксения Попаренко
Гурген Петросян
Михаил Ситников
Денис Уранов
Елена Ямлиханова
Джейкоб Якубов
http://www.rosizo.ru/events/event/2057/
Команда фестиваля MIEFF приглашает молодых фильммейкерок/ов и видеохудожниц/ков принять участие в специальном проекте VII Московской международной биеннале молодого искусства — междисциплинарной образовательной программе «Внеклассные практики», которая пройдет с 3 ноября по 6 декабря в Музее Москвы.
Что: Образовательная программа, смешивающая актуальную теорию и экспериментальные практики и нацеленная на расширение представлений студентов о том, каким может быть кино и движущееся изображение.
Для кого:
- Участник должен являться студентом или недавним выпускником кино/артшколы и/или иметь опыт работы с движущимся изображением.
- Возраст: не более 35 лет.
- Возможность присутствовать на занятиях в будние дни по вечерам и полный день в выходные (с 3 ноября до 6 декабря).
- Устойчивый интерес к движущемуся изображению и наличие работ является ключевым критерием финального отбора.
Место: Музей Москвы, Москва, Зубовский б-р, 2
Срок подачи заявок: с 23 сентября до 21 октября 2020 года
Даты образовательной программы: с 3 ноября по 6 декабря 2020 года.
Чтобы создать диалог между существующими школами и их подходами, а также людьми, не принадлежащими к институциям, чтобы повысить эстетическую и политическую осознанность, расшатать догматическое мышление и освободить от внутренних ограничений, эта программа объединит неоднородную группу участников для совместного поиска новых форм и смыслов.
Вместе с практикующими фильммейкерками/ами и художницами/ками, студенты научатся основам работы с 16-мм кинопленкой и CG, познакомятся с тем, как телесные практики и эксперименты со звуком, постколониальная теория и феминизм, идеи постгуманизма, работа с архивами и found footage, собственная история и мифология могут существовать в пространстве кино и открывать альтернативные возможности художественной практики.
Эта программа обращается к сокрытому, неоднозначному, периферийному, к созданию сообществ, построенных на коллективном творчестве и взаимоподдержке, к мягкой силе и осознанному сопротивлению доминантным нормам и властным структурам.
Преподаватели: Сара Кульманн (художница, резидент Академии Художеств в Амстердаме), Ребекка Бэрон (фильммейкерка, кураторка и директорка программы Film and Video в Калифорнийском институте искусств, где она также преподает), Саша Литвинцева (художница, режиссер, исследовательница и преподавательница в Лондонском университете королевы Марии), Саодат Исмаилова (фильммейкерка, художница, кураторка CCA LAB в Центре современного искусства в Ташкенте), Дина Караман (видеохудожник, режиссер, архитектор и сценограф), Женя Л Збань (междисциплинарная художница, театральная режиссерка, соосновательница театральной/художественной лаборатории ВОКРУГ ДА ОКОЛО), Ольга Шишко (искусствовед, куратор, один из ведущих российских специалистов в области искусства новых медиа, видео- и медиаискусства) и другие.
Кураторы программы: Владимир Надеин, Екатерина Селенкина, Рита Соколовская.
Программа пройдет в режиме офлайн в Музее Москвы. Обучение бесплатное, но не подразумевает возмещения расходов на проезд и проживание. Финальное количество участников — 12 человек. Результаты отбора будут объявлены 28 октября 2020 г.
Подать заявку.
По всем вопросам:
Рита Соколовская
+7 977 964 12 54
info@mieff.com
В рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства состоялся open-call для институций Москвы для участия в Параллельной программе, которая проходит с сентября 2020 до января 2021 года.
Проекты параллельной программы Биеннале осуществляются на разных площадках города Москвы, а возраст участников и кураторов не превышает 35 лет. На конкурс было подано 36 заявок: из них 13 — от государственных организаций и 23 — от частных институций. По итогам open call в параллельную программу вошли 23 проекта, инициированные московскими институциями. Данные проекты направлены на взаимодействие с молодым искусством и затрагивают актуальные темы в современном контексте.
В рамках параллельной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства проходят следующие проекты:
СЕНТЯБРЬ
Выставочный проект «Против зерна»
Московский музей современного искусства
19 августа — 20 сентября 2020
Выставочный проект «Redrum»
Jart gallery
26 августа — 26 сентября 2020
Выставочный проект «Маточкин шар**Пролив компаса»
В рамках программы «Коллекция. Точка обзора»
Образовательный центр ММОМА
1 сентября — 11 октября 2020
Выставочный проект «По головам»
Музей Вадима Сидура, Московский музей современного искусства
4 сентября — 4 октября 2020
Выставочный проект «Паузы»
Московский музей современного искусства
7 сентября — 11 октября 2020
Выставочный проект «rftwtkzhbz/канцелярия»
Галерея «25 кадр»
7 — 17 сентября 2020
Аудио инсталляция «Закон сохранения звука»
ЦТИ «Фабрика»
10 — 30 сентября 2020
Выставочный проект «Invisible power»
Osnova gallery
13 сентября — 4 октября 2020
Выставочный проект «Out of the map»
Zmeyev gallery
17 сентября — 4 октября 2020
Выставочный проект «Аппроксимация несовозможными»
Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина
19 — 27 сентября 2020
ОКТЯБРЬ
Выставка Маркоса Анзиани «On the way home»
Askeri gallery
1 октября — 1 ноября 2020
Серия лекций и мастер- классов «Inside out»
Парк искусств «Музеон»
1 октября — 30 ноября 2020
Выставочный проект «Амбивалентность»
Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина
1 — 9 октября 2020
Выставочный проект «Арт-память»
Фонд культурных проектов «Четверг»
6 — 31 октября 2020
Выставочный проект «Параллели»
Галерея «Файн Арт»
10 октября — 8 ноября 2020
Выставочный проект «Помехи»
Галерея «Триумф»
15 октября — 15 ноября 2020
Выставочный проект «Остров»
Галерея «Триумф»
15 октября — 15 ноября 2020
Совместный проект Buro24/7 x ММОМА «20:20.Время остановилось»
Образовательный центр ММОМА
20 октября — 15 ноября 2020
Опера «Вода»
Башмет центр
13 — 14 ноября 2020
НОЯБРЬ
Персональная выставка – перформанс «Прозрачность. Новое растворение»
Универмаг «Цветной»
19 — 26 ноября 2020
Выставочный проект поезд «Москва – Токио»
ЦТИ «Фабрика»
25 ноября — 17 января 2020
Кураторский open call «без_названия_1»
Peakartstudio
Ноябрь 2020
Выставочный проект «Свет звезды и лабиринт минотавра»
Московский музей современного искусства
1 декабря 2020 — январь 2021
Проекты на площадках Московского музея современного искусства
Московский музей современного искусства — организатор VII Московской международной Биеннале молодого искусства — приоритетными направлениями деятельности музея являются образование в сфере искусства, поддержка молодых художников. При музее функционирует Школа современного искусства «Свободные мастерские». В рамках VII Биеннале молодого искусства ММОМА совместно с партнерами подготовил 5 проектов:
Московский музей современного искусства совместно с Фондом содействия развитию современного искусства Ruarts представили выставку «По головам» художника 0331с, который проходит в ММОМА на Гоголевском бульваре и в Музее Вадима Сидура до 4 октября. Проект обращается к концепту исторической памяти, хранящейся в артефактах современного городского пространства. Организаторы выставки — Московский музей современного искусства, Музей Вадима Сидура, Фонд содействия развитию современного искусства Ruarts. Кураторы проекта — Катрин Борисов, Екатерина Новокшонова.
До 11 октября в Образовательном центре ММОМА в Ермолаевском переулке проходит выставка «Маточкин шар**Пролив компаса» в рамках программы «Коллекция. Точка обзора». Выставка повествует о terra incognita, история которой приобретает два симметричных прочтения и таким образом приобретает своего рода бинокулярный характер. Экспозиция «Маточкин шар*», реализованная на 4 этаже Образовательного центра, обращается к образу мистерий и провидения, в то время как «*Пролив компаса», разместившийся на 3 этаже, посвящен размышлению о практиках коммеморации опытов откровения. Кураторы проекта — Диана Джангвеладзе и Мария Доронина.
Также до 11 октября в рамках параллельной программы биеннале в ММОМА на Гоголевском 10 открыта выставка «Паузы» . На выставке представлены работы 11 художников: Гедиминаса Даугела, Ирины Иванниковой, Икуру Куваджима, Олеси Лавриненко, Александры Михайловой, Саши Госмант, Александры Налетовой, Анастасии Свириденко, Анны Соповой, Шамиля Шааева, Антанаса Яциневичюс. Куратор проекта — Оксана Чвякина.
В рамках параллельной программы биеннале Buro24/7 совместно с ММОМА подготовит специальный проект — выставку «20:20. Время остановилось» . Проект будет проходить с 20 октября по 15 ноября в рамках ежегодного кросс-культурного фестиваля BURO. NEW COOL в Образовательном центре ММОМА при поддержке Фонда Cosmoscow. Выставка посвящена исследованию новых ритуалов и привычек, появившихся или обострившихся в 2020 году, в период пандемии и общей социальной нестабильности. Куратор фонда Cosmoscow Александр Буренков пригласил к диалогу 10 молодых российских художников, создавших свои новые проекты специально для выставки и благотворительного аукциона, запланированного на декабрь 2020 года.
Московский музей современного искусства и Галерея «Триумф» представят выставку художника Алексея Дубинского «Свет Звезды и Лабиринт Минотавра» . Серия из тринадцати живописных полотен будет посвящена внутренней жизни человека, его памяти и самоидентификации. Эти работы о семье, о вынужденном бесконечном путешествии, о потере близких отношений, о том, как мимолетны могут быть моменты, ностальгии, воспоминаний и реальности событий, которые с нами происходят. Выставочный проект будет проходить в ММОМА на Гоголевском бульваре с 1 декабря и будет длиться до января 2021 года. Куратор проекта — Софья Симакова.
Дополнительную информацию можно найти на сайте: www.mmoma.ru
Проекты на площадках других московских институций
До 4 октября в Zmeyev Gallery проходит проект художника Максима Змеева «Out of the map» – внутриигровые фотографии, созданные за границами карты. Проект создан на основе видеоигры «Red Dead Redemption 2», построенной по принципу открытых миров «open world», в которых игрок может самостоятельно исследовать доступное ему пространство. Кураторы проекта — Кети Богомаз и Максим Змеев.
Дополнительная информация по ссылке: instagram.com/maximzmeyev
В Osnova gallery до 4 октября проходит выставка Юлии Иосильзон «Invisible power». Персонажи художницы многогранны и очень загадочны, как и женская натура. Но это не ставшая мейнстримом феминистская повестка, а новая грань восприятия женственности и чувственности, легкости, которая объемлет зрителя и самого художника. Организатором выставочного проекта выступает сама галерея.
Дополнительная информация на сайте: www.osnovagallery.ru
С 1 октября до 1 ноября в Askeri Gallery проходит выставка «On the way home» Маркоса Анзиани – молодого американского художника доминиканского происхождения, который живет и работает в Нью-Йорке. В своих работах художник стремится обуздать энергию красочных пятен в рамках четко заданной плоскости холста.
Дополнительная информация на сайте: www.askerigallery.com
Серия мастер классов и лекций «Inside out» , куратором которых является Мария Кузьмина, пройдут в павильоне «Школа» в Парке искусств «Музеон» с октября по ноябрь. Inside out – это проект, который показывает изнанку рутинных вещей, вскрывает непонятные бюрократические процессы, учит взаимодействовать с ними. На встречах художники смогут предложить свою альтернативу рутине и бюрократии, придумать профессиональный кодекс цифровой этики, высказать мнение о том, какими должны быть договоры и договоренности в современном мире. Организатор проекта — ЦПКиО им. Горького. Даты проведения: 1 октября - 30 ноября.
Ссылка на сайт: insideoutart.ru
Выставочный проект «Амбивалентность» в рамках VII Биеннале пройдет 1-9 октября в Фонде Владимира Смирнова и Константина Сорокина. Куратор выставки — Шумилова Елизавета. Проект основан на повествовании, которое строится вокруг двух историй: первая работа — история обмена агрессивной экспрессии; вторая работа продолжает заданный темп повествования, раскрывая историю в более привычной среде. Организатор проекта — Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина.
Ссылка на сайт: www.smirnovartsorokin.ru
Фонд культурных проектов «Четверг» представляет выставку «Арт-память» , которая пройдет с 6 по 31 октября. Выставка в двух частях представит работы 18 художников в разных медиа (инсталляция, живопись, графика, скульптура, фотография, видеоарт). Художники работают с историями жителей дома престарелых и на их основе осмысляют эпоху 60-х годов в СССР и феномен памяти. Куратором выставки выступила Башмакова Ксения. Организатор — Фонд культурных проектов «Четверг».
Дополнительная информация на сайте: chetverg-fond.ru
Галерея «Файн Арт» (ЦСИ «Винзавод») организует в своем пространстве выставку «Параллели» . Куратор выставки – Ольга Красуцкая. Проект «Параллели» объединяет произведения художников, выстраивающих собственную вселенную посредством различных художественных средств. Проект будет проходить с 10 октября по 8 ноября. Участники выставки – Ольга Красуцкая, Асмик Мелконян, Рома Казус, Евгения Воронова, Василиса Липатова, Андрей Шкарин.
Дополнительная информация на сайте: www.galleryfineart.ru
Галерея «Триумф» представляет две персональные выставки художниц Екатерины Герасименко и Евы Хелки. Выставки станут частью проекта «Launchpad», организованного галереей в 2013 для поддержки молодого искусства. Выставка «Помехи» — это наблюдения о наших страхах и сомнениях, которые рождаются в зазоре между реальностью и выдумкой. Проект Евы Хелки «Остров» пройдет в рамках программы Launchpad, организованной галереей для поддержки молодого искусства. Ева Хелки работает в широком спектре техник, часть из которых представлена на выставке в ее живописных работах и инсталляциях. В своих работах художница перерабатывает древние мифологические сюжеты и проецирует их на современную реальность. Героями ее работ становятся близкие Еве люди, а действие в картинах происходит на Васильевском острове — там, где живет художница. Проекты пройдут с 15 октября по 15 ноября.
Дополнительная информация на сайте: www.triumph.gallery/about
В рамках параллельной программы фонд культурных проектов «Четверг» покажет оперу «Вода» . 13 и 14 ноября «Вода» пройдет в Башмет центре. Опера «Вода» — это сайт-специфик проект на границе театра и современного искусства, на экологическую тематику. Музыкальная часть перформанса помимо камерного оркестра, сопрано и хора включает звуковую инсталляцию, полностью основанную на звуках воды в различных агрегатных состояниях. Режиссер и композитор оперы — Борис Лесной.
Дополнительная информация на сайтах:
chetverg-fond.ru
bashmet.center
Частью параллельной программы VII Биеннале также станет персональная выставка-перформанс Ивана Беляева «Прозрачность. Новое растворение». Проект пройдет в универмаге «Цветной» с 19 по 26 ноября. Концепция выставки состоит из объяснения того, что растворение, преодоление плотности материала, то есть телесности – есть достижение видения красоты Мира, переживание единого пространства Пути, теряющего форму и границы, но объединяющего и примиряющего в себе все аспекты и этапы этого Пути постижения. Куратором выставки является сам художник, сокуратором — Анжела Попова. Организатор проекта — Art Design Human Studio.
Дополнительная информация: adhstudio.art/studio
В Центре творческих индустрий «Фабрика», который выступает организатором проекта, также пройдет выставка «Поезд «Москва – Токио» Валерии Санчило. Проект представляет собой мультимедийную инсталляцию, в состав которой входят: видеопроекции, звуковое сопровождение и художественные объекты. Проект является фантазией на тему того, как в будущем может выглядеть такая важная и незаменимая сторона нашей жизни как передвижение на дальние расстояния. Выставка пройдет с 21 ноября по 17 декабря.
Дополнительная информация на сайте: fabrikacci.ru
В ноябре Peakartstudio проведет кураторский open call "без_названия_1". Каждый год различные российские институции выпускают десятки кураторов, но возможность реализовать свои проекты есть лишь у немногой ее части, так как большинство open call проводится для художников. Поэтому организаторы решили предоставить площадку под проект для новой генерации молодых кураторов — кураторский open call, по результатам которого будет реализован проект Алисы Николаевой. Кураторы проекта — основатели самоорганизации «Диск» Алина Измайлова и Шамиль Шааев.
Информация об open call по ссылке: diskitsyou.wixsite.com/disk/open-call
Специальный проект «Группа поддержки»
VII Московской международной биеннале молодого искусства
Cube.Moscow
Время проведения: 15:00
Место: арт-центр Cube.Moscow. Улица Тверская, дом 3
Самоорганизация: Spectate
Регистрация
Завершая свое участие в проекте «Группа поддержки» вебзин о современном искусстве Spectate пригласил в лекторий Cube.Moscow Юлию Чернову и Асю Кейпс–Бачелис, чтобы напоследок поговорить о больном — о том, где брать деньги на культурные инициативы разного масштаба и географической локализации.
За последний год случилось несколько острых и важных дискуссий о принципах выделения и распределения средств на культурные проекты; о нехватке ресурсов проектам, которые реализуются за пределами крупных институций и в регионах; о справедливой и своевременной оплате труда всех участников производственного процесса.
Настаивая на необходимости структурных изменений, кажется важным одновременно с этим создавать альтернативные финансовые и ресурсные потоки. Другими словами, учиться самостоятельно находить необходимые ресурсы для реализации самых разных проектов.
На лекции Юлии Черновой и Аси Кейпс–Бачелис «Эффективный фандрайзинг — с чего начать?» мы поговорим о том, как понять куда идти за финансовой поддержкой (и куда вообще можно ходить), какие материалы о проекте готовить, как вести переговоры, как понять, что предложить потенциальному спонсору.
Spectate — независимый вебзин о современном искусстве. Мы публикуем эссе, подкасты и рецензии на выставки, а также переводы важных текстов об искусстве. Кроме того, у нас выходят короткие циклы лекций философов и теоретиков о важных концепциях искусства и вокруг-искусства.
Специальный проект
VII Московской международной биеннале молодого искусства
Московский музей современного искусства
10 октября — 15 ноября 2020
Часы работы: вторник — воскресенье 12:00 - 21:00
Место: Московский музей современного искусства, улица Петровка, дом 25
Куратор: Дарья Камышникова
Московский музей современного искусства и Школа современного искусства «Свободные мастерские» представляют коллективный проект молодых художников «Мастерская 20’20. Человек Общающийся».
В этом году кураторы «Мастерской» осмысляют образ Человека Общающегося в различных его ипостасях: место, природа, игра как общение, одиночество. Результатом их размышлений стал масштабный выставочный проект в ММОМА на Петровке 25, который посвящен новому опыту самоизоляции во время пандемии. Изначально придуманные до карантина проекты молодых художников получили новое прочтение и осмысление, с которым зритель сможет познакомиться с 10 октбяря в ММОМА на Петровке 25.
«Мастерская 20’20. Человек Общающийся» станет Cпециальным проектом в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Школа современного искусства «Свободные мастерские» — образовательная платформа Московского музея современного искусства для молодых художников и кураторов. Школа была основана в 1992 году группой художников и искусствоведов. Будучи частью Музея, «Свободные мастерские» предлагают учащимся уникальную возможность изучать теоретические и практические аспекты современного искусства, находясь в его эпицентре. На всех этапах становления художника Музей и Школа оказывают ему значительную поддержку: участие в групповых выставочных проектах (ежегодные выставки молодого искусства «Мастерская», групповые проекты молодых кураторов), возможность организации первой персональной выставки (программа поддержки молодого искусства ММОМА).
Подробнее
VII Московская международная биеннале молодого искусства объявляет о старте образовательной программы, реализуемой совместно с Фондом поддержки современного искусства Винзавод.
Программа состоит из трех блоков: цикл из пяти международных дискуссий «Салон отверженных категорий» (куратор — критик и искусствовед Андрей
Шенталь), «Дневник биеннале» (куратор — искусствовед Борис Клюшников), объединивший сообщества теоретиков и критиков искусства, и практическая часть: серия
мастер-классов из печатных мастерских (кураторы — объединение принт-маркет Вкус Бумаги).
Принципами организации программы стали междисциплинарный подход и вовлечение культурных самоорганизаций в интеллектуальный обмен. Биеннале, как одно из важных событий в российской культуре, обладает большим потенциалом для объединения
различных сообществ, способствует поддержке начинающих профессионалов и открытию новых имен в культуре. Создание вокруг биеннале разностороннего диалога на актуальные темы предоставит возможность для свободного высказывания экспертам, представителям
культурных сообществ и привлечет внимание более широкой аудитории.
Московская международная биеннале молодого искусства сотрудничает с Фондом поддержки современного искусства Винзавод на протяжении многих лет. Для обеих институций идея совместного сотрудничества, реализации программ поддержки художников, а также вовлечение их в творческий процесс является центральной и важной.
Образовательная программа VII биеннале проходит в онлайн формате, что позволяет продолжать активную работу, творческий процесс, объединять и привлекать к участию международных спикеров из разных областей, расширяя, таким образом, пространство для совместной деятельности и диалога. Также переход в цифровую среду делает программу максимально доступной и открытой для различных аудиторий вне зависимости от географии.
Цикл международных дискуссий объединил выдающихся исследователей, философов, кураторов и художников. Среди них профессор Университета Абердина
в Великобритании Тим Ингольд (Tim Ingold), приверженец экологического подхода к антропологии и психологии; профессор Gender Studies в Университете Колумбия
Джек Халберстам (Jack Halberstam), применяющий критическую теорию для анализа искусства и культуры; итальянский социолог, философ и писатель, профессор
L’Accademia di Brera в Милане Франко Берарди (Franco “Bifo” Berardi), специализирующийся на изучении депрессии; историк, доктор философии Анна Мазаник (Anna Mazanik, Венгрия), фокусирующаяся на истории медицины; кандидат культурологии, педагог Шанинки Оксана Мороз; один из ведущих специалистов в области перформативных практик, художница Екатерина Муромцева, работающая с темой возрастной антропологии, и многие другие.
Первая дискуссия в цикле под названием «Апология возраста» , посвященная возрастной антропологии, состоится 12 октября, в 19:00 (мск) . Участники дискуссии: профессор Тим Ингольд, художница Екатерина Муромцева и профессор Анна Шадрина, модератор дискуссии
Андрей Шенталь. Дискуссия пройдет в онлайн-формате, на английском языке, с синхронным переводом на русский. Трансляция пройдет в Zoom и в сети «ВКонтакте».
«Дневник биеннале» в кооперации с различными сообществами начнет работу с 20 октября на цифровой платформе figma, которая предоставит возможность свободного высказывания каждому из участников и открытой навигации ресурса для пользователей. Авторы «Дневника» с куратором, экспертом Лаборатории художественной критики Винзавода Борисом Клюшниковым создадут свои форматы для диалога об искусстве.
Среди участников проекта: коллектив «Кафе-мороженое» и «Кооператив распределенного сознания» с серией подкастов о современной трудовой этике; сообщество Cyberfeminism и телеграм-канал «Блуждающая Звезда» с дискуссией о практике создания текстов об искусстве на примере мессенджера Telegram. «Альманах-огонь» разработает специальный аудиогид по выставке; мастерская «Практики письма» представит формат 3D-интервью; кружок по научной фантастике «Слово для Леса и Мира» продумает экскурсию-фикцию по выставке
в воображаемом контексте научно-фантастических текстов. Список участников будет расширяться.
На протяжении всего проекта в цифровой среде появится система библиографических референсов: авторы «Дневника» проведут опрос художников, кураторов, координаторов и работников биеннале о книгах и текстах, повлиявших на их практики, создавая «книжную полку» проекта.
Образовательную программу дополнит серия онлайн мастер-классов из печатных мастерских, кураторы — объединение принт-маркет Вкус Бумаги, поддерживающие традиции техник ручной печати.
Для реализации программы практического блока Биеннале и Винзавод пригласили сообщество мастерских, специализирующихся на печатных техниках, во многом благодаря доступности художественных практик и экспериментальному потенциалу для художественного высказывания. Печатные техники сегодня присутствуют в большинстве художественных проектов как часть произведения и становятся актуальной и доступной практикой для многих авторов.
Восемь мастер-классов из различных мастерских познакомят художников с техниками шелкографии, офорта, линогравюры, фото-офорта, ризографией и другими видами печати. Ручные техники печати позволяют произвести тиражные работы и сделать процесс искусства доступным для его участников: художников и коллекционеров. Распространение данных техник и владение ими расширяет визуальный нарратив, повышают общий профессиональный уровень художников, открывают дополнительные возможности для реализации своих идей.
Среди участников: «Офортная мастерская», дизайн-студии ESH Print, студия печати Samopal Studio, студия дизайна и аналоговое печатное производство Hardcore Studio, мастерская шелкографии «Принт-мафия», архитектурная школа и мастерская «Архитектура через офорт», Лаборатория экспериментальной печати «Пиранези Lab», мастерская и галерея печатной графики ЛИТО.
Трансляции мастер-классов пройдут в соцсетях Биеннале и Винзавода. Первая трансляция состоится 20 октября, 19:00 (16:00 GMT).
Вся программа будет представлена на официальном сайте Биеннале в разделе «Образовательная программа» на youngart.ru. Все мероприятия программы бесплатные.
Партнер цикла международных дискуссий — социальная сеть «ВКонтакте».
О МОСКОВСКОЙ МЕЖДУНАРОДНОЙ БИЕННАЛЕ МОЛОДОГО ИСКУССТВА
Московская международная биеннале молодого искусства — масштабный проект в области современного искусства в России. Задачи биеннале — открытие новых имен, поддержка и стимулирование творческих инициатив художников и кураторов нового поколения, создание условий для их публичного высказывания и, как следствие, развитие среды современного искусства и международной интеграции. Московская международная биеннале молодого искусства проходит с 2008 года. Начало проекту положили ежегодный фестиваль молодого искусства «Стой! Кто идет?» (проводился Государственным центром современного искусства (ГЦСИ) ежегодно с 2002 по 2006 годы) и выставка молодого искусства «Мастерская» (проводится Московским музеем современного искусства ежегодно с 2001 года по настоящее время). Проект активно развивается и продолжает поиск новых направлений в сфере поддержки молодого искусства, вовлекая в проект культурные институции, заинтересованные в развитии молодого искусства, а также работая с городской средой.
VII Московская международная биеннале молодого искусства пройдет до 6 декабря: она включает в себя конкурсную программу Основного проекта, специальные проекты, образовательную программу, региональную программу портфолио-ревю и проекты параллельной программы. Расписание проектов биеннале ищите на сайте youngart.ru.
ФОНД ПОДДЕРЖКИ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА ВИНЗАВОД
Центр современного искусства Винзавод основан в 2007 году и является первым частным центром современного искусства в России, объединяющим галереи, образовательные программы, студии, мастерские. Собрав все направления современной культуры в одном пространстве, открытом для широкой аудитории, Винзавод поддерживает актуальное российское искусство и создает комфортную среду для его развития.
На базе Винзавода создан Фонд поддержки современного искусства, его стратегические направления: Новые имена и Образование. В рамках направления Винзавод. Новые имена работают проект Старт, Открытые студии, СТЕНА.
Винзавод. Образование развивает Лаборатория художественной критики (совместно с институтом База), Лаборатория журналистики, Винзавод.OPEN и Программу Лидерства Generation Art. Все проекты направлены на расширение возможностей для начинающих профессионалов в области искусства и культуры в целом.
КУРАТОР ЦИКЛА МЕЖДУНАРОДНЫХ ДИСКУССИЙ — АНДРЕЙ ШЕНТАЛЬ
Андрей Шенталь (р. 1988, Россия) — художественный критик и куратор. Окончил Факультет журналистики МГУ им. Ломоносова (Кафедра литературно- художественной критики и публицистики) и магистратуру Центра исследований современной европейской философии Кингстонского университета. В 2013–2015 гг. был старшим редактором раздела «Современное искусство» проекта «Теории и практики», а в 2015–2017 — редактором, автором и переводчиком «Художественного журнала». С 2016 года является иностранным корреспондентом Flash Art International. Автор рецензий, интервью и статей, опубликованных в различных изданиях и сборниках, среди которых «Артхроника», Colta.ru, Art Territory, Idea, Mute, Art Leaks, Little Joe, Flash Art и Frieze. Со-куратор проектов Now Showing: Austerity Measures (Лондон, Лиссабон, Рига, Афины, Порту, Бухарест, 2013); «Неудовлетворенность эстетикой», «Новые космологии» и ДИАМАТ («Винзавод», Москва, 2016, 2017–18, 2018–2019 гг. соответственно); куратор персональной выставки Арсения Жиляева «Возвращение» («Винзавод», Москва, 2017–18); со-куратор программы «Турбулентность» в рамках Международной ярмарки современного искусства Cosmoscow (Москва, 2020).
КУРАТОР «ДНЕВНИКА БИЕННАЛЕ» — БОРИС КЛЮШНИКОВ
Борис Клюшников (р. 1989, Россия) — преподаватель теории современного искусства. С 2013 по 2015 год работал в ГЦСИ в отделе междисциплинарных программ. С 2015 по 2020 гг. преподавал курс теории современного искусства на кафедре кино и современного искусства РГГУ. Преподаватель и организатор программ по теории и истории искусства института «База». Преподаватель школы фотографии и мультимедиа им. Родченко. С 2015 года преподает в Британской высшей школе дизайна. Со-основатель Лаборатории художественной критики Винзавода (совместно с институтом «База»). С 2020 года преподаватель Московской школы новой литературы. Организатор ридинг-групп по научной фантастике The Word For World Is Forest. В сферу исследовательских интересов входит философия современного искусства, видеоэссеизм и пересечение искусства и научной фантастики.
КУРАТОРЫ СЕРИЙ МАСТЕР-КЛАССОВ ИЗ ПЕЧАТНЫХ МАСТЕРСКИХ — ОБЪЕДИНЕНИЕ ПРИНТ-МАРКЕТ ВКУС БУМАГИ
Принт-маркет Вкус Бумаги проходит ежегодно с 2014 года на различных площадках Москвы (Powerhouse, Наука и искусство, ЭМА, Центральный Телеграф, ЦСИ Винзавод), в 2019 году проходил в Музее современного искусства Гараж совместно с книжной ярмаркой Garage Art Book Fair. Принт-маркет Вкус Бумаги занимается развитием тиражной графики в России и поддержки художников и специалистов, работающих с этим направлением искусства. Крупнейший в России фестиваль тиражной графики и продюсирует творческие инициативы, связанные с ручными техниками художественной печати на бумаге.
РАСПИСАНИЕ
ЦИКЛ ДИСКУССИЙ «САЛОН ОТВЕРЖЕННЫХ КАТЕГОРИЙ»
Куратор Андрей Шенталь
Дискуссии состоятся онлайн, на английском языке с синхронным переводом на русский.
12.10.2020
19:00
Дискуссия «Апология возраста»
Участники: профессор Тим Ингольд (Tim Ingold, Великобритания), художница Екатерина Муромцева (Россия) и доктор социологических наук Анна Шадрина (Великобритания), модератор дискуссии Андрей Шенталь (Россия)
26.10.2020
19:00
Дискуссия «Тирания позитива»
Участники: профессор Ева Иллоуз (Eva Illouz, Израиль), магистр политической философии и социальной теории Наталья Протасеня (Россия), критик Борис Клюшников (Россия)
09.11.2020
19:00
Дискуссия «Эпик фейл / Похвала неудачи»
Участники: профессор Джэк Халберстам (Jack Halberstam,США), tbt: художник Габи Саар (Gaby Sahhar, Великобритания), художник, критик, куратор Анастасия Вепрева (Россия)
16.11.2020
Событие перенесено. Следите за новостями в наших соцсетя.
Дискуссия «Социальная неловкость»
Участники: художник Егор Рогалев (Россия), доцент Оксана Мороз (Россия), профессор Франко Берарди (Franco “Bifo” Berardi, Италия)
30.11.2020
19:00
Дискуссия «Блеск и нищета болезни»
Участники: историк, Анна Мазаник (Anna Mazanik, Австрия), Хави Карель (Великобритания), Валерия Конончук (Россия)
ДНЕВНИК БИЕННАЛЕ
20.10.2020 – 1.12.2020
Куратор Борис Клюшников
Участники: коллектив Кафе-мороженое, Кооператив распределенного сознания, сообщество Cyberfeminism, телеграм-канал «Блуждающая Звезда», альманах «Огонь», мастерская Практики письма, кружок по научной фантастике «Слово для Леса и Мира», Отдел Практической Аффектологии, мастерская им. Маркузе и др.
Каждый вторник публикация дайджеста на сайте биеннале и сайте лабораторий Винзавода labs.winzavod.ru
ОНЛАЙН ТРАНСЛЯЦИИ ИЗ ПЕЧАТНЫХ МАСТЕРСКИХ
Кураторы принт-маркет Вкус Бумаги
20.10.2020
19:00
Офортная мастерская
техника меццо тинто
27.10.2020
19:00
Печатная мастерская дизайн-студии ESH Print
техника ризография
04.11.2020
19:00
Студия печати Samopal Studio
техника зинмэйкинг
11.11.2020
19:00
Студия дизайна и аналоговое печатное производство «Хардкор студия»
техника высокой печати
18.11.2020
19:00
Мастерская шелкографии «Принт-мафия»
техника шелкография
23.11.2020
18:00
Архитектурная школа и мастерская «Архитектура через офорт»
техника сухая игла
30.11.2020
18:00
Лаборатория экспериментальной печати Пиранези лаб
техника фотоофорт
08.12.2020
19:00
Мастерская и галерея печатной графики ЛИТО
техника литография
Первая дискуссия в рамках образовательной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства состоится 12 октября в 19:00 по Москве.
УЧАСТНИКИ ДИСКУССИИ
Тим Ингольд – профессор социальной антропологии Абердинского университета.
Анна Шадрина – доктор социологических наук, преподаватель в Университетском колледже университета Лондона.
Екатерина Муромцева — художница.
Андрей Шенталь, куратор цикла международных дискуссий: «Несмотря на рост продолжительности жизни и старение населения, культуриндустрия по-прежнему молодеет и инфантилизируется. Даже современное искусство питается всем молодым — энергией обновления, отрицанием отцовских канонов и открытием новых имен. Инициативы вроде Московской международной биеннале молодого искусства, с одной стороны, борются с институциональной геронтократией и истеблишментом, но одновременно — через отсылку к биологическому возрасту — усиливают системный эйджизм. Даже внутри института искусства мы сталкиваемся с делением людей на противоречащие друг другу поколенческие группы.
На самом деле, биологи до сих пор не могут разгадать причину старения, медики не сходятся в том, когда начинается начинается этот процесс, а социологи не дают четкого возрастного критерия. Несмотря на гегемонию культа молодости, сегодня в развитых странах «третий возраст» рассматривается многими и как наиболее продуктивный ее этап. История искусства подтверждает это множеством примеров авторов, создавших главные произведения на склоне лет. Но одновременно процесс старения попадает в другую крайность, становясь выгодным ресурсом серебряной экономики, коучинга, медицинских и сервисных услуг.
В рамках дискуссионной программы биеннале антрополог Тим Ингольд поставит под вопрос существующую трехчастную систему поколений, где молодые занимают позицию правящих миром, социолог Анна Шадрина рассмотрит, как общественные институты и нормы создают представления о поздних этапах жизни, а художница Екатерина Муромцева расскажет об исторической исключенности пожилых художников из институционального контекста и поделится своим опытом взаимодействия».
ПАРТНЕРЫ ЭФИРА
Социальная сеть Вконтакте.
18 августа в галерее «Парк» Объединения «Выставочные залы Москвы» состоялось открытие выставки победителя Конкурса молодых кураторов Оксаны Лебедевой «Радикальное очищение».
Эта выставка о том, как виртуальная реальность обретает материальное воплощение и влияет на идентичность человека. Выставка «Радикальное очищение» — участник Специальной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства и программы поддержки и развития молодых художников и кураторов Объединение «Выставочные залы Москвы».
Основная тема выставки — это история о человеке, который конструирует свой образ в социальных сетях, и отвечает за последствия своего выбора. Эта история подобна жуткой сказке, древнему ритуалу или театральному представлению, в которых ничего не проходит бесследно. Человек сквозь густой туман пробирается по тёмному лесу, и в нём нарастает страх. Это страх перед непонятным и необъяснимым, перед тем, что не вписывается в привычное видение мира и стремится разрушить веру человека в познаваемость мира. Ощущение ужаса постепенно меняет героя этой истории и выводит наружу всё то, что было скрыто за социально одобряемым поведением. Происходит деконструкция идеального образа, который определял виртуальную жизнь человека.
С этой историей связана и идея бинарности, которая встречалась ещё в мифологическом мышлении. Для архаичного человека существовало две стороны – светлая сторона, которая символизировала безопасность, сакральность, и тёмная сторона, или сфера того, что оставалось позади и считалось враждебным. И в наши дни обнаруживается похожая бинарность, свойственная как для реального, так и для виртуального мира, – есть маска-образ, которую надевают для исполнения определенной роли, и есть те черты, которые человек в себе не признаёт, от которых он пытается всяческими способами очиститься на пути к романтической модели идеала. Можно провести аналогию с доппельгангером — злобным двойником в немецкой мифологии, который кажется точной копией живого человека. Этот мифический образ может стать тенью человека, давая ему неверные советы и сбивая с пути.
Эта выставка о том, как виртуальная реальность обрела материальное воплощение и обнаружила в себе структуру мифа.
Куратор: Оксана Лебедева
Открытие выставки: 18 августа 2020 года в 18:00
Выставка «Радикальное очищение», 12+
Режим работы галереи — вторник-воскресенье 11:00-20:00, понедельник – выходной.
Даты проведения: 18 августа 2020 — 01 октября 2020
Время работы: 11:00-20:00
Стоимость: полный билет — 100 рублей (полный), 50 рублей (льготный), по Социальной карте школьника и учащегося колледжа или карте «Москвёнок» – вход свободный
Галерея «Парк»
ул. Немчинова, д. 12, м. «Тимирязевская»
3 октября в галерее «Электромузей в Ростокино» Объединения «Выставочные залы Москвы» открывается выставка «Это всё что», специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Выставка исследует пограничные и кризисные аспекты современности в широком контексте актуальной проблематики Антропоцена.
«Самой острой и насущной проблемой нашей технологической современности стала угроза климатических изменений. Неотвратимая логика запущенного нами геологического процесса не оставляет нам шанса отступить и исправить ошибки, вернуть вымершие виды и разрушенные экосистемы. Мы лишь можем попробовать не делать изменения тяжелее и не приближать их неизбежное наступление. Сегодня думать в политических границах уже невозможно. Земля, природа на ней и её атмосфера не знают политических границ и могут прекрасно существовать без человека. Ни один режим, противопоставляя национальные интересы общечеловеческим, не избежит реальности Антропоцена», – арт-критик А.Евангели.
Молодые художники – участники выставки – критически исследуют истощенную реальность Антропоцена и доносят результаты поиска в своих работах. В их искусстве самоопределяется современность, трансформируя настоящее и узнавая себя в цифровых конструкциях и гибридных медиальных формах, в пересечениях жанров и свидетельствах опыта выживания в токсичных мегаполисах.
На экспозиции будут представлены аудио-визуальные и AR инсталляции, документации перформансов, генеративный видео-арт и авторские техники печати.
Участники выставки: Кира Вайнштейн, Екатерина Пряничникова, Алексей Нарутто, Александр Сереченко, Вячеслав Габриэльян, Николай Голиков, Андрей Жиганов
Куратор выставки: Кира Вайнштейн
Консультация, тексты: Александр Евангели
Выставка «Это всё что», 6+
Дата проведения: 3 октября – 15 ноября, 2020
Вернисаж: 2 октября, 19:00, вход по сеансам
В программе вернисажа:
Приветственное слово куратора и участников
Кураторская экскурсия с участием художников
Интерактивный музыкальный перформанс multi.operator (Александр Сереченко)
Посещение основной экспозиции — 100 рублей (полный), 50 рублей (льготный)
Вторник — воскресенье 11:00 —20:00
Четверг 11:00 — 22:00
Понедельник выходной
Место проведения: «Электромузей в Ростокино»
(Ростокинская ул., 1, м. ВДНХ, МЦК «Ростокино»)
Тел: 8 (499) 187-10-45
electromuseum@vzmoscow.ru
8 октября в галерее «Пересветов переулок» Объединения «Выставочные залы Москвы» в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства открылась выставка «Окрестности» — проект волгоградской художницы Тамары Шипициной, исследующий повседневный опыт и детские воспоминания, связанные с типовым советским микрорайоном 1970-80-х годов.
С одной стороны, проект рассказывает личную историю, с другой — обнаруживает ее совпадение с переживаниями большого количества жителей постсоветского пространства. Являясь архитектором по образованию, автор видит основу этого совпадения в развернувшемся в разных городах процессе тиражирования жилой среды, проектном производстве повседневного.
«Игры во дворе, детские площадки с горками-ракетами и странными скульптурами из металлических труб, первые самостоятельные походы в магазин, дружба и новые открытия — всё это происходило на фоне панельных домов. В профессиональном архитектурном сообществе эксперимент со строительством типового жилья в CCCР, как правило, признается неудачным. Возведенные рядами по всей стране, похожие друг на друга в разных городах, пятиэтажки и девятиэтажки описываются как «безликие», «серые», «унылые». Между тем, панельный микрорайон стал отправной точкой, начальным представлением о среде и пространстве не только для меня, но и для множества людей, проживающих в таких кварталах».
Тамара Шипицина работала с семейными архивами, проводила натурные съемки дворовых пространств, брала интервью у местных жителей. Сводя полученные свидетельства в своего рода паттерны повседневности — образы для печатной графики, фото-работ и видео-инсталляций, художница ищет другую систему оценки для архитектурного явления, которое само по себе отрицает такие категории как «уникальность», «разнообразие» и даже «красота».
Куратор: Александра Киселёва
Открытие выставки состоится 8 октября в 19:00. В программе открытия — приветственное слово художницы и экскурсии, которые проведут Тамара Шипицина и куратор выставки Александра Киселёва.
Выставка «Окрестности», возрастной ценз — 0+
Режим работы галереи — со вторника по воскресенье, с 11:00 до 20:00
Даты проведения: 9 октября — 8 ноября
Время работы: 11:00 — 20:00
Стоимость: полный — 100 р., льготный — 50 р.
Галерея «Пересветов переулок», метро Автозаводская, Пересветов переулок, 4 корп.1
8(495) 675-22-28, 8(495) 675-37-92
info-peresvetov@vzmoscow.ru
С 9 октября в галерее «Нагорная» Объединения «Выставочные залы Москвы» в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства открывается выставка-инсталляция, обращенная к частной истории, историям людей и их вещей.
Работая над воплощением основной идеи проекта (объединить вместе истории людей и их вещей в единое целое) мы превратили выставочное пространство в масштабную текстильную инсталляцию, которая является материальной метафорой того, как частное/локальное/повседневное переплетается с другим частным/локальным/повседневным и превращается в общее/глобальное.
Неотъемлемой частью инсталляции стали собственно вещи, а также рассказанные их владельцами и задокументированные (на видео и аудио) истории этих вещей.
Нас окружают вещи, которые мы носим, вещи, которые мы не носим, но храним, вещи, которые мы купили сами, вещи, которые нам подарили, вещи, которые перешли к нам по наследству, и вещи, которые мы сделали своими руками. У всех этих вещей есть истории, героические и не очень, баснословные и камерные, магические и будничные, которые своей обыденностью и обычностью делают наш повседневный опыт уникальным и неповторимым.
Проект «Раз/архивация» включает в себя несколько проектов, встроенных в ткань выставочного повествования и посвященных кропотливой работе с памятью и частными историями:
Лина Буксдорф. «Очень личная история».
Нина Вересова. «Процессуальное».
Александра Павловская. Инсталляция «Запах на полках памяти».
В рамках проекта мы также представляем несколько объектов из Музея дыр и заплат (д. Кирьяново, Ярославская область).
Истории, ставшие сюжетами для анимационных фильмов, а также их аудиозапись, предоставлены проектом PostPost.Media.
«Раз/архивация» — продолжающийся проект, который был впервые показан в ноябре 2019 года в Красноярске. Подготовка к его премьере шла летом 2019 года на площадке галереи «Нагорная», куда участники привозили свои вещи, свои истории и вплетали часть себя в общее полотно «Раз/архивации».
«Ты – то, что ты помнишь!».
Куратор выставки— Людмила Алябьева
Дизайн выставки— Нина Вересова.
Проект реализуется при поддержке Британской высшей школы дизайна и журнала «Теория моды: одежда, тело, культура»
Выставка «РАЗ/АРХИВАЦИЯ» 0+
Дата открытия: 09 октября 19.00 — вход свободный.
Дата проведения: 10 октября – 29 ноября 2020 года.
Время работы: вт – вс 11:00–20:00
Стоимость: 100 р. (50 р. – льготный билет)
Галерея «Нагорная» Объединения «Выставочные залы Москвы»
Ул. Ремизова, д.10, м. «Нагорная», 8 (495) 1236569
Дополнительная информация и аккредитация:
Анна Чепурная a.chepurnaya@vzmoscow.ru
Центр Вознесенского при участии Института современного искусства «БАЗА» представит Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства «ЗАКРЫТАЯ РЫБНАЯ ВЫСТАВКА. РЕКОНСТРУКЦИЯ».
Проект в Центре Вознесенского — реконструкция молодыми художниками одного из ключевых событий в истории московского концептуализма — «Закрытой рыбной выставки» Игоря Макаревича и Елены Елагиной, отмечающих в этом году 30-летие совместной деятельности. Выставка откроется 21 октября и продлится до 22 ноября.
Художественный руководитель / автор идеи — Ян Гинзбург
Куратор — Дмитрий Хворостов
Реконструкция «Закрытой рыбной выставки» Елагиной и Макаревича стала практической частью лаборатории Яна Гинзбурга и Дмитрия Хворостова в Институте современного искусства «База». Открытая осенью 2019 года, мастерская «Введение в research-based art» занимается изучением художественных практик, связанных с исследованиями в области истории искусства.
Проект посвящен художественному анализу исторического и эстетического контекста выставки Елагиной и Макаревича, в 1990 году представивших в загородном музее «МАНИ» (Московского Архива Нового Искусства) постмодернистскую реконструкцию соцреалистической астраханской «Закрытой выставки» 1935 года, объединившей в свою очередь работы советских художников на тему рыбной промышленности.
Следуя логике реконструкции, и вместе с тем иронично ее нарушая, выставка, в которой примут участие 20 молодых художников, отражает различные исследовательские стратегии и способы интерпретации в искусстве, разные техники оммажа и цитирования. В экспозицию войдут инсталляции, арт-объекты, видеоарт, документации акций и перформансов.
Каждый зал носит название одного из цехов Оранжерейного рыбокомбината в Астрахани, в котором проходили пленэры художников «Закрытой Выставки» 1935 года. Цеховое деление экспозиции подчеркивает разницу в художественных стратегиях, а также представляет этапы обработки архивных и художественных материалов, с которыми работали участники выставки. «Цех приема первичной обработки и транспортировки рыбы» — введение в исторический контекст. «Консервно-холодильный цех» — производственный этап, на котором искусство Елагиной и Макаревича подвергается художественному анализу. «Жестяно-баночный цех» — финальный зал, фиксирующий концептуальные выводы и эстетические интуиции выставки в форме «критического экспонатизма».
Экспозиция также рассказывает о сложной истории «Рыбных выставок», демонстрирует уникальные архивные материалы, проливает свет на неизвестные аспекты работы Елагиной и Макаревича и воссоздает архив оригинальной соцреалистической «Закрытой выставки» 1935 года.
Дмитрий Хворостов, куратор проекта: «Сегодня место и роль художника довольно сильно размыты, не последнюю роль в этом вопросе играют крупные влиятельные институции, которые часто используют искусство в качестве прикладного и иллюстративного материала для обслуживания различных политических и идеологических нарративов. Однако и сами художники часто стремятся выйти за рамки своих профессиональных компетенций, к примеру, представляя свою практику чем-то вроде научной деятельности. Сегодня каждый художник — это исследователь. Для понимания принципов нашей мастерской и самой выставки, необходимо иметь в виду, что исследовательская практика, о которой мы говорим, это нестрогая в научном понимании, но строгая в эстетическом/художественном смысле деятельность. Исторический факт, количественные данные, архивные материалы — для нас это эстетические категории. Мы не ставим перед собой цель рассказать зрителю что-то об окружающем мире или политических проблемах. Нас интересует поле искусства как автономная зона и история искусства как причудливая и полная парадоксов судьба этой автономии».
Антон Каретников, арт-директор Центра Вознесенского: «Изучение современной культуры и оммаж отечественному искусству второй половины ХХ века, эксперименты московского концептуализма, его онтологическая связь с текстом и современное бытование в виде проекта Яна Гинзбурга и Дмитрия Хворостова близки нам институционально, так как многие направления деятельности Центра строятся вокруг современного текста и его интерпретаций. Участие в биеннале позволяет нам работать с молодым и активным художественным сообществом и одновременно поддерживать современные методики арт-образования. Нам интересно нахождение связей между контекстами и эпохами».
В рамках проекта пройдет публичная программа. Расписание событий появится позже на сайте Центра Вознесенского. К финисажу планируется издание каталога «Закрытой рыбной выставки. Реконструкция», который, как обещают организаторы, станет самостоятельным артефактом и будет включать ранее не опубликованные архивные материалы.
К 30-летию совместной деятельности Елены Елагиной и Игоря Макаревича 10 ноября также откроется большая ретроспектива художников «Обратный отсчет» в Московском Музее современного искусства на Гоголевском бульваре 10. Подробная информация доступна на сайте музея.
«Закрытая рыбная выставка. Реконструкция» будет открыта с 21 октября до 22 ноября в Центре Вознесенского, по адресу Большая Ордынка, д.46, стр.3.
График работы: среда – пятница: 13:00 – 21:00, суббота – воскресенье: 12:00 – 20:00
Пресс-показ: 20 октября. 16:00 – 18:00
Открытие выставки по приглашениям: 20 октября. 18:00 – 23:00
КОНТЕКСТ
В 1990 году, в загородном музее «МАНИ» («Московский Архив Нового Искусства», подмосковная дача художника И. Паниткова) состоялась «Закрытая рыбная выставка» («ЗРВ») — дебютный совместный проект Елены Елагиной и Игоря Макаревича. Идея проекта заключалась в постмодернистской реконструкции соцреалистической астраханской «Закрытой выставки» 1935 года, на которой художники из Москвы представили работы на тему рыбной промышленности. За основу реконструкции был взят архивный документ — каталог 1935 года, содержавший только текст, названия работ и технику их исполнения; этот каталог стал отправной точкой для дуэта Елагиной и Макаревича и их первого совместного проекта. Художники создали серию концептуалистских объектов, выявлявших идеологическую декоративность и стандартные структуры «советского воображения», «воссоздали» по названиям работы с астраханской выставки и превратили их в постмодернистские объекты с отсылками к интернациональному искусству — Лучио Фонтана, Йозефу Бойсу и Хаиму Стейнбаху. Названия соцреалистических картин в лаборатории Елагиной и Макаревича превратились в интеллектуальные ребусы c визуальными подтекстами, став визитной карточкой художников на долгие годы. Елагина и Макаревич продолжили развивать идеи «ЗРВ» и в том же году представили новую «Закрытую рыбную выставку», объединив на ней арт-объекты из Музея «МАНИ» и новые произведения. Впоследствии художники еще несколько раз показывали «ЗРВ» на разных международных смотрах с различными комбинациями арт-объектов, а также подготовили к выпуску каталог выставки в «МАНИ», который, однако, не был издан.
«Закрытая рыбная выставка» 1990 года была высоко оценена теоретиком искусства и одним из родоначальников московского концептуализма Андреем Монастырским, как один из этапов деидеологизации советского искусства после Ильи Кабакова, Комара и Меламида, завершивший собой этот исторический процесс. Художественная и историческая ценность выставки была отмечена Борисом Гройсом и Екатериной Деготь в текстах, посвященных творчеству Елагиной и Макаревича. «ЗРВ» стала первым в российском контексте примером современного этапа концепцтуализма — экспонатизма (термин впервые введен в употребление Монастырским: художник выставляет свои или реальные музейные экспонаты или их симуляцию), направления, в котором сегодня работают такие актуальные художники, как Евгений Антуфьев, Арсений Жиляев, Ян Гинзбург и другие.
АКТУАЛЬНОСТЬ РЕКОНСТРУКЦИИ
Художественная практика Яна Гинзбурга (1988), представляющая собой неканонический пример работы с памятью в российском современном искусстве, принадлежит архивному дискурсу, ключевому для международного эстетического контекста последних лет. Выстраивая диалог с различными художниками или анализируя то или иное художественное явление — обычно в фокусе внимания Гинзбурга оказывается именно история искусства или эстетические теории, — автор выявляет предпосылки и механику художественного процесса.
Обращение Гинзбурга к «Закрытой рыбной выставке» связано с новой исторической перспективой, в которой постмодернизм и московский концептуализм становятся таким же удаленным предметом исследования, что и выставка в Астрахани в 1935 году. Изменение подхода к реконструкции, методологии исследования и организации экспозиции в новой выставке соответствует последним тенденциям в области арт-образования и экспозиционных практик. Новый этап реконструкции «Закрытой рыбной выставки» в рамках Биеннале интересен и с точки зрения истории искусства, поскольку в свое время знаковый для отечественного искусства проект Елагиной и Макаревича был отрефлексирован исключительно в узком кругу художников и критиков. Выставка также создает мост между разными поколениями художников: первых постсоветских и современных.
HISTORY MADE И ТРИЛОГИЯ ЯНА ГИНЗБУРГА
Выставка в Центре Вознесенского — завершающая часть трилогии Яна Гинзбурга по исследованию наследия московского концептуализма, после «Тотальной экспозиции» (проект-исследование текста 1987 г. Андрея Монастырского «Земляные работы», ММОМА, Москва, 2016 г.) и «Механического жука» (проект исследование «другого» Ильи Кабакова, галерея «Основа», Москва, 2018 г.).
В рамках спецпроекта Гинзбург представит реконструкции произведений исходной «Закрытой выставки» 1935 года, при создании которых, в том числе, он использовал принцип хистори-мейд.
«History Made» — термин, введённый Анатолием Осмоловским, развивающий идею ready made Марселя Дюшана. Принцип хистори-мейд при создании произведений предполагает использование уникальных объектов, имеющих историческую ценность и связанных с контекстом истории искусства.
Художник, куратор, руководитель института современного искусства «База» Анатолий Осмоловский: «На московской сцене уже идет работа с историческими объектами. Яркий пример — выставка Яна Гинзбурга «Механический жук», посвященная работе Ильи Кабакова «Жук». Гинзбург использовал планшеты самого Кабакова, взятые из его мастерской. Эти планшеты — вид исторического объекта. History made! Или работа Ильи Федотова-Федорова, когда он остатки краски после реставрации картин Кандинского залил в пластиковые колбы».
РАБОТА МОЛОДЫХ ХУДОЖНИКОВ В РАМКАХ СПЕЦПРОЕКТА
Для художников-лаборантов — студентов мастерской Яна Гинзбурга и Дмитрия Хворостова «Введение в research-based art» в Институте современного искусства «База» — была предложена контекстуально-исследовательская рамка. Каждый участник новой выставки должен был выбрать одну работу из проекта Елагиной и Макаревича 1990 года. Работу необходимо было проанализировать, разобрав на материальные и концептуальные компоненты, приблизившись к пониманию того, почему художник создал произведение «именно так, а не иначе». Рассуждение или художественное решение каждого участника должно было иметь связи с расходящимися от «ЗРВ» контекстами: ситуация в искусстве и политические контексты 1935-го и 1990-го года, искусство 1930-х в СССР, искусство Елагиной и Макаревича, поздне-советское и неофициальное искусство, мировое искусство, рыба – вода – стихия и рыбная промышленность. В результате исследований лаборант должен был представить работу под выбранное название объекта с выставки 1990 года. Медиальных ограничений при создании новых работ не предполагалось, однако куратор и художественный руководитель проекта имели право наложить вето или предложить поменять медиум или какой-либо элемент работы. В ходе исследования у художников-лаборантов также была возможность лично обсудить с Еленой Елагиной и Игорем Макаревичем детали их проекта 1990 года.
СПИСОК УЧАСТНИКОВ ПРОЕКТА
Владимир Бынь, 1996 г.р.
Катя Герасименко, 1993 г.р.
Ян Гинзбург, 1988 г.р. (автор идеи/художественный руководитель проекта)
Андрей Дмитренко, 1990 г.р.
Сергей Дорохов, 1988 г.р.
Алёша Ковалёва, 1989 г.р.
Элиза Крейцберг, 1994 г.р.
Иван Лебедев, 1994 г.р.
Кирилл Михайлин, 1992 г.р.
Саша Мороз, 1990 г.р.
Михаил Назаров, 1988
Максим Новиков, 1993
Наталья Орлова, 1991
Анастасия Пальчукевич, 1994
Илья Петров, 1986
Наргиза Санжаева, 1988
Аня Соз, 1993
Дарья Тарасова, 1993
Дмитрий Хворостов, 1985 (куратор проекта)
Все подробности о выставке на сайте Центра Вознесенского.
16 октября галерея «Богородское» Объединения «Выставочные залы Москвы» в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства открывает русско-норвежский проект «The Gathering».
Как показывают опросы общественного мнения, немногие россияне вообще знают, что Россия граничит с Норвегией. Эта граница проходит за Полярным кругом, по земле и воде. Еще эту местность называют Баренц-регион, из-за одноименного моря. Это очень суровый, холодный край с богатейшей историей.
«Основная задача нашего проекта – привлечение внимания к теме национальной идентичности и культурного единства двух стран, ведь дополняя друг друга, мы становимся устойчивее и сильнее», – говорит российский куратор проекта Саша Кременец.
«Можно будет назвать проект успешным, когда появится русско-норвежское сообщество профессиональных художников, принимающее демократические правила игры», – рассказывает норвежский продюсер Гюль Озгер.
В рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства представляем проекты 20 художников, которым нет 25. Видео-работы были созданы в августе 2020, в период, когда первая волна вируса немного отступила, а вторая еще не обозначилась.
Работы объединяет тема тактильности и свободы тела в условиях новых реалий.
Особого внимания заслуживает саунд-арт инсталляция саамского художника Оле-Хендрика Лаффаеля (Норвегия). Песня в культуре саамов играет огромное, если не первостепенное значение и называется Йойк. Йойк подразделяется на личные (их у человека на протяжении жизни может быть несколько) и ситуационные: исполняемые в дороге, во время летнего и осеннего кочевий, на промысле. Йойк, который Оле-Хендрик Лаффаел создал специально для выставки в галерее «Богородское», как раз именно такой, ситуационный, — об искусстве и для искусства.
Куратор: Саша Кременец
Открытие выставки состоится 16 октября в 19:00
Выставка «The Gathering», возрастной ценз 0+
Режим работы галереи — Пн-Вс 11:00 – 20:00
Даты проведения: 16 октября 2020г. — 29 октября 2020 г.
Время работы: с 11:00 до 20:00
Стоимость: полный билет — 100 руб. льготный — 50 руб.
Галерея «Богородское», г. Москва, Открытое шоссе, дом 5, корп.6 , м. Бульвар Рокоссовского
Аккредитация, дополнительная информация:
bogorodskoe@vzmoscow.ru, +7(499)168-30-15
3 ноября в Музее Москвы откроется вторая часть Основного проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства, которая представит три кураторских проекта в одном пространстве.
Международный проект отражает различные форматы репрезентации работ, взаимодействия кураторов и художников. В его рамках был проведен открытый масштабный конкурс для кураторов, по итогам которого из 370 заявок из 64 стран было выбрано три проекта, которые будут экспонироваться в одном из корпусов Провиантских складов Музея Москвы: «Я не знаю, Земля кружится или нет...» Лизаветы Матвеевой и Франчески Альтамуры (Россия и США), «Собственные Места//Архивные пространства» Джулии Морале и Штерре Барентсен (Италия/Великобритания, Германия/Нидерланды), forbidden body language Эльзы Абдулхаковой (Россия), объединяющие 47 художников из 10 стран. Работы будут представлены во втором корпусе Музея Москвы с 3 ноября по 6 декабря.
Список кураторских проектов и художников-участников:
Я не знаю, Земля кружится или нет... (Лизавета Матвеева и Франческа Альтамура):
Анастасия Короткова (Россия)
Анна Афонина (Россия)
Валерия Грай (Россия)
Габи Саххар (Великобритания)
Грегори Калличе (США)
Данини (Россия)
Джозеф Бакли (Великобритания/США)
Дан Хершляйн (США)
Евгений Гранильщиков (Россия)
Марина Стахиева (Россия)
Мария Романова (Россия)
Миколай Собчак (Польша/Германия)
Мэтт Копсон (США)
Никита Селезнев (Россия)
Николас Графиа (Филиппины/Германия)
Пасмур Рачуйко (Россия/Грузия)
Саша Зубрицкая (Россия)
Тереза Хромати (США)
Фин Симонетти (Канада)
Хади Фаллапише (Иран/США)
Шади Аль-Аталла (Саудовская Аравия/ОАЭ/США)
Собственные места//Архивные пространства (Джулия Морале и Штерре Барентсен):
Аня Глейзер (Россия/Великобритания)
Бо Чой (Гонконг/Великобритания)
Джулия Ченчи (Италия)
Камий Левек (Франция)
Ольга Шурыгина (Россия)
Родриго Артеага (Чили)
Габриэль Артеага (Чили)
Тереса Солар (Испания)
Карлос Фернандес Пелло (Испания)
Филдс Хэррингтон (США)
Эмилия Шкарнулите (Литва)
Эспер Постма (Нидерланды/ Германия)
forbidden body language (Эльза Абдулхакова):
Abdulkhakova Stroganov dance company:
Эльза Абдулхакова (Россия)
Герман Строганов (Россия)
Мариам Нагайчук (Россия)
Ева Валиева (Россия)
Вадим Еличев (Россия)
Алена Папина (Россия)
Вадим Еличев (Россия)
Ню Симакина (Россия)
«Хор исполнения желаний»:
Алексей Кирсанов (Россия)
Федор Кокорев (Россия)
Виктория Кудрявцева (Россия)
Вик Лащёнов (Россия)
Февралина Покровская (Россия)
Анастасия Россохина (Россия)
Ню Симакина (Россия)
Евгения Фомина (Россия)
Вместе с кураторскими проектами во второй части Основного проекта будет показана новая работа художницы Саши Пироговой, реализованная в рамках отдельного гранта Биеннале.
Частью пространства также станет Специальный проект Московского международного фестиваля экспериментального кино MIEFF — учебная программа для фильммейкеров «Внеклассные практики», а также открытые еженедельные кинопоказы и дискуссии.
Архитектурное решение Основного проекта выполнено бюро «ХВОЯ» (Санкт-Петербург).
Продолжением первой части Основного проекта станет совместный проект с Музеем Транспорта Москвы «Маршрут № Т» . Художники Игорь Самолет, Алина Глазун, Алиса Омельянцева и Рома Богданов, представившие в сентябре работы на фасадах Музея Москвы, продолжат свои проекты в городской среде и создадут работы на трех остановках (Метро Комсомольская, метро Красносельская, Ольховская улица) и внутри троллейбуса Музейного маршрута «Т». Проект будет реализован в середине ноября.
«В ноябре VII Московская международная биеннале молодого искусства подходит к заключительному этапу, который объединяет процессы и программы, инициированные на запуске. Вторая часть Основного проекта сохранила международный формат — пять кураторов из четырех стран и 47 художников со всего мира используют различные решения для адаптации своих проектов к условиям новой реальности. Организация Биеннале стала возможной благодаря основным принципам, которые были заложены на начальном этапе: процессуальность, открытость, горизонтальные связи, мультидисциплинарность и акцент на механизмах поддержки молодого искусства. Сложная структура проекта в этом году, ориентированная на представление Биеннале, как непрерывного процесса, позволила не только реализовать новые форматы, но и пройти всем участникам период всестороннего опыта, соответствующего сегодняшнему дню и одновременно опережающего его», — Алексей Новоселов, комиссар VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Основной проект
«Я не знаю, Земля кружится или нет...», Лизавета Матвеева (Россия) и Франческа Альтамура (США)
Проект, представленный кураторами Лизаветой Матвеевой и Франческой Альтамура, пройдет в онлайн формате. В рамках него будет разработана отдельная цифровая платформа, на которой участвующие в проекте художники покажут мультимедийные произведения, раскрывающие актуальные страхи и тревоги в абсурдистской форме с использованием черного юмора, сатиры и иронии. Цифровая платформа, разработанная художницей-экспериментатором Джен Лю (США), креативными технологами Доа Джафри (США) и Цю И У (США) и 3D-художником Антоном Козловым (Украина), выступит в качестве основной площадки выставки «Я не знаю, Земля кружится или нет..». Важным компонентом цифровой платформы также станет текстовый компонент, включающий в себя специально написанные тексты художников, эссе и поэтические произведения. Проект в Музее Москвы станет альтернативным физическим пространством, где зрители смогут в индивидуальном режиме познакомиться с цифровой платформой. Цифровая платформа, доступная с 3 ноября, и офлайн-выставка будут функционировать одновременно.
В рамках проекта «Я не знаю, Земля кружится или нет...» на цифровой платформе представлены следующие проекты:
Анна Афонина и Мария Романова, Валерия Грай и Анастасия Короткова (Россия) представят проект «Ворожея». Художницы создадут цифровое путешествие, которое отдаст дань уважения сетевому искусству 2000-х годов. Их совместный проект объединит старые веб-сайты с более неиспользуемыми веб-элементами, звуками, значками, календарями, текстами и видео, а также цифровыми элементами, которые нелегко идентифицировать. Зритель сможет выбрать свой собственный путь навигации подобно опыту флеш-игр.
В своем проекте Aristocrat in the Earth Джозеф Бакли (Великобритания/ США) закопает недавно изготовленную бронзовую скульптуру в грязи в неизвестном месте и представит документацию в формате PDF.
Тереза Хромати (США) разработает творческий код, напоминающий страницу социальной сети Myspace. Автор создаст цифровую версию своих картин, которые в настоящее время находятся на выставке в Delaware Contemporary. Специально для проекта она создаст статический векторный файл и новый звуковой ландшафт. В своей цифровой работе Мэтт Копсон (США) переосмысливает стандартных персонажей эпоса — лису и медведя. Иногда они пересекаются идентичностями из разных фан-фикций, а иногда являются частью более самодостаточного повествования, как, например, диалог Беккета между птицей и лисой.
Данини (Россия) подготовит новую мультимедиа работу, которая станет местом сборки уже известных персонажей художницы, — ее дебют произойдет на цифровой платформе. Хади Фаллапише (Иран/ США) покажет новую анимационную работу, в которой есть отсылки как к инсталляциям и живописи художника, так и его перформансам. Николас Графиа (Филиппины/ Германия) и Миколай Собчак (Польша/ Германия) представят документацию нового перформанса «Rooms».
Евгений Гранильщиков (Россия) покажет видеоработу «Драма». Дэн Хершлейн (США) представит анимационное видео в технике stop-motion. Это будет первая видеоработа художника. Пасмур Рачуйко (Россия, Грузия) подготовит цифровой архив своего исследовательского проекта «Дикий Корм», в котором художник собирает и готовит дикорастущие травы и растения. Габи Саххар (Великобритания) впервые представит одноканальное видео Truth and Kinship, а также 5 новых живописных работ, перенесенных в цифровое пространство.
Никита Селезнев (Россия) представит фильм «На кончике языка» с фрагментами сцен, репрезентирующих любовные отношения. Коллаж, лежащий в основе фильма, составлен из изображений, найденных в интернете. Среди них кадры из фильмов, любительские и рекламные фото, работы художников, афиши и другое. Фин Симонетти (Канада) и Грегори Калличе (США) создадут несколько скринсейверов, которые можно будет скачать.
Проект Марины Стахиевой (Россия) From home with Love — это поиск личного места силы, возвращение к истокам посредством рассказа о своем доме и интуитивного сочетания фотографий лиц местных жителей и пейзажей. Художница представит зин и впервые покажет видео. Визуальный лонгрид, созданный на основе проекта «Мастер Ключ», Саши Зубрицкой (Россия) будет представлен в виде свободного макета с большим количеством элементов — GIF-файлов, видео, фрагментов текста и градиентов, дополняющих повествование.
Собственные места//Архивные пространства. Джулия Морале и Штерре Барентсен
Проект инсталлирован по результатам дистанционного взаимодействия с художниками и кураторами и исследует суть определения архива, объединяя художников десяти разных национальностей. Произведения, которые были задуманы или адаптированы для показа в Москве, будут исследовать периферийные, часто забытые контексты со всего мира, а также демонстрировать локальные проявления пространства и времени, будь то сибирский город XIX века, рыбацкая деревня в Узбекистане, небольшая сельскохозяйственная община на холмах Тосканы или субъекты армянской диаспоры в Париже. Проект «Свободные места//Архивные пространства» стремится показать, что архив представляет собой не только авторитетное собрание документов или институциональный метод принуждения, но и может быть использован как личный способ сбора воспоминаний или систематизации знаний. Выставка призвана замедлить темпы создания, потребления и мышления об искусстве.
Кураторский проект, представленный Джулией Морале и Штерре Барентсен разделен на три группы:
Коллекция
В первой части проекта будут выражены истории, скрытые в материальной культуре, а не в письменных документах.
Свидетели антропогенного и естественного разрушения вещей, художники, представленные в этой части выставки, соберут различного рода останки, показывающие, как истории прошлого могут сохраняться в материальных объектах.
Экспозиция открывается работой Джулии Ченчи (Италия) Ininterrottamente (Continuously), посвященной хрупкому балансу между разрушением и созданием нового. Из ее бесед с тремя местными жителями Тосканы, занятыми в сельском хозяйстве, родилась новая сельскохозяйственная машина, собранная из ненужных деталей старых машин. Художница задается вопросом о том, способны ли группы с разными интересами работать вместе при ограниченных ресурсах, изобретая новое будущее.
Работы Dark Waters Родриго Артеаги и «Если время бесконечно, то мы находимся в любой его точке» Габриэля Артеаги (Чили), показывают, что даже крошечная песчинка может хранить информацию на протяжении сотен лет. Разглядывая под микроскопом кучу песка посреди кабинета-инсталляции, зритель откроет для себя целый информационный микрокосм, при помощи которого Артеага продемонстрирует разнообразие возможных подходов к получению знания. В своей масштабной инсталляции Ольга Шурыгина (Россия) собрала более трех тысяч керамических блюд и выложила ими дно высохшего Аральского моря, чтобы создать «мираж».
Реконструкция
Художники, представленные во второй части создадут пространства, в которых записываются, сохраняются и рассказываются маргинальные истории, существующие на грани забвения, с использованием архивных материалов и исторических свидетельств.
Фильм Эмилии Шкарнулите (Литва) «Алдона» призван играть со зрением: восстанавливая маршрут, которым незрячая бабушка художницы ежедневно проходила по советскому парку скульптур. Шкарнулите представит нетрадиционный подход к изучению истории, основанный на тактильном восприятии и воображении, а не на зрительном и интеллектуальном исследовании. Работа Филдса Хэррингтона (США) и совместный проект Тересы Солар и Карлоса Фернандеса Пелло (Испания) посвящены техническим изобретениям недавнего прошлого. Художники заостряют наше внимание на этическом аспекте научных открытий. В центре исследования Солар и Пелло – фигура Гарольда Эджертона — изобретателя техники скоростной фотосъемки и стробоскопа, которые впоследствии сделали возможным изобретение атомной бомбы. Работа Хэррингтона посвящена истории спирометра — медицинского прибора для измерения объема легких, изобретенного в XIX веке и послужившего инструментом расовой дискриминации афроамериканцев.
Восстановление
В заключительной части художники выйдут за пределы собраний исторических документов и официальных записей и воспроизведут в реальности истории, спрятанные в мириадах документов.
Эспер Постма (Германия, Нидерланды) отправится в путешествие, повторяющее поездку своего деда по Яве на основе оставленных путевых заметок, а Камий Левек (Франция) создаст собственное воображаемое цифровое путешествие, — благодаря их работам документы оживают в пространстве. Аня Глейзер (Великобритания) в «Бабушкиных костях» изучит связи между художественным творчеством и антропологией в ХХ веке, опираясь на материалы из архива антрополога Марии Чаплицкой. Камий Левек и Бо Чой (Гонконг/Великобритания) исследуют собственное женское наследие. Как дочери и внучки, они создадут матриархальные архивы: Левек представит воображаемый диалог между ней и ее бабушкой Люси Кахутян, а фильм Чой будет обращен к личной и коллективной памяти, заключенной в объектах, оставленных ее матерью.
forbidden body language. Эльза Абдулхакова
В рамках проекта forbidden body language будет представлено 6 перформативных художественных проектов в одном пространстве, которое будет использоваться как резиденционное: для репетиций, исследовательского процесса и налаживания контактов.
Проект развенчивает запреты, связанные с телом. Основная идея заключается в доступности языка тела, в его разнообразии и возможности адаптации к каждому. Одна из задач проекта — вовлечь аудиторию в процесс создания искусства, поэтому часть участвующих в проекте художественных работ — лабораторные — и позволят желающим быть вовлеченным зрителем или полноценным участником, соавтором. Базовый сценарий адаптации участвующих в проекте работ для широкой аудитории – открытые практические классы, репетиции и разминки. Проект продолжает запущенную в декабре 2019 года на базе библиотеки им. Н.А. Некрасова Лабораторию движения «6 квадратных метров» – серию тематических встреч и практических классов с прицелом на углубление и расширение исследований телесных практик и движения.
Abdulkhakova Stroganov dance company — Эльза Абдулхакова и Герман Строганов (Россия) — покажут работу «Сказка теней», посвященную исследованию тени как категории неприятного и невидимого повседневным взглядом состояния, раскрывая вариативность теней и их предъявление наружу.
Мариам Нагайчук и Ева Валиева (Россия) в проекте STHIRAS занимаются исследованием старости как иной формы бытия человеческого тела через движение, прикосновение, сонастройку тел, эмпатию и внимание.
Вадим Еличев (Россия) реконструирует ситуацию попадания в шкатулку через создание некой идеальной формы танца для одного зрителя. Его работа «Шкатулка» будет посвящена восприятию отношений, в том числе — сексуальных.
Алена Папина и Вадим Еличев (Россия) представят работу Female Gaze по мотивам исследования гендера через анатомию, социальные конструкты, стереотипы и личные ощущения.
Ню Симакина (Россия) проведет Лабораторию «афония», посвященную работе с голосом, в рамках которой участники будут искать собственный голос, исследовать звучание в ситуациях публичности и непубличности, связывать между собой возможность свободно разговаривать с ощущением своего голоса и тем, что проговаривается вслух.
Состав определится по результатам открытого набора, к которому приглашены практикующие перформеры, вокалисты, художники и другие, кто интересуется работой со своим голосом и готов делать это в коллективе.
Заявки принимаются до 10 ноября включительно. Ссылка на форму опен-колла.
«Хор исполнения желаний» (Россия) — Алексей Кирсанов, Федор Кокорев, Виктория Кудрявцева, Вик Лащёнов, Февралина Покровская, Анастасия Россохина, Ню Симакина, Евгения Фомина — попробует объединить объекты искусства через слушание, чувствование и предоставление им голоса, выстраивание с ними отношений и наделение звука агентностью.
Расписание показов и других событий проекта будет опубликовано на сайте Биеннале, в социальных сетях Лаборатории движения «6 квадратных метров».
Вне времени. (2020)
Саша Пирогова, представлявшая павильон России на 57-й Венецианской Биеннале, в соавторстве с Мариной Фридман создала первую за последние два года видеоработу «Вне времени» .
«Данная работа по своей сути является новацией: она олицетворяет новый взгляд на искусство, на его незаменимую роль в мире. Это взгляд на любовь, как величайшее явление, и как это явление проявляется в мире искусства.
Эта работа о любви и этим великим чувством пропитан каждый ее миг. Мы надеемся, что впечатление от увиденного будет настолько мощным и жизнеутверждающим, что ваша жизнь обязательно изменится к лучшему. Во всяком случае, мы все сделали, чтобы это было так, вам осталось только почувствовать это!
Мы взяли на себя ответственность замахнуться на эту вечную тему, прекрасно понимая, что это то, в чем мы все отчаянно нуждаемся сегодня, то, что поддерживало и будет поддерживать всех нас во все времена.» — говорят авторы проекта Саша Пирогова и Марина Фридман.
Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства и Московского международного фестиваля экспериментального кино MIEFF — учебная программа «Внеклассные практики» .
Программа «Внеклассные практики» займет отдельную зону в пространстве Основного проекта. В рамках специального проекта будут проходить еженедельные кинопоказы, дискуссии и встречи со студентами. Программа создана для молодых фильммейкеров, цель которой пошатнуть устоявшееся представление о том, как и зачем делать кино. Смешивая актуальную теорию искусства и практические занятия, проект предложит двенадцати участникам, представителям разных российских кино и арт-школ, посмотреть на режиссуру с другой стороны. В рамках программы будут показаны восемь экранных работ, посвященных киноколлективам. Коллектив — это разнообразие мнений и опыта, и в программе кураторы старались придерживаться этого разнообразия — как с точки зрения гендерной, расовой и классовой репрезентации, так и с точки зрения кинематографической формы. Проект пройдет с 3 ноября по 6 декабря в Музее Москвы.
Вторая часть Основного проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства объединит всю структуру Биеннале, в рамках которой уже стартовала первая часть Основного проекта в Музее Москвы с результатами конкурса для художников, 7 специальных проектов, часть из которых продолжается в выставочных пространствах Москвы. Также совместно с Фондом Поддержки современного искусства Винзавод Биеннале запустила Образовательную программу, которая состоит из трех блоков: цикл из пяти международных дискуссий «Салон отверженных категорий», «Дневник биеннале», объединивший сообщества теоретиков и критиков искусства, и практическая часть: серия мастер-классов из печатных мастерских. В рамках Биеннале молодого искусства с сентября проходит Параллельная программа, включающая 23 проекта различных московских институций. Завершит Биеннале Программа портфолио-ревю, направленная на выявление молодых художников из регионов России, которые будут отобраны для участия через open call, стартующий с 5 ноября. Программа пройдет с 1 по 4 декабря в Москве по следующим направлениям: арт, медиа-арт и арт-критика. Институциональными партнерами Портфолио-ревю стали ГМИИ им. А.С.Пушкина и ГЦСИ, журнал Диалог искусств, Артгид и Московская школа современного искусства.
Специальные проекты Биеннале молодого искусства в октябре и в ноябре
Центр Вознесенского при участии Института современного искусства «БАЗА» представил проект «ЗАКРЫТАЯ РЫБНАЯ ВЫСТАВКА. РЕКОНСТРУКЦИЯ». Проект в Центре Вознесенского — реконструкция молодыми художниками одного из ключевых событий в истории московского концептуализма — «Закрытой рыбной выставки» Игоря Макаревича и Елены Елагиной, отмечающих в этом году 30-летие совместной деятельности. Выставка открылась 21 октября и продлится до 22 ноября. Художественный руководитель и автор идеи — Ян Гинзбург, куратор — Дмитрий Хворостов.
В Государственном музейно-выставочном центре «РОСИЗО» проходит выставка «Карта человеческой природы», которая будет работать по 1 ноября. Для участия в спецпроекте было подано более 200 заявок от современных художников, из которых отобраны 19 авторов.
На выставочных площадках Москвы проходят следующие проекты:
Выставка «Это все что». Проходит до 15 ноября в галерее «Электромузей в Ростокино» ;
Выставка «Окрестности». Проходит до 8 ноября в галерее «Пересветов переулок» ;
Выставка «Разархивизация». Проходит до 29 ноября в галерее «Нагорная» ;
Выставка «The gathering». Проходит до 29 октября в галерее «Богородское» ;
Выставка «За заборами заборы». Проходит до 8 ноября в галерее «Здесь на Таганке» ;
Выставка «Системы.Сверхсистемы». Проходит до 22 ноября в галерее «Ходынка» ;
Выставка «Семейные ценности». Проходит до 10 января в галерее «На Песчаной» .
Московская международная биеннале молодого искусства — масштабный проект в области современного искусства в России. Задачи биеннале — открытие новых имен, поддержка и стимулирование творческих инициатив художников и кураторов нового поколения, создание условий для их публичного высказывания и, как следствие, развитие среды современного искусства и международной интеграции. Московская международная биеннале молодого искусства проходит с 2008 года. Начало проекту положили ежегодный фестиваль молодого искусства «Стой! Кто идет?» (проводился Государственным центром современного искусства (ГЦСИ) ежегодно с 2002 по 2006 год) и выставка молодого искусства «Мастерская» (проводится Московским музеем современного искусства ежегодно с 2001 года по настоящее время). Проект активно развивается и продолжает поиск новых направлений в сфере поддержки молодого искусства, вовлекая в проект культурные институции, заинтересованные в развитии молодого искусства, а также работая с городской средой. VII Московская международная биеннале молодого искусства пройдет до 6 декабря и состоит из конкурсной программы Основного проекта, специальных проектов, образовательной программы, региональной программы портфолио-ревю и проектов параллельной программы. Расписание образовательной онлайн программы, а также даты открытия проектов биеннале ищите на сайте youngart.ru
Московский музей современного искусства — первый в России государственный музей, основанный в 1999 году Президентом Российской Академии Художеств Зурабом Церетели. Его личная коллекция, состоявшая более чем из 2000 работ известных художников XX века, положила начало музейному собранию, которое в настоящее время является одним из самых представительных собраний отечественного искусства XX столетия. ММОМА является активным участником художественной жизни страны и располагается на шести площадках города. Также в сердце столицы открыт Образовательный центр ММОМА, где можно посетить библиотеку по искусству, музейное кафе, лекторий и увидеть работы из коллекции ММОМА. Приоритетными направлениями деятельности институции также являются образование в сфере искусства, поддержка молодых художников, собственная издательская программа, разработка инклюзивных проектов, научная деятельность и лабораторная экспертиза. Сегодня музей активно развивает региональную программу и способствует поддержанию единого ритма художественной жизни страны. В 2019/2020 годах ММОМА празднует 20-летний юбилей. www.mmoma.ru
Музей Москвы основан в 1896 году. Музей располагается в Провиантских складах, памятнике архитектуры федерального значения. Фондовая коллекция насчитывает около 800 000 единиц хранения, в том числе богатое собрание археологических артефактов. Музей Москвы также включает несколько филиалов: Музей археологии Москвы, Музей истории Лефортово, Центр Гиляровского. www.mosmuseum.ru
Часы работы Основного проекта VII Биеннале в Музее Москвы — с 12.00 до 22.00
Вторая дискуссия в рамках образовательной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства состоится 26 октября в 19:00 по Москве.
УЧАСТНИКИ ДИСКУССИИ
Профессор Ева Иллоуз (Eva Illouz, Израиль), критик Борис Клюшников (Россия), Наталья Протасеня (Россия).
Куратор — Андрей Шенталь.
«Неологизм «счастьекратия» описывает общество, которым правит позитивное мировосприятие и требование наслаждаться своей жизнью. Популярная психология приучает избавляться от негативных мыслей, а позитивное образование — подавлять критическое мышление как несовместимое с развитием предпринимательских навыков. Положительные эмоции — ходовой товар сервисной экономики, а улыбающийся работник или работница становятся признаком клиентоориентированности и залогом коммерческого успеха. Состояние счастья производится сегодня индустрией: от звездных коучей, тренингов и онлайн-марафонов до руководств по благополучию и мотивационных цитат Вконтакте. Те, кто не способен самостоятельно выработать эмоциональный интеллект, могут положиться на психотерапевтов или ингибиторы обратного захвата серотонина.
Тем не менее, несмотря на эманацию счастью, статистика свидетельствует о прогрессирующем росте распространенности депрессивных расстройств, количестве самоубийств даже в благополучных странах. В отличие от культуриндустрии, медиа и социальных сетей искусство остается одной из последних зон свободных от диктатуры позитива. Если негативность была ключевой категорией модернизма (например, искажая привычные взгляду формы), то последнее, в чем можно уличить современное искусство, так это в эмоциональном обслуживании публики. Как полагал «мастер негативности», Теодор Адорно в помраченной объективной реальности, позитивность искусства парадоксальным образом заключается в его противоположности: оно «словно хочет своими заклинаниями предотвратить катастрофу, нарисовав ее картину». Андрей Шенталь, куратор цикла международных дискуссий.
В рамках второй дискуссии цикла «Салон отверженных категорий» социолог Ева Иллуз расскажет о том, как неолиберальная культура производит «счастливых субъектов» и нормализует поиск счастья через психологию, теоретик искусства Борис Клюшников противопоставит понятие счастья в эстетике и искусстве господствующей идеологии позитивного мышления, а философ Аарон Шустер опишет парадоксы наслаждения и желания быть счастливым, используя примеры из философии, психоанализа, литературы и поп-культуры.
В рамках кураторского проекта forbidden body language (куратор: Эльза Абдулхакова) представлено 6 перформативных художественных проектов в одном пространстве, которое используется как резиденционное: для репетиций, исследовательского процесса и налаживания контактов.
Все мероприятия проходят в пространстве Основного проекта в Музее Москвы.
Вход платный. Количество билетов ограничено.
Купить билеты можно на сайте Музея Москвы: http://mosmuseum.ru/
Также, кинопрограмма «Время совместных действий» (Специальный проект VII Московской международной биеннале молодого искусства и Московского международного фестиваля экспериментального кино MIEFF) займет отдельную зону в пространстве Основного проекта. Серия из восьми показов, приуроченная к учебной программе «Внеклассные практики», посвящена киноколлективам со всего света. Три группы прошлого и пять сообществ настоящего представляют различные формы сопротивления от юнионизации рабочих-женщин в Британии 1970-х («Ночные уборщицы» Berwick St Collective) и Индии 1980-х (фильмы Yugantar Film Collective) до эко-активизма («Подводное течение» Рори Пилгрима) и протеста против насилия на расовой почве (работы Black Audio Film Collective). В свою очередь российские участники программы — группа «Червоград-фильм» с черно-белой немой фантасмагорией «Житие Гореслава Чуждоземного» — радикально отклоняются от мейнстримного кинопроизводства в пользу свободного коллективного самовыражения.
Кураторы программы: Михаил Захаров, Владимир Надеин, Рита Соколовская.
Вход на все сеансы кинопрограммы бесплатный по регистрации.
РАСПИСАНИЕ ПЕРФОРМАНСОВ
7 ноября
16:00 - 17:00
Перформанс «Хор исполнения желаний за объединение объектов искусства»
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Алексей Кирсанов, Федор Кокорев, Виктория Кудрявцева, Вик Лащёнов, Февралина Покровская, Анастасия Россохина, Ню Симакина, Евгения Фомина
Билеты можно купить здесь
8 ноября
18:00 - 19:00
Перформанс «Sthiras». Мариам Нагайчук, Ева Валиева
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Хореограф: Мариам Нагайчук
Исполнители: Александр Абриталин, Марина Бауэр, Владимир Захаров , Олеся Лемешева, Антонина Медведева, Татьяна Мельникова, Анастасия Соколова, Елена Феоктистова
Видео: Игорь Несмеянов
Звук: Макс Сергеев
Билеты можно купить здесь
15 ноября
19:00 - 20:00
Перформанс «Sthiras». Мариам Нагайчук, Ева Валиева
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Хореограф: Мариам Нагайчук
Исполнители: Александр Абриталин, Марина Бауэр, Владимир Захаров , Олеся Лемешева , Антонина Медведева, Татьяна Мельникова, Анастасия Соколова, Елена Феоктистова
Видео: Игорь Несмеянов
Звук: Макс Сергеев
Билеты можно купить здесь
21 ноября
19:00 - 20:00
Перформанс «Sthiras». Мариам Нагайчук, Ева Валиева
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Хореограф: Мариам Нагайчук
Исполнители: Александр Абриталин, Марина Бауэр, Владимир Захаров , Олеся Лемешева , Антонина Медведева, Татьяна Мельникова, Анастасия Соколова, Елена Феоктистова
Видео: Игорь Несмеянов
Звук: Макс Сергеев
Билеты можно купить здесь
22 ноября
18:00 - 19:00
Перформанс «Female Gaze». Алина Папина, Вадим Еличев.
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Билеты можно купить здесь
28 ноября
19:30 - 20:30
Перформанс по итогам Лаборатории «афония».
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Ню Симакина и участники лаборатории
Билеты можно купить здесь
29 ноября
16:00 - 17:00
Перформанс «Хор исполнения желаний за объединение объектов искусства»
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Алексей Кирсанов, Федор Кокорев, Виктория Кудрявцева, Вик Лащёнов, Февралина Покровская, Анастасия Россохина, Ню Симакина, Евгения Фомина
Билеты можно купить здесь
3 декабря
20:30 - 22:00
Перформанс «Сказка теней»
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
ASDC - Abdulkhakova Stroganov dance company: Эльза Абдулхакова, Герман Строганов
Билеты можно купить здесь
5 декабря
19:30 - 20:30
Перформанс по итогам Лаборатории «афония».
Основной проект: forbidden body language
Куратор: Эльза Абдулхакова
Ню Симакина и участники лаборатории
Билеты можно купить здесь
РАСПИСАНИЕ КИНОПРОГРАММЫ
05 ноября
19:00–22:00
«Увертюры»
Ансамбль «Живые и мертвые»
Великобритания/Франция
2020
132 мин
08 ноября
19:30
«Подводное течение» + Q&A
Рори Пилгрим
2019
50 мин
Вход бесплатный по регистрации
12 ноября
20:00
«Ночные уборщицы»
Коллектив «Бервик-стрит»
Великобритания
1975
90 мин
Вход бесплатный по регистрации
15 ноября
20:00
Показ репортажей группы DIVA TV:
Вход бесплатный по регистрации
«Целься в ратушу»
DIVA TV
США
1989
28 мин
«Прайд 69-89»
DIVA TV
США
1989
28 мин
Like a Prayer
DIVA TV
США
1991
28 мин
22 ноября
20:30
Показ работ киноколлектива «Югантар»:
Вход бесплатный по регистрации
«Служанка»
Киноколлектив «Югантар»
Индия
1981
25 мин
«Табачные угли»
Киноколлектив «Югантар»
Индия
1982
25 мин
«Выдумка ли это?»
Киноколлектив «Югантар»
Индия
1983
25 мин
27 ноября
19:30
Показ работ Rojava Film Commune + Q&A:
Вход бесплатный по регистрации
«Истории разрушенных городов»
Шеро Хинде (кинокоммуна «Рожава»)
Сирия
2016
77 мин
«Дом»
Севиназ Эвдике (кинокоммуна «Рожава»)
Сирия
10 мин
«Мое имя на камне»
Зилан Хемо (кинокоммуна «Рожава»)
Сирия
10 мин
29 ноября
20:00
«Житие Гореслава Чуждоземного» + Q&A
«Первая Червоградская киностудия»
Россия
2019
64 мин
Вход бесплатный по регистрации
2 декабря
19:30
Показ короткометражных работ Karrabing Film Collective + Q&A:
Вход бесплатный по регистрации
Трилогия вторжения
«Кода собаки заговорили»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2014
34 мин
«Уинджаррамеру, вороватые $уки»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2015
36 мин
«Вутар, соленые сны»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2016
29 мин
«День из жизни»
Киноколлектив «Каррабинг»
Австралия
2020
32 мин
Третья дискуссия в рамках образовательной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства состоится 9 ноября в 19:00 по Москве.
Профессор Джэк Халберстам (Jack Halberstam, США), Габи Саххар (Великобритания), Анастасия Вепрева (Россия).
Модератор — Франческа Альтамура (США).
Куратор — Андрей Шенталь.
Времена героев с большой буквы остались в прошлом; за ними последовали представления гениальности и великие жесты. Однако силовые представления об успехе сменили образы успешной карьеры, наборы антрепренерских навыков и статусное потребление в инстаграме. Главная ролевая модель современного общества — это self-made man, индивид, который достиг финансового преуспевания или высокого символической статуса своими собственным усилиями. Жизненный цикл должен следовать по возрастающей — в виде постоянного карьерного роста, повышения зарплаты, накопления социального капитала. Это касается не только мужчин, но, как справедливо заметила философ Нина Пауэр, «требование быть адаптивным работником, постоянно заниматься нетворкингом, продавать себя, в сущности, стать чем-то вроде ходячего CV — ощущается в развитом мире в равной мере обоими полами».
Таким образом, человеческая субъективность становится неотличимой от послужного списка и честолюбивых амбиций. Неудивительно, что культ успеха порождает различные тревожные расстройства, связанные со страхом неудачи, социальную апатию и возрастные кризисы. Однако, возможно, именно неудача или слабость скрывают в себе эмансипационный потенциал. На этом в частности настаивает т. н. «антисоциальная квир-теория», которая ставит под вопрос не только исполнение предписанных гендерных ролей, но и интегрированность, адаптивность и приспособленчество. Современное искусство, пришедшее на смену мачистским жестам авангардистов, также заняло критическую позицию. Начиная с Брюса Наумана, некоторые художники поставили под сомнение художественную продуктивность, воспевали творческий кризис или бездействие.
17 октября в галерее «Здесь на Таганке» Объединения «Выставочные залы Москвы» открылась персональная выставка молодого художника Александра Зайцева «За заборами заборы» в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства.
Выставка «За заборами заборы» является логическим продолжением серии работ «Городские ландшафты», которую Александр Зайцев развивает с 2010 года. Работы серии всегда вдохновлены конкретным городским пространством, которое вызвало отклик у художника. Выбор места определяется визуальными особенностями города, смысловыми кодами среды и внутренним восприятием автора. Цель художника – сохранение образа места во времени, попытка изучить среду, перевести ее в поле беспредметного изображения, в поле тонких связей невербальных отсылок.
Центральный образ выставки «За заборами заборы» – Москва и её неотъемлемая часть – бесконечные заборы. Заборы – городской элемент, формирующий настроение и атмосферу, как ограничитель пространства, как символ защиты или запрета. Визуальный образ городского ландшафта выстраивается из элементов различных ограждений и связанных с ними паттернов.
Александр Зайцев создаёт портрет среды, альтернативную реальность, трансформируя пространство в графическую утопию, в визуальный (абстрактный) цветовой код места.
В экспозиции выставки будет создана тотальная живописная инсталляция, которая создаст общую метафору одной большой стены заборов бесконечно преследующих каждого. Сами картины дополняются различными объектами и становятся частями инсталляционных решений.
На выставке будут представлены многолетние наработки автора, а также работы, созданные специально к выставке «За заборами заборы».
Выставка «За заборами заборы» (16+)
Открытие выставки состоится – 17.10.20; 19.00
Даты проведения: 17.10.20 – 08.11.20
Время работы: вт-вс 11.00-20.00
Стоимость:200 руб. (100 руб. – льготный билет)
Галерея «ЗДЕСЬ на Таганке» Объединения «Выставочные залы Москвы»
Ул. Таганская, д.31/22, м. «Марксистская»/«Таганская»
8 (495) 678-55-78
zdesnataganke@vzmoscow.ru
www.vzmoscow.ru
https://www.facebook.com/VZnaTaganke
О Дневнике биеннале
Куратор: Борис Клюшников
Дневник VII Московской международной биеннале молодого искусства объединит в цифровой среде авторов и исследователей, рассматривающих биеннале с различных сторон как важное явление в искусстве, требующее комментариев и профессионального осмысления. Цифровая платформа figma выбрана как агрегатор для материалов участников Дневника биеннале, наиболее релевантный предполагаемым форматам: тексты-рефлексии, субъективные дневниковые записи, подкасты, экскурсии, поэтические проекты, библиографические списки.
Созданные материалы сформируют среду DIFA (дифракционную карту биеннале), где авторы обозначают собственные маршруты, избегающие тотализации. Раз в неделю, во вторник, на сайте биеннале и лабораторий участники проекта представят критический дайджест, объединяющий опубликованные на DIFA материалы для более простой навигации читателей. Таким образом, проект строится по принципу трансверсальности — диагонального движения от горизонтальных хаотических миров к случайно вспыхивающим опорным точкам, которыми становятся дайджест и экскурсии.
Дифракционная карта биеннале (DIFA) представит различные способы взаимодействия с искусством, среди них — аудиальный, синеститический, теоретический, фикциональный, экскурсионный и аутокритический. Подобно тому, как дифракция отклоняет свет от его прямолинейной траектории, карта отклоняет восприятие искусства от интерпретации, например, куратора, рассеивает главенство теории в восприятии произведений.
Каким образом материалы DIFA связаны с пространством биеннале? Мне кажется важным, что помимо выставки и панельных дискуссий, сама психогеография и культурная медиация выставочного опыта получает сегодня критическое значение. Экспериментальные мерцающие коллективы рассматривают биеннале как среду, выявляя изначальную множественность способов взаимодействовать с искусством. Задача состоит не в вердиктах, а в возможности сделать видимым сам механизм восприятия выставки. Можно вспомнить об идее «сверхинклюзивной интерпретации», которая размывает привычные границы и перегородки между понятиями и произведениями.
В течение проекта в цифровой среде появится система библиографических референсов: мы спросим у художников, кураторов, координаторов и работников биеннале о книгах и текстах, повлиявших на их практики, создавая «книжную полку» проекта.
По ходу биеннале к Дневнику присоединятся мерцающие коллективы и проекты. Как видно из уже описанных форматов, цифровая платформа акцентирует внимание на эксперименте с возможностями восприятия опыта биеннале. Важно отказаться от шаблонных автоматических способов посещения выставки и настроить критическое отношение к воображаемой ре-медиации. Создавая поэтические, политические и фантастические отклонения от маршрутов, можно раскрыть возможности искусства в области «сверхвключающей интерпретации».
Проекты Дневника биеннале:
— Дискуссия создательниц cyberfemzine.net Йожи Столет (СПб) и Лики Каревой (Мск) об отчужденных способах восприятия искусства: от видения, обеспеченного нечеловеческими трансцендентальными аппаратами, до наблюдения событий и объектов буквально на расстоянии, из другой страны или города через браузеры и социальные сети.
— Серия подкастов «На последнем издыхании» от медиа-активистского объединения Кафе-мороженое (Даша Юрийчук, Анастасия Дмитриевская) совместно с Сашей Шестаковой из Кооператива распределенного сознания. Основной темой станут трудовые отношения в искусстве: «за последнее время в художественном сообществе вспыхивало множество скандалов об отсутствии гонораров, отказе от ответственности, несдержанных обещаниях относительно условий труда. Биеннале молодого искусства является частью экосистемы искусства и, как и другие крупные проекты, транслирует и задает принципы отношения к творческим работни_цам и их труду.
— Серия подкастов, проблематизирует эти кейсы и сосредоточит внимание на инфраструктурной критике трудовых отношений в искусстве. К записи каждого подкаста мы пригласим гостей для обсуждения профессиональных отношений в искусстве, отказываясь от логики конкуренции друг с другом, понимания системы солидарности и заботы об условиях своего труда».
— Альманах-огонь, исследующий пересечения между поэзией, звуком и музыкой соберет аудиогид Sonic Guide по выставке. Трек-лист может быть обычным микстейпом, или переработанные художниками саундскейпы, записанные непосредственно на биеннале. К каждому трек-листу прилагается возможный маршрут по экспозиции. В процессе частного прослушивания не собираются данные о выставке, а производятся чувственные и неповторимые измерения опыта восприятия искусства и места, в которое оно помещено. Звук особым образом деформирует пространство во время прохождения через него и устанавливает нестабильные контакты между экспонатами, посетителями и тем промежуточным (эфемерным) миром, который он производит. Помимо аудиогида альманах-огонь запишут репортажи-дневники, посвященные темпоральным произведениям (видео, перформансам): «репортажи содержат описание частного восприятия работ на выставках биеннале: как наблюдение за собой, так и за тем, что наблюдается. Они могут включать факты, ощущения, воспоминания, совпадения. Помимо текста репортажи включают в себя иллюстрации: зарисовки или съемки на телефон».
— Мастерская Практики письма, состоящая из художниц и художников школы мультимедиа и фотографии им. Родченко, представят 3D-интервью. Работа представлена в виде переходящих по нитям социальных контактов «методом сарафанного радио» впечатлений, формирующих разрозненную картину биеннале.
— Отдел практической аффектологии сфокусируется на теме синестезии, предметом исследования станут проявления синестезии и последствия ее феноменологической природы. Возможно, синестезия представляет из себя базовый механизм для развития метафор, ставит под вопрос фундаментальные представления о природе биологических систем. В диалоге с проектами и работами биеннале исследователи и художники Отдела попробуют ответить на вопрос, насколько механизмы, поддерживающие синестезию, схожи или отличны от механизмов, лежащих в основе не-синестетического опыта, а также о том, как синестезия связана с перцептивной организацией и вниманием.
— Участники мастерской им. Маркузе напишут тексты с видео-вставками. Одной из тем текстов будет восприятие биеннале молодого искусства старшим поколением, пожилыми людьми.
— Кружок по научной фантастике «Слово для Леса и Мира» продумает фикциональную экскурсию по выставке, в которой представлены кураторские нарративы и художественные работы перейдут в воображаемый контекст научнофантастических текстов, где у искусства появится совсем другая функция.
Автор текста: Борис Клюшников
Участники альманаха-огонь (http://fajro.online), исследующего междисциплинарное поле поэзии и звука, работают над преломлением звукового синтаксиса выставочных пространств биеннале. Обсуждая участие в цифровой среде ДИФА (Дифракционная карта биеннале), для нас было важно обозначить смещение в восприятии искусства с теоретического и критического описания к множеству телесных, материальных модальностей.
Тактильность, перцептуальные миражи, звуковые фикции и хонтология сред уточняются в эссе Екатерины Захаркив. Таким образом, подвергается сомнению преимущество оптического и интеллектуалистского отношения к произведениям. В тексте даны краткие исторические ориентиры выбранных методов.
Куратор «Дневника биеннале» Борис Клюшников
Катя Захаркив, эссе «Соник-гид, хрупкий и нежный»
1. Непроницаемая для зрения материальность звука проявляет нестабильные контакты реальности и возможности в многократном осязании: аудиальная фата-моргана, соединяющая внешнее и внутреннее, вещественное и эфемерное. Звук проникает в действительные и метафорические уголки и трещины и исследует их, не пренебрегая основной целью и значением места, которое их скрывает. Процесс личного прослушивания стимулирует не столько интерес к фактическим данным экспозиции (хотя и не мешает ему), сколько производство неповторимых измерений потенциальной галереи, по залам которой я иду.
Звук подобен полтергейсту (poltergeist – «шумный дух», нем.), который генерирует спорадическое пространство во время прохождения через него, в собственной невидимой темпоральности сливаясь с темпоральностью видимой. Полотна и инсталляции, подписи и артефакты, их сменяемость – доводы в пользу движения, следы художественного взаимодействия, звуки – отпечатки восприятия этих объектов на параллельном мраморе и паркете, возникающих в моем сознании. Звук запускает меня как другой звук – я начинаю ощущать свое собственное тело как неустойчивый конгломерат состояний, сложно-эквивалентный пространству, экспонатам, другим посетителям, смотрительницам.
Это приглашение перестроить музей из звука временно, снова и снова, из шатких эфемерных форм, рассеянных фрагментов, болтовни в гардеробе, детского смеха, шороха шагов, эха щелкающего затвора в холле, вибрации телефонов, «экспертного» шепота. Именно через сложность такого звукового впечатления возможно распаковать визуальное из операции вы-ставки, демонстрации в процесс проявления, переживания различий. Вместо классификации и отделения объектов искусства от инфраструктуры и архитектуры музея, звук высвечивает отношения: взаимосвязь между моментами не в визуальной непосредственности, а в постоянно изменяющейся потенциальности.
2. Мир – это не мир бытия, это мир становления. Мир бытия, безмолвный, неподвижный мир, в котором вещи просто предъявлены – этого мира на самом деле не существует. Мир событий, движений и конфликтов, вот что существует. ( J. M. Hull, On sight and insight: a journey into the world of blindness, 1997).
3. Soundscape
История исследований soundscape («звуковой ландшафт/среда») как научной области насчитывает более полувека. В 1969 году опубликована первая научная статья с использованием термина «звуковая среда» (Southworth, 1969).
В 1970-х и 1980-х годах понятие в значительной степени ассоциировалась с канадским композитором Раймондом Шафером. В 1972 году Шафер запустил проект World Soundscape Project с целью детального изучения звукового ландшафта Ванкувера. Его определение звукового ландшафта строилось на совокупности слышимых событий, а не видимых объектов (The Tuning of the World, 1977).
В разнородном звуковом ландшафте отдельные акустические сигналы затушевываются чрезмерной рассеянностью перекрывающего шума. Шаги по снегу, звон церковного колокола, бегающие животные – смазываются трафиком, строительными работами, рекламными объявлениями. Перспектива потеряна. На углу центральной улицы современного города нет расстояния, есть только присутствие.
Soundwalking
Во время soundwalking («звуковая прогулка») мы фокусируемся на множественных аспектах акустической среды вокруг нас, например, на звуках набережной, как если бы это была музыкальная композиция, в которой все части создают произведение и в которую мы вносим как можно меньше интерпретации, идя / участвуя как можно тише. Мы слушаем среду, как если бы это был диалог, в котором звуки взаимодействуют друг с другом, как при вопросе и ответе.
Звуковые прогулки представляют собой исследовательское путешествие, фонографическую экспедицию, задача которой – заново испытать, подвергнуть сомнению и расширить устоявшиеся представления о пространстве.
Sonic fiction
Если звук – это факт, то музыка – это выдумка. Или, скорее, звук в том виде, в котором он существует как акустический сигнал, имеет эмпирическую реальность – звукозаписи по качеству документальности сродни фотографии. Музыка, наоборот, включает в себя манипуляции с расположением звуков для особого перформативного нарратива, фантазий, вымыслов – альтернативных параллельных друг другу со-реальностей.
Роль музыки в производстве возможных реальностей обсуждается в книге Кодво Эшуна о популярной музыке будущего, такой как фанк, даб, хип-хоп и техно: «это звуковая фантастика: электронная фантастика, в которой частоты беллетризованы, синтезированы и организованы в маршруты эвакуации. Sonic Fiction заменяет тексты возможными пробелами с планом освобождения из тюрьмы. Эскапизм организован до тех пор, пока он не овладевает средствами восприятия и умножает модусы чувственной реальности» (More Brilliant Than the Sun: Adventures in Sonic Fiction, 1998) .
Эшун рассматривает музыку как форму научной фантастики, которую мы переживаем в уникальном воплощении, но которую можно напрямую сопоставить с целями и эффектами этого жанра в литературе. Как провокационно выражается Эшун, «реальность» и все сопутствующие ей достоверности – это гнетущая тюрьма по сравнению с музыкальным полетом воображения.
4. Бедность описаний существования, зависящих от восприятия времени и пространства как абсолютов, выявляется звуком и музыкой, которые предоставляют средства «осмысления», позиционирования субъектов в окружающей среде.
«Звуковое «я» хрупкое и нежное, оно полно сомнений в отношении слуха и слышимости. Его положение не стабильно, его нет на карте, но оно реализуется в процессе, оно преходяще и зависит от его взаимодействия с окружающей средой. […] Место обитания, взяв на себя ответственность за социальное пространство, заключается в том, чтобы прислушиваться к нашему окружению, спланированным и сконструированным средам, и слышать, как мы сами создаем их как временные реализации нашего обитания» (Salomé Voegelin, The Place my Listening Makes, 2011).
Участники: Владимир Бынь, Катя Герасименко, Андрей Дмитренко, Сергей Дорохов, Алёша Ковалёва, Элиза Крейцберг, Иван Лебедев, Кирилл Михайлин, Саша Мороз, Михаил Назаров, Максим Новиков, Наталья Орлова, Анастасия Пальчукевич, Илья Петров, Наргиза Санжаева, Аня Соз, Дарья Тарасова, Дмитрий Хворостов, Ян Гинзбург
С 21 октября в Центре Вознесенского открылась «Закрытая Рыбная Выставка. Реконструкция 1935-1990-2020». Это парадоксальное соположение закрытости и открытости может много рассказать о статусе выставочных проектов в период пандемии. На самом деле парадокс присутствовал в начале этой истории, в 1935 году, когда группа художников представила выставку только для причастных работников рыбной промышленности. В 2020 году проект тоже открыт-закрыт – доступ ограничен группами и списками. Увидеть его можно по предварительной регистрации до 22 ноября.
Выставка стала результатом совместной работы семинара-практикума в институте БАЗА, где участники обсуждали границы и возможности реконструкции как художественного метода (re-exhibition, reenactment). Метод оформился в середине 2000-х годов, в период кризиса позиции куратора, когда художники обратились к истории выставок самостоятельно, для критики истории искусства через произведения-проекты, а не через позицию куратора.
Художники обладают индивидуальной позицией по отношению к истории искусства, их взгляд способен сместить акценты на практические, производственные и воображаемые стороны выставок. Подобный опыт воспроизведен в концептуальных методах искусства акций КД (Коллективное действие), проектах Ильи Кабакова и, конечно, в совместной практике Игоря Макаревича и Елены Елагиной. Их важнейшая для критики воображаемых границ институционализации «Рыбная Выставка 1990 года» вращалась вокруг найденного каталога 1935 года. Таким образом, проект закручивается во временную спираль – производственный реализм 30-х годов становится частью концептуального проекта Макаревича и Елагиной 70-80-х и в 90-е и переосмысляется снова в 2020 году. Как пишут кураторы в своем тексте: «Осторожно, это реконструкция реконструкции».
Мы собрались на зум-конференции и обсудили Рыбные Выставки.
Участники отвечали на критику: можно ли считать такие проекты герметичным присвоением, не является ли подобное обращение к реконструкции ностальгическим импульсом. Особое внимание уделено поиску, исследованию истории искусства в цифровой среде, и как меняется восприятия объектов, которые игриво предстают как уютно-аналоговые. Художники Макс Новиков, Илья Петров, Аня Соз рассказали о своем художественном диалоге с произведениями концептуалистов и работами 1930-х годов. В некоторых работах обращение к сюрреалистическим и абсурдным ассоциациям неожиданно открывает возможность выстроить политическое отношение к проблемам промышленности, нефтедобычи и утопического строительства. Некоторые художники вели диалог с модернистскими приемами, которые, лишаясь привязки к западно-европейскому и американскому контексту, постоянно осциллировали с анти-модернистской нарративностью, уходили в историю образов и рассказов.
Куратор «Дневника биеннале» Борис Клюшников
Одним из проектов Дневника станет «Ссылки добрососедства»: подборки из референсов, книг, полезных ссылок от художниц, кураторок и организаторов Московской молодежной биеннале современного искусства.
Поиск информации, подготовка проекта остается в тени, так как имеет отношение не столько к производству конечного продукта, сколько к повседневным практикам воспроизводства субъективности. С точки зрения финальных решений процесс кажется незначительным, на самом деле он раскрывает множественные и неповторимые способы отношения к искусству. «Ссылки добрососедства» сделают процесс видимым и, помимо сбора интересной информации, поможет понять повседневную логику подготовки биеннале.
Первая подборка связана с образовательной программой биеннале, предлагающая критически переосмыслить идеалы юности, проектной оптимистичной энергии и здоровья, стоящие за исключающей категорией «молодости» в названии биеннале. На сайте опубликована первая и вторая дискуссии «Апология возраста» (https://vk.com/video-71347359_456239209) с антропологом Тимом Ингольдом, социологом Анной Шадриной и художницей Екатериной Муромцевой и «Тирания позитива» с профессором, психологом Евой Иллоуз, теоретиком Борисом Клюшниковым, писателем и философом Аороном Шустером.
В «Апологии возраста» подчеркивается проблематичность разделения на поколения и подвергается критике исключенность пожилых людей из контекста современного искусства. Куратор цикла Андрей Шенталь предложил «Салон отверженных категорий» как субверсивный образовательный проект и рассказал о том, чем отличается кураторство популярной образовательной платформы от академического симпозиума и какие лекции, подкасты и книги сопровождали его подготовку.
Куратор «Дневника биеннале» Борис Клюшников
Андрей Шенталь
В отличие от подготовки сугубо академического симпозиума работа куратора популярной дискуссионной программы не подразумевает штудирования всей литературы на заданную тему. Это, скорее, навигация по публикациям, лекциям, персоналиям и обмен мнениями с коллегами. «Кураторство» в этом смысле не простой перенос термина из искусства в образование, ведь дискуссионная программа аналогична групповой выставке, она основана на суждении вкуса и создании комбинации мнений и позиций.
«Салон отверженных категорий» посвящен пяти темам: старению, негативному мышлению, неудаче, социальной неловкости, болезням. Подготовка к ним заставила мое внимание рассеяться в разные сферы исследования от гериатрии и возрастной антропологии до философии боли и исследований счастья.
I
Конечно, «мастер негативности» — это, прежде всего, Теодор Адорно, его идеи так или иначе питают все мои проекты и тексты. Даже на техно-вечеринке я задаюсь вопросом: что Адорно сказал бы об этом? Но если говорить о более эмпирическом понимании позитивности, лучше всего развенчали принудительное счастье Ева Иллуз с Эдгаром Кабанасом в совместной книге «Производя счастливых граждан».
II
Старость и старение — пожалуй, одна из самых обсуждаемых тем. Если открыть на YouTube канал фонда Тимченко, то среди фестивалей и социальных проектов, можно найти множество выступлений философов и социологов, которые занимаются этой проблемой.
III
Говоря о неудаче, прежде всего обращаю внимание на две книги «Искусство провала» и «Квир искусство провала». Если первая книга Йеспера Юля говорит о наслаждении поражением в видеоиграх, то во второй автор Джек Халберстам рассуждает об искусстве и поп-культуре с точки зрения квир-теории. Я только приступил к чтение, поэтому не могу сделать подробный комментарий.
IV
Рефлексия болезни чаще всего оказывается в зоне disabilities studies, это интересная и важная сфера, но подход мне кажется ограниченным. Помимо Мишеля Фуко, одним из первых описавшим процесс конструирования болезней и патологий, я вспоминаю и современных авторов, которые противопоставляют реальное тело и тело медицинское, феноменологический опыт и диагноз врача, например, Эннмари Мол или Фредрика Свенаеуса.
V
Превращение языка в товар — ключевая тема итальянских-философов марксистов Паоло Вирно, Маурицио Лаззарато и других, а вот об эмансипаторном потенциале языка говорили советские лингвисты — Лев Выготский, Лев Лурия и другие.
В истории института биеннале в России постоянно звучит вопрос о логике производства и воспроизводства. Биеннале мыслится как мега-выставка, культурное событие, привлекающее внимание к современному искусству.
Однако, в таком случае большой проект неизбежно сталкивается с проблемой фасадности и фетишизацией конечного продукта. Раз в два года мы видим выставку, которая затем бесследно исчезает из российского контекста, без последствий. Акцент на производстве становится идеологией, оттеняющей постоянные, каждодневные усилия по воспроизводству отношений в художественном контексте. Оглядываясь на последние события вокруг крупных проектов, виден разрыв разрыв между финальной выставкой и сообществами, вовлеченными в художественный труд на постоянной основе.
В тексте к готовящимся подкастам в рамках биеннале молодого искусства, коллектив Кафе-мороженое (Даша Юрийчук, Анастасия Дмитриевская) и Саша Шестакова продолжают свои размышления о возможностях инфраструктурной деколониальной критики. Они указывают, что подобные сбои не могут быть представлены как обычные единичные ошибки менеджмента. Они неразрывно связаны с асимметрией отношений и неравномерностью распределения символического капитала. Иными словами, эти проблемы имеют структурный и инфраструктурный характер. Они должны стать предметом обсуждения и размышления не только в среде художественных сообществ, но и на территории крупных институций.
Борис Клюшников
На последнем издыхании
В художественном сообществе разразился гром скандалов, вспыхнувших вокруг отсутствия гонораров, несдержанных обещаний и отказа от ответственности относительно условий труда.1 В рамках Биеннале молодого искусства, мы запишем серию подкастов, которые проблематизируют эти кейсы: как часть экосистемы современного искусства, биеннале, наравне с другими крупными проектами, транслирует и задает принципы отношения к творческим работницам и их труду.
В подкастах мы сосредоточились на инфраструктурной критике трудовых отношений и пригласили спикеров, с которыми обсудим, как выстраивать профессиональные отношения в искусстве вне логики конкуренции, строить системы солидарности и заботиться об условиях своего труда.
Художественный критик Том Холерт определяет2 инфраструктурную критику как создание условий, альтернативных существующим, через диагностику и выявление несправедливостей в функционировании (художественной) системы. Необходимость такого подхода была сформулирована в результате анализа институциональной критики, которая, с одной стороны, стремилась делать явными источники финансирования и/или условия работы, но при этом комфортно вписывалась в «самокритичный» подход художественных институций.
В качестве примеров инфраструктурной критики Холерт называет проекты Алис Крейшер и Андреаса Сикмана. Они используют militant research3 или активистское исследование — методологию, ориентированную на этику генеалогии знания, то есть тщательного и внимательного отношения к источникам знания и политике ссылок. Так, Крейшер и Сикман создают инфраструктуры производства знания, альтернативные капиталистическим и колониальным не только на уровне содержания, но и на уровне самого устройства.
Инфраструктуры производства знания и его расположенность4 особенно важны для нас: слишком уж часто в российском художественном контексте ссылки на Хито Штейрль, Франца Фанона, Жиля Делеза и других теоретиков и философов исполняют функцию возгонки символического капитала или опорных аналитических структур из импортированного знания. Мы осознаем, что получаем знание из англоязычных книг и статей по-пиратски, прогоняя через многочисленные фильтры для того, чтобы сделать его «своим», применимым к локальному контексту. Строение наших фильтров в контексте разговора о труде и его условиях определяется расположенностью нашего знания: мы пишем из Москвы, то есть из позиции тех, кто выигрывает от гипер-централизации ресурсов5. Как совершать инфраструктурную критику отсюда?
Формы эксплуатации, распространенные в российском художественном поле, обеспечивают бесперебойное функционирование крупных центральных художественных институций и продвижение нескольких избранных карьер, — это не случайные поломки, а проявления устройства художественной инфраструктуры6. Критические высказывания о ней, если не подвергаются коммодификации, то скорее игнорируются или же сталкиваются с газлайтингом — повторяющейся в различных формулировках мантрой «все было не так, вам показалось».
Позитивный примером альтернативного моделирования (художественных) систем может послужить беларуское объединение «Работай больше отдыхай больше»7 — платформа, основанная на принципах горизонтального взаимодействия и уважения к процессу труда, вместо бесконечной гонки за результатом8.
И хотя несколько подкастов не создадут альтернативную художественную инфраструктуру, мы надеемся поставить вопрос о том «что считается будущим?» 9 и «какие действия необходимо предпринять для его наступления?». Мы страстно желаем, чтобы оно наступило поскорее, потому что от количества и условий нашего труда мы действительно на последнем издыхании.
Примечания:
1
Дискуссия вокруг проекта “Немосква, большая ее часть задокументирована на aroundart.org. Результатом недовольства культурных работ_ниц из различных городов России существующей гипер-централизацией ресурсов стало Коллективное письмо “Все растворяется в воздухе (кроме вопросов)”. Артгид. 4 сентября 2020 года https://artguide.com/posts/2071 Письмо обсуждалось на дискуссии “Без лезвий” в рамках цикла “Мутная вода”. Доступно по ссылке https://www.youtube.com/watch?v=QW6ZRRqCJk4&feature=youtu.be Во время ярмарки молодого искусства blazar, 11 сентября 2020 года прошла дискуссия “Новая (трудовая) Этика” о проблемах восприятия культурных функционер_ок, очерченные в посте художни_цы Марины Шамовой 14 сентября 2020 года https://www.facebook.com/queermonster/posts/2791633124403976 Также “структурные проблемы, связанные с трудоустройством молодых специалисток” были очерчены Дилей Тушмухамедовой в посте на Facebook https://www.facebook.com/100027338203916/posts/651716952416239/?extid=mpMpEuuwbxKeimmL&d=n Пост “Кафе мороженного” об этом https://t.me/kafemorozhenoe/80
2
Holert, Tom. 2016. “A Politics of Knowledge in Contemporary Art?” Performance Research 21 (6): 57–62. https://doi.org/10.1080/13528165.2016.1239901. Том Холерт использует термин, предложенный Мариной Виршмидт в статье Vishmidt, Marina (2017) Beneath the Atelier, the Desert: Critique Institutional and Infrastructural in Maria Hlavajova and Tom Holert (eds.), Marion von Osten. Once We Were Artists. A BAK Critical Reader in Artists’ Practice, Utrecht: BAK, basis voor actuele kunst.
3
Creischer Alice, Siekman Andreas. ExArgentina. Chto delat https://chtodelat.org/b8-newspapers/12-60/exargentina/ Accessed October, 27, 2020
4
Мы используем термин Донны Харуэй situated knowledges, который она развивает в статье Haraway, Donna. "Situated Knowledges: The Science Question in Feminism and the Privilege of Partial Perspective." Feminist Studies 14, no. 3 (1988): 575-99. Accessed October 27, 2020. doi:10.2307/3178066. На русский язык это понятие также переводится как “ситуативные” знания, однако перевод “расположенные” кажется нам более релевантным.
Применительно к так называемому пост-советскому контексту концепцию “расположенных знаний” развивала Мадина Тлостанова в статье Tlostanova, Madina. 2015. “Can the Post-Soviet Think? On Coloniality of Knowledge, External Imperial and Double Colonial Difference.” Intersections 1 (2). https://doi.org/10.17356/ieejsp.v1i2.38.
5
Об этом, в частности, высказывалась работница ЦК19, руководительница информационного отдела Ангелина Бурлюк во время дискуссии “Без лезвий” в рамках цикла “Мутная вода”. Доступно по ссылке https://www.youtube.com/watch?v=QW6ZRRqCJk4&feature=youtu.be
6
Подробнее об этом: Дмитриевская Настя; Юрийчук Даша “Не поле для конкуренции”. Журнал "Театр". (готовится к публикации)
7
http://workhardplay.pw/ru/about.html
8
Похожую точку зрения высказывала наша коллежанка Анна Энгельхардт в посте телеграм канала (im)possible worlds https://t.me/impossibleworlds/983
9
Этот вопрос задает Андреа Баллестеро в книге The future history of water. Ballestero, Andrea. 2019. A Future History of Water. Durham: Duke University Press.
3 ноября в галерее «Ходынка» Объединения «Выставочные залы Москвы» открылась выставка «Системы-Сверхсистемы», проходящая в рамках VII Московской Международной Биеннале Молодого искусства. Участникам выставки «Системы-Сверхсистемы» было предложено провести исследование взаимосвязей природных и искусственных систем.
Выставочный проект посвящен анализу алгоритмов общественных и природных систем. Рассматривая более пристально генезис высоких технологий, взятых из разных сфер жизнедеятельности человека, можно прийти к выводу, что ничего более совершенного, чем сама природа, ещё не создано. Трассы, дороги и коммуникации построены по примеру кровеносной системы человека, нейронная сеть головного мозга явилась прообразом искусственного интеллекта, стрекоза — прообразом вертолета, стебель пшеницы — прообразом бетонной высотной конструкции, а модель передачи информационного сигнала от человеческого глаза вдохновила ученых к созданию телекоммуникационных сетей. Аналогиями прототипов живой природы в технике традиционно занимается наука бионика.
Посетителям будет предложено вместе с учёными и художниками подумать о результатах технического прогресса, их взаимосвязи с экосистемой и эмансипацией человека от природы.
На выставке будут представлены предметные инсталляции, фотографические и видеоработы участников молодежного Форума «Таврида», выпускников лабораторий «Коммуникативные модели и новое будущее» и «Культура будущего» Ольги Ремневой, а также молодых изобретателей из технополиса «Сколково».
В выставке принимают участие 24 современных художника, среди которых выпускники Свободных Мастерских ММОМА, участники выставок ММОМА, музея Эрарта, фестивалей в Ельцин Центре. Выставка является вторым проектом в галерее, посвященном направлению Science-Art.
Куратор: Ася Баскаева
Открытие выставки состоится 3 ноября 2020 года в 19:00
Выставка Системы-Сверхсистемы, возрастной ценз – 6+
Режим работы галереи: со вторника по воскресенье с 11:00 до 20:00.
Даты проведения: 3 ноября – 22 ноября 2020 года
Стоимость: 100 рублей стандартный, 50 рублей льготный, бесплатно для учащихся в школе.
Галерея «Ходынка»
Москва, м. Октябрьское поле
Ул. Ирины Левченко, 2
8 (499) 198-76-84
hodynka@vzmoscow.ru
khodynka.art
Партнёры проекта:
Арт-кластер Таврида
Инновационный центр «Сколково»
Отдел практической аффектологии. Вера Замыслова посмотрела выставку «20:20. Время остановилось» и рассуждает о кризисе общего, выборе неверной универсальности, которая вместо того, чтобы сплотить, делает из нас номинальное сообщество Все/Мы.
В образовательном центре Московского музея современного искусства в Ермолаевском переулке проходит выставка «20:20. Время остановилось» о самоизоляции весны этого года. Пандемия Covid-19 заявляется как нечто, изменившее существующую реальность или по крайней мере заложившее основы для «нового мира».
Производится очередная попытка размывания локального до обобщенного. Конспирология и новый мистицизм, гиперкомпенсация через мемы и «новая этика», одиночество и инфодемия – эфемерные тематические блоки, которые встречаются снова и снова, перекочевывают из проекта в проект и являются косвенными причинами ощущения заведомой усталости. Алгоритмы остросоциальных, политически заряженных тем наращивают общую невосприимчивость, становясь объектами вялой критики. Парадокс мейнстрима именно в том, что он одновременно важен и одновременно скучен. Все уже заведомо устали от темы, которую невозможно перестать переживать.
В разгар приступов оптимистического эскапизма лета 2020 производились отчаянные попытки абстрагироваться от реальности, еще связанной с ежедневной сводкой отчетов эпидемиологической статистики. Реже заметны высказывания на тему пандемии, одновременно, те, кто набирались смелости заявить о себе, становились предметами шуток и тихого хихиканья. Неоригинально, не(достаточно) рефлексивно, несвоевременно. Происходил процесс систематизации, отхода от винегрета тэгов к установлению трех-четырех «стимулов-реакций». Тексты сильнее отдалялись от контекста, и все чаще можно наблюдать уютные обобщающие формулировки «все мы», лишенные необходимости субъективного проживания.
Все мы пережили.
Все мы были подвержены.
Все мы ощущали.
Я/Мы протестного лета 2019 года сменилось Все/Мы самоизоляции.
Но пандемия не стала для России новым опытом, изменившем общественно-политическую ситуацию. Когда «нас просят изолировать себя в семейных единицах, общих жилых помещениях или индивидуальных жилищах, лишенных социальных контактов и отнесенных к сферам относительной изоляции» [1], это не отличается от ситуации до пандемии в России. Ограничение на публичное высказывание, на доступ к общественным местам, упор на применение силы при разрешении конфликтов, на личную ответственность каждого перед каждым, мнимая забота, манипуляции с совестью и коллективной памятью – мерцающие акценты официальной риторики, сформировавшейся до пандемии.
Самоизоляция лишь актуализировала некоторые грани запретов, выступив спусковым крючком для властей, которым в данной ситуации нет необходимости искать новые формулировки. В этом контексте отсылка к эссе Катрин Малабу, где она предлагает уйти в карантин от карантина, сравнивая современного человека XXI века с Руссо, создавшим подобие insula в веке XVIII [2] – предельно наивное заявление.
Передвигаясь в пространстве выставки, мы оказываемся втянутыми в перетасовывание образов запертого, исключенного из внешнего мира человека в самоизоляции, всеми способами пытающегося выбраться наружу. В каких-то местах это становится навязчивой идеей, как в «контент-форме» Игоря Самолета, когда нащупывание реальности происходит через бесконечное пролистывание новостной ленты. Становясь единственной сцепкой с мерцающей реальностью, наполненной локальными и глобальными событиями, такое действие приобретает маниакальный характер. Отсылка к более ранней и более задорной работе «первой волны» коронавируса – «Сериал “Cамоизоляция и я”», показанной в галерее «Триумф» этим летом – еще больше сгущает краски: здесь объект закольцован, затягивает внутрь собственной материализованной цифровой [не]реальности; никакой больше искрящейся мелодии из бесконечного сериала.
Соцсетевое и цифровое перетекают из проекта в проект, определяя главную рамку пандемии: ограниченное безграничное пространство сети. Серия Владимира Карташова «Протодисплей» кажется попыткой выйти за тематические границы. Художник создает дисплеи, продолжая их фантазийными рамами в попытке заменить потерянные возможности сенситивного и невербального. Однако мистическое и ускользающее в работе, вырывающиеся в разные стороны рамы приобретают форму барочных багетов: видимо, через новый мистицизм мы снова выйдем в топкое болото вычурных блестящих объемов.
Но, наверно, самым оторванным от локального контекста, незаземленным объектом выставки является работа Альбины Мохряковой из серии «Синяки»: большой принт с портретом девушки с синяком под глазом. Детализация фотопечати позволяет без труда разглядеть искусственную природу увечья: синяк не более чем профессиональный грим и, кроме цвета, не несет больше никаких характерных признаков последствий ушиба мягких тканей. Здесь в очередной раз поднимается вопрос недоверия к фотографии как к документу, простоты фальсификации и манипуляции при помощи изображений [3]. Акцент именно на недоверии к документу, подтверждающему акт насилия, его слишком легкой подмене сегодня. Нас снова вводят в общемировую усредненную ситуацию: Эмбер Хёрд, маски инстаграма, бьюти-лайфхаки.
Но если в США фотография, пусть сфабрикованная, может являться весомой причиной для возбуждения уголовного дела, то в России даже физическое освидетельствование побоев не всегда учитывается следствием. Эфемерная граница между общностью и локальностью представлена вполне прозрачно: самоизоляция не сдвинула с мертвой точки систему, а факт поддельной фотографии не имеет никакого смысла в условиях отсутствия закона.
Курсирование пандемии в поле художественного высказывания как нового, принципиально все изменившего, является основной проблемой не только конкретного проекта, но всех подобных выставок вообще. Идея коллективного переживания и коллективного опыта сквозит через многочисленные формулировки и образы. Если кого-то и обошла практика #pandemicdreams, всегда есть возможность переосмыслить собственный опыт, вырвать себя из субъективного контекста восприятия и растворить в усредненной коллективности кросс-модальных ассоциаций.
Границы размываются наподобие того, как это заявляли весной технократы-оптимисты, предрекающие эру большего равенства через zoom-поворот в социальном поле. В новом мега-государстве, объединенные всемирной сетью, у нас больше нет возможности для нейро-специфичности восприятия. Рефлексия субъективного остается вынесенной за скобки и заменяется успокаивающими практиками поверхностной общности.
Примечения:
[1] Butler J. Capitalism Has its Limits. https://www.versobooks.com/blogs/4603-capitalism-has-its-limits
[2] Малабу, К. От карантина до карантина: Руссо, Робинзон Крузо и «Я». https://centerforpoliticsanalysis.ru/position/read/id/ot-karantina-do-karantina-russo-robinzon-kruzo-i-ja
[3] Как минимум критику достоверности фотографии можно прочитать у Сонтаг С. «Смотрим на чужие страдания», она же представлена в более широкой перспективе у Мирзоева Н. в книге «Как смотреть на мир». Сонтаг, С. Смотрим на чужие страдания. – М.: АдМаргинем Пресс, 2014; Мирзоев, Н. Как смотреть на мир. – М.: АдМаргинем Пресс, Музей современного искусства «Гараж», 2019.
В ММСИ на Ермолаевском представлен проект Buro 24/7 и Cosmoscow «20:20. Время остановилось». Среди участников: художники Артем Го, Данини, Владимир Карташов, Кирилл Макаров, Альбина Мохрякова, Анна Ротаенко, Игорь Самолет, Никита Селезнев, Софа Скидан, Анна Таганцева-Кобзева.
Мы встретились с куратором выставки Александром Буренковым и художниками выставки, чтобы обсудить как отдельные художественные практики, так и общий контекст, в котором производится искусство. Общей рамкой проекта является недавний опыт (само)изоляции, на фоне которого участники выставки продолжают и оттачивают свои индивидуальные подходы, для которых пандемия стала не резким переломом, а модификацией и возможностью уточнить свои позиции.
В зуме мы обсудили настойчивое присутствие элементов нового мистицизма и цифровых ритуалов, которые нарастали на протяжении всего десятилетия. Выставка интересна также тем, что представляет различные взгляды на магическое и технологическое. Она показывает, как мы можем давать образ предельно сложной современности, уклоняясь от простых решений и ответов. Мне кажется, магия и интерес к ней связан с попыткой работать в ситуации, у которой нет строго очерченной карты и схемы.
Вступительное слово Бориса Клюшникова
12 ноября — последний день работы выставки Основного проекта во втором корпусе Музея Москвы.
Работы художников на фасадах музея остаются, продолжает работать инфопоинт, где вы можете приобрести книги и открытки.
Если вы купили билет на выставку на даты после 12 ноября, оформите возврат билетов.
Биеннале продолжит свою работу в онлайн-формате.
— Проект «Я не знаю, Земля кружится или нет...» доступен по ссылке: notspinning.world
— Скоро мы выпустим видео экскурсию по второй части основного проекта;
— Расписание лекций и мастер-классов образовательной программы при поддержке Винзавода ищите у нас на сайте и в социальных сетях биеннале.
До 25 ноября вы можете принять участие в open call программы Портфолио-ревю.
Stay tuned, впереди ещё несколько приятных новостей!
«Ссылки добрососедства»: подборки из референсов, книг, полезных ссылок от художниц, кураторок и организаторов Московской молодежной биеннале современного искусства. В этой подборке кураторы Анна Журба и Сергей Бабкин делятся ссылками на сайты и странички самоорганизаций, участвующих в проекте «Группа поддержки».
Основной принцип этой подборки — не говорить вместо сообществ и не пытаться вписать их в широкую арочную теорию, а поддержать и развить интерес к ним, используя самые разные платформы.
Подготовка проекта «Группа поддержки» в первую очередь основывалась на последствиях многолетнего наблюдения за самоорганизованной художественной сценой города Москвы. Поскольку важным аспектом проекта был отказ от музеефикации или же архивации деятельности самоорганизованных инициатив, вместо «классического» списка источников мы дадим ссылки на проекты участников «Группы поддержки». Одна из основных задач проекта в расширении поля видимости самоорганизованных инициатив.
1. «Клуб анонимно танцующих»
Instagram Кати Волковой
У существующего в поп-ап режиме «Клуба анонимно танцующих» нет отдельных страниц, но за их деятельностью можно следить в соцсетях Кати Волковой.
2. «Кооператив распределенного сознания»
Сайт «Кооператива распределенного сознания»
Исследовательский «Кооператив распределенного сознания» (Саша Шестакова и Анна Энгельхардт) результаты своих исследований о российской колониальности публикуют на своих сайтах.
3. Микробиеннале горизонтальных инициатив
Instagram II Микробиеннале горизонтальных инициатив
II Микробиеннале горизонтальных инициатив пройдет в следующем году. Кураторы в поиске площадок!
4. «Отдел практической аффектологии»
Facebook «Отдела практической аффектологии»
Это запись обсуждения Открытого письма работниц и работников культуры, которое в рамках «Группы поддержки» проводил «Отдел практической аффектологии». Дискуссия была жаркой...
5. ШШШ
Сайт Shshshgirls.ru
Опыты художниц из ШШШ документируются на их сайте. Надеемся, скоро там появится и информация о «ПирШШШестве», устроенном художницами в ресторане на крыше отеля The Ritz-Carlton Moscow...
6. APXIV
Сайт APXIV
APXIV подвижен и неуловим, но всегда очаровывает ироничным подходом к условиям производства искусства.
Instagram Apxivgroup
7. Camp as One
Instagram Camp as One
Camp as One в этом году не провели резиденцию из-за пандемии, но их инстаграм способен вызвать фатальный FOMO у любого даже ретроспективно.
8. Soundartist.ru
Сайт Soundartist.ru
Soundartist.ru, множество их событий и школа саунд-арта не нуждаются в представлении.
9. Spectate
Сайт Spectate.
Веб-зин Spectate, основанный выпускниками «Лаборатории художественной критики» и поставивший перед собой задачу реанимировать русскоязычную арт-критику, давно стал заметной частью московского арт-медиа-ландшафта.
Выставочный проект «Семейные ценности», открытие которого планировалось 21 ноября 2020 года в галерее «На Песчаной» Объединения «Выставочные залы Москвы», перенесен на 2021 год и теперь пройдет с 22 января по 28 февраля.
Кураторский проект «Семейные ценности» выпускницы Школы современного искусства «Свободные мастерские» ММОМА Дафны Зайцевой был задуман как исследование родственных взаимоотношений через призму художественного видения. На выставке будут представлены работы, выполненные в разных медиумах: инсталляция, скульптура, живопись, смешанная техника.
Куратор: Дафна Зайцева
Участники: Иван Зубарев, Алина Измайлова, Александра Курьянова, Катарина Лав, Маша Неверова, Катя Серикова, Аня Смертина-Смит, Кристина Сырчикова, Лиза Токарева, Алиса Эмке, MAXIMIXAM
«Каждый человек не просто индивидуум, он — носитель уникального генетического кода. Наши ДНК несут в себе историю наших предков — родителей. Объединённые одной кровью и фамилией, гордо, а порой и не очень, именуемые семьей. Знаем ли мы этих людей?
Вошедшие в экспозицию работы предлагают зрителю окунуться в мир личных переживаний каждого автора, погрузиться в лабиринты воспоминаний, приглядеться к истории и возможно, встретить что-то знакомое или взглянуть на старый вопрос под новым углом. Кому-то доведется обернуться и увидеть себя в роли тех самых родителей. У кого-то появятся новые вопросы к своим «предкам». Кто-то заинтересуется историей своих родственников. Ведь какими бы они ни были, они — часть нас, хоть и на генетическом уровне». — рассказывает о проекте куратор Д. Зайцева.
Организаторы выражают благодарность:
Искусствоведу Люсе Янгировой за участие в подготовке выставки;
Игорю Суханову за предоставление работы Ивана Зубарева из серии «Lost&found».
«Семейные ценности», возрастной ценз 6+.
Открытие состоится 22 января 2021 г. Следите за новостями в наших социальных сетях, а также – на официальном сайте «Объединения «Выставочные залы Москвы».
Режим работы галереи:
Вторник — воскресенье с 11:00 до 20:00
Понедельник — выходной.
Даты проведения: 22 ноября 2020 — 10 января 2021 г.
Время работы: вторник-воскресенье с 11:00 до 20:00
Стоимость: 100 руб. (полный) / 50 руб. (льготный).
Галерея «На Песчаной», м. Сокол / м. Полежаевская / МЦК Зорге
ул. Новопесчаная, д. 23, к. 7
Мы поговорили с Марией Кузьминой, одной из организаторок проекта Inside Out (Мария Кузьмина, Даша Гусакова), который запущен в рамках параллельной программы Биеннале молодого искусства и при поддержке Парка Горького.
Проект состоит из серии мастер-классов и обсуждений вокруг практических вопросов художественного производства. Юридическая сторона составления договоров между художником и институцией, психологическое состояние при подготовке к проектам и логика презентации работ в сети очень часто остаются в тени. Inside Out или «Изнанка» предполагает создать группу коллективного обсуждения этих рабочих вопросов.
Обсуждая структуру проекта, мы в том числе пытались понять, как соотносится практика современного искусства с идеологией эффективного менеджмента. Например, известно, как корпоративная культура под видом образовательных и практических тренингов создает почву для структурной лояльности. Но, с другой стороны, коллективное обсуждение этих механизмов и присутствие субъективного опыта могут прояснить и усилить тех, кто оказался один на один с крупными институтами.
Мария Кузьмина ссылается на различные локальные опыты, позволяющие разным агентам мира современного искусства критически взаимодействовать с юридическими и экономическими аппаратами, тем самым расколдовывая их для самих работников.
Четвёртая дискуссия в рамках образовательной программы VII Московской международной биеннале молодого искусства состоится 24 ноября в 19:00 по Москве.
Художник Егор Рогалев (Россия), доцент Оксана Мороз (Россия), профессор Франко Берарди (Италия)
Куратор — Андрей Шенталь.
При поддержке Итальянского Института Культуры.
Способность к общению находится в основе современных способов «нематериального» производства. В постиндустриальных странах наемный работник более не рабочий у станка, а виртуоз коммуникации, переходящий с одной встречи в Zoom на другую. Нетворкинг и социальный капитал — неотъемлемые атрибуты карьерного успеха, количество друзей на Facebook или подписчиков в Instagram становится своего рода новой валютой. Такая коммуникация инструментализируется и перестает быть формой незаинтересованного взаимообмена. Как писал философ Паоло Вирно, «нет никого несчастнее, чем тот, кто обнаруживает, что его отношения с другими людьми, иначе говоря, его способность к общению, его владение языком, оказываются сведенными к наемному труду» (Паоло Вирно, «Грамматика множества. К анализу форм современной жизни»).
Несмотря на требование быть отзывчивыми и общительными, мы наблюдаем распространение аутистических расстройств, социофобии и социальной тревожности. Соцсети, мессенджеры и приложения для знакомств располагают к блокировке, гостингу и бану, а локдаун и изоляция, как кажется, лишают общение эффекта физического присутствия. Вместе с тем, отказ от коммуникации был важной характеристикой модернистского искусства: именно молчание и невыразимость стали определять живопись с конца XIX века. На другом полюсе — современные перформативные и партиципаторные художественные практики, которые позволяют создавать альтернативные языковые системы или же невербальные аффективные способы взаимодействия.
20 ноября 2020 – Изменения в программе Портфолио-ревю – срок подачи заявок продлен до 13 декабря 2020 года.
9 ноября 2020 года запустился open call на участие в программе Портфолио-ревю, которая пройдет в Москве по трем направлениям: «Арт», «Медиа-арт» и «Культурная журналистика». Подать заявку могут художники и авторы до 35 лет, проживающие на территории Российской Федерации (за исключением Москвы). Срок подачи заявок — до 12:00 (мск) 13 декабря 2020 года.
Эксперты, представляющие партнера по каждому направлению, определят и объявят финалистов на сайте Биеннале 1 февраля 2021 года. Тогда же будут объявлены даты программы Портфолио-ревю, которая состоится в феврале/марте 2021 года.
Институциональными партнерами Портфолио-ревю в этом году стали ГМИИ им. А.С. Пушкина, Московская школа современного искусства (MSCA), журнал «Диалог искусств» и интернет-ресурс «Артгид».
Программа призвана расширить аудиторию современного искусства, привлечь внимание к работам молодых российских художников и текстам молодых авторов со всей России, работающим в различных областях современного искусства и пишущим о них, а также дает возможность заявить о себе и рассказать о своих достижениях. Для победителей во всех трех номинациях запланированы образовательные мероприятия с целью повышения квалификации и дальнейшего развития карьеры.
Программа была инициирована в Тобольске в 2017 году VI Московской международной биеннале молодого искусства совместно с компанией «СИБУР» в рамках благотворительной программы «Формула хороших дел». Более 70 молодых художников до 35 лет из шести регионов России смогли получить профессиональный опыт участия в индивидуальных и групповых сессиях с экспертами Биеннале в Тобольске. Портфолио-ревю стало проектом, реализующим одну из самых сложных и важных задач биеннале молодого искусства — давать молодым художникам необходимые ресурсы и знания для развития. Сейчас его выпускники создают региональные сообщества, проводят выставки и другие мероприятия, связанные с современным искусством. Результаты двухлетней программы в Тобольске привели к решению развивать проект и дальше. В 2020 году Биеннале в рамках этой программы ставит перед собой новые задачи: расширение географической карты проекта, создание отдельных программ по направлениям, в том числе в сфере культурной журналистики, и проведение многочисленных междисциплинарных мероприятий для молодых художников со всей России.
По каждому направлению будет определено следующее количество победителей:
«Медиа-арт» — до 10 финалистов
«Арт» — до 10 финалистов
«Культурная журналистика» — до 5 финалистов
Портфолио каждого финалиста будет опубликовано на сайте Биеннале молодого искусства. Участие в проекте бесплатное, все расходы на дорогу и проживание участников принимает на себя Биеннале.
Правила участия в программе Портфолио-ревю, а также другие подробности можно найти здесь.
Мы завершаем «Салон отверженных категорий» пятой дискуссией, темой которой стала болезнь
Философ Хави Карел, историк медицины Анна Мазаник и культуролог Лера Конончук
Куратор — Андрей Шенталь.
Куратор цикла «Салон отверженных категорий» Андрей Шенталь о дискуссии:
«Поскольку болезни подвержены все люди вне зависимости от их статуса, мы привыкли видеть ее как великого уравнителя. Болезнь как бы сводит человека до его «голой жизни» или биологии — особенностям иммунной системы, генетической предрасположенности и т.д. Однако, в действительности, доступ качественному медицинскому обслуживанию и лекарствам, а также и доступ к определенному образу жизни, снижает как риск заболевания, так и повышает шансы выздоровления. Исторически болезни воспринимались в массовом сознании как удел бедных, а другие — как кара богатым; некоторые болезни получали общественный резонанс, другие — обходили внимание».
В этой зум-беседе мы поговорили с художниками и художницами проекта «Паузы», прошедшей в октябре-ноябре в Биеннале молодого искусства в Московском музее современного искусства. В беседе приняли участие Гедиминас Даугела, Ирина Иванникова, Икуру Куваджима, Олеся Лавриненко, Александра Михайлова, Саша Госмант, Александра Налетова, Анастасия Свириденко, Шамиль Шааев, Оксана Чвякина.
Я заметил, что в условиях пандемии коронавирус выступает для культурных событий тем, что в нарратологии называют мастер-нарративом или ур-нарративом. Пришедшее к нам в качестве чрезвычайной ситуации порождает серию рутинных вопросов и ответов: как изменится мир после пандемии? как искусство изменяется из-за вируса? Например, что при оформлении заявок упоминание пандемии во вступительных словах увеличивает шансы получить грант или резиденцию. Чрезвычайно положение – это не приостановка бюрократического аппарата. Напротив, аппарат и есть оборотная сторона чрезвычайного положения. Все больше я склоняюсь к мысли, что постоянное настойчивое присутствие какой-то темы, своего рода темы-архонта успокаивает размышление, превращая его в автоматическое повторение.
Перечитывая замечательную книгу Памелы Ли «Забывая мир искусства» (Pamela Lee, Forgetting the Art World), я обратил внимание, что вся художественная сцена 2000-х годов всегда содержит в себе усталость от художественных проектов, биеннале как форма неотделима от жалобы. Изобретая миры, изобретая миры, изобретая миры. Первый день творения совпадает с последним, с днем когда боги проектов устают или разочаровываются, усталость не приходит в конце, а как призрак сопутствует любой идее. Уже нет единого мира искусства, на пороге которого стояли Лоуренс Эллоуэй и Артур Данто, но есть миры искусства и важно понять как они работают. Не work of art, а work of art worlds.
Произведение искусства – как небесное тело в далекой галактике создает гравитационные волны, иногда сильные, иногда слабые, которые вызывают колебания во всей тотальности пространства-времени. Иными словами, произведение является сингулярностью, которая искажает миры, живет в своих эффектах и модуляциях, пробегающих по всему «искусству». Поэтому в наших беседах я хотел бы говорить о конкретных произведениях и проектах, чтобы распутать их от привязки к мастер-нарративу – пандемии. Проект «Паузы» интересен тем, что в нем оформляется сама механика проектного производства – производства из усталости, вместе с усталостью. К тому же, выставка была задумана давно и почти не изменилась в условиях пандемии. Она будто прошла через водоворот, сохранившись.
Борис Клюшников
Диалог теоретика искусства, писательницы Йожи Столет и философа Лики Каревой об отчужденных способах восприятия искусства на примере выставки «Я не знаю, Земля кружится, или нет» и собственном опыте.
Зритель — натяжение между upright posture и возвышенным опытом водоворота, затопления бездны. Опыт прекрасного и возвышенного нарушает естественную историю тела, историю хордового наследства. Но обратите внимание, что для подобного нарушения всегда должен существовать предварительный консенсус (шагающий фланер). Возможна ли эстетика выставочного опыта, когда мы сидим или лежим? Возможна ли эстетика, когда мир все больше движется к лежачему консенсусу?
Поль Беатрис Пресиадо (Paul B. Preciado), комментируя карантин, отмечал, что уже видел это состояние ранее в поместье Хью Хэфнера, которое он исследовал для диссертации. Владелец журнала Playboy работал из дома, даже из кровати, вращающейся сцены. Теперь, по мысли Пресиадо, такое состояние стало новым консенсусом.
Один из проектов биеннале Лизаветы Матвеевой и Франчески Альтамуры «Я не знаю, Земля кружится, или нет» (https://www.notspinning.world/) — чрезвычайно удачный. Сидя за компьютером, где кружатся образы, тексты, мемы, картинки, кажется будто ты попал в спираль, сидя на одном месте. В своей беседе Лика Карева и Йожи Столет обсуждают это состояние пост-цифровой пост-выставки, это тело фланера в условиях виртуального отчуждения.
Отчуждение здесь связано с пространством эксперимента. Теперь опыт предстает перед нами через интерфейсы, задача которых состоит в том, чтобы и погружать в процесс, и давать доступ к контролю за процессом. Иными словами, современный зритель - это натяжение другого типа. Между иммерсивностью и личными настройками. Но как это возможно? Обсуждая Дневник биеннале, мы говорили, что одной из его задач может быть отношение к трансцендентальному плану как к эксперимента.
Трансцендентальное — то, что не содержится в опыте, но делает сам опыт возможным. В этой беседе Лика Карева и Йожи Столет показывают, насколько зыбким оказывается новое состояние, в которое погружается сама логика биеннале. Они соединяют интерфейс, эстетику и опыт цифровой глобальности.
Борис Клюшников
Отчуждение эстетики. Лика Карева
Как мне кажется, до сих пор актуально понимание эстетики как познавательной способности. Оно становится еще более актуальным в моменты переопределения того, в какой системе координат и по отношению к себе, и по отношению к окружающему миру, мыслит себя человек. Представление о человеческом познании как о локализованном, не покрывающем все что есть процессе, содержались еще в философии Иммануила Канта. Эстетика для Канта представляла род человеческого познания, который отличается принципиально не концептуальным содержанием — это познание посредством чувственного восприятия. Интересно, что локализация эстетики именно в этом аспекте человеческого взаимодействия с миром соотносится с локализацией Кантом познавательной способности относительно эмпирического опыта, осуществленной еще в первой из его критик.
В качестве иллюстрации приведу пример из недавнего личного опыта. Он касается и эстетики, и интерфейсов связывания «человек-машина» (термин философа интерфейсов Люси Сачман), и художественной практики в ее отличии от познания посредством понятий. При подготовке этого материала по приглашению своих друзей художников из группировки eeefff [1] я приняла участие в цифровом мероприятии, предлагающем выработать отношение к 3D-пространствам, заменяющим реальные пространства во время пандемии.
Использующиеся музеями современного искусства инструменты панорамной съемки позволяют создавать цифровые копии любых закрытых пространств, поэтому обсуждение оцифровки музеев включило в себя и обсуждение оцифровки клубов, магазинов, рабочих и жилых помещений. Наше внимание привлек страховой случай оцифровки квартиры для оценки ущерба, нанесенного пожаром. В ходе его обсуждения мы установили два момента.
А). Использование рассматриваемой технологии в случае воспроизведения подобных травматических событий действительно эффективно.
Б). Посещение цифрового музея исключает эстетический опыт.
На это есть ряд причин.
Начнем с того, что данная модель оцифровки не создавала опыт движения по 3D-пространству (как это происходит в большинстве компьютерных игр), так как представляла только набор панорамных снимков, между которыми возможно переключение. Для отображения плоскостей, которые не попадали в угол зрения камеры, попросту использовались копии изображений смежных с ними элементов и размытие «швов» между ними. На выходе мы имеем дело не с трехмерным пространством, а с двумерным, которое только симулирует трехмерное.
Следующий момент — разрыв в опыте восприятия времени. В рассматриваемой нами модели один коридор мог состоять из нескольких панорамных снимков, а переключение между ними требует небольших, но очень хорошо ощутимых отрезков времени, что нарушает непрерывное ощущение времени. Чувство головокружения, вызываемое таким нечеловеческим способом восприятия пространства, усиливалось эффектом размытия изображения, который сопровождал каждый переход между панорамами.
Оба фактора приводят к тому, что воспринимать опыт таких пространственных симуляций возможно только отчужденным способом. Говоря технологическим языком — это не иммерсивная среда; говоря языком философским — эта среда нас не аффектирует. В самом деле, как писал в «Критике чистого разума» Кант, наличие чувственного восприятия в конечном счете обусловлено наличием внешних по отношению к нам вещей, действие которых на нас начинает цепь развертывания наших чувственных представлений, и в итоге позволяет свершиться эстетическому опыту. В этом процессе для нас важны те моменты, которые предшествуют чувственному опыту в том смысле, что являются его условиями. Этими условиями по Канту является ни что иное, как ВРЕМЯ И ПРОСТРАНСТВО. Нетрудно угадать уже намеченную аналогию. Более того, чтобы аффект, то есть влияние мира в форме его ощущения, состоялось, необходимо существование именно того непрерывного времени и того трехмерного пространства, которые мы ощущаем в повседневном опыте.
Это приводит нас к очень интересному следствию относительно эстетики. Эстетический опыт, являющийся разновидностью опыта познания, — или же, если слегка отойти от кантовской терминологии, нерационального ощущения мира, — также будет возможен только при наличии привычных нам времени и пространства.
Оба условия в случае рассмотренной нами симуляции нарушаются, поэтому даже если посещение музея посредством такой его модели покажется нам по тем или иным причинам прекрасным, это все равно не будет эстетическим опытом в строгом смысле. Скорее, мы будем иметь дело не с эстетикой, а с анэстетикой — термин, предложенный философом Сьюзан Бак-Морс [2] для обозначения такого эстетического опыта, который целенаправленно редуцирован, лишает воспринимающего субъекта ряда ощущений. Возможно, болевых — отсюда аналогия с анастезией. И, возможно, травматических в своем психологическом воздействии, если вспомнить пример со сгоревшей квартирой.
Несколько размышлений о невидимом искусстве. Йожи Столет
При помощи микроскопа или волшебного фонаря
они получают хоть какое-то зрелище;
чаще всего им показывают мух,
или желудки различных червей,
или людей с отрубленной
и снова приставленной головой —
лишь бы было что-нибудь, на что смотреть.
Джон Рескин «Прогулки по Флоренции»
В июле 2020 в издательстве Мичиганского Университета вышла книга философа Ирины Аристарховой Arrested Welcome: Hospitality in Contemporary Art. Заголовок книги соответсвует словосочетанию «выдворенное радушие», а сама книга рассказывает о формах гостеприимства в современном искусстве. Книга также представляет подход к арт-критике, который отличается от стандартного формата рецензии, написанной с помощью критической дистанции, когда для написания рецензии критик отправляется на выставку для рассмотрения объекта, а позже излагает результат своей профессиональной оценки.
Подход, предлагаемый и практикуемый при составлении книги Аристарховой, представляет иной процесс. В ее случае критическому письму предшествует долгая переписка с художником, личные встречи, воспоминания, походы в гости, только после них осуществляется встреча с объектом, и только в том случае, если объект представлен в материальной форме и такая встреча возможна.
Первая глава книги посвящена проекту сербской художницы Аны Првачки The Greeting Committee («Комитет приема»), созданному для Documenta’13 в Касселе. Посвященный формам гостеприимства в современном искусстве проект состоял из видео-материалов, перформативной и образовательной программы, а также обширной подготовительной части. Основная часть работы художницы происходила именно на подготовительном этапе, и состояла в предварительном обучении персонала музея этикету приема гостей. Проект ориентировался на радушный прием гостей самых разных общественных групп, расово-культурных идентичностей и гражданских статусов.
Задача по выработке «жестов межкультурного приветствия» требовала учета целого спектра различных жестов и слов, использующихся при приветствии. Будучи вплетена в сеть сложных межкультурных взаимодействий, художница, однако, оставалась невидимой. Работа на подготовительном этапе не выставлялась, из видеороликов, которые представляли различные общественные ситуации, связанные с недостатком гостеприимства, Првачка исключила свое имя, таким образом сделав себя невидимой и для истории искусства, и для арт-критиков. Меня интересует в этом проекте его архитектура. Созданное из множества элементов невидимого труда оно осталось в переживаниях и ощущениях посетителей, многие из которых, включая критиков, писали о том, насколько радушным и теплым был прием посетителей на выставке.
«Невидимое» искусство — то, что волнует меня. Рассеянное внимание не позволяет мне схватить объект и изъять, добыть из него эстетическое впечатление. Как будто у меня нет глаз, которые могли бы быть соблазнены. 3D галереи, имитирующие реальные, напоминают мне один из модов для игры DOOM, подземелье с монстрами, но на стенах развешаны картины. «Портрет Рене Декарта» Франса Хальса смотрит на игроков со стен этого лабиринта (вероятно, опять думает, что люди — это автоматы со стеклянными головами). Это забавно, и кажется, проясняет что-то, что касается шутеров от первого лица и соотношения реальных и виртуальных галерей. Но само виртуальное обладает большей силой, чем каждый конкретный его элемент.
Как пишет Сэди Плант в главе «Натяжения» своей книги Zeros and Ones, цифровые машины плетут свои сети. Виртуальное — это мозаика: видео, изображения, звуки, тексты и голоса сливаются в ее интерактивности. В этой мозаике ни один элемент не может претендовать на особую значимость. Мы живем во времена путешествий «от одного виртуального к еще одному виртуальному» [3].
Но разве это не смерть искусства, которое делает ставку на визуальность?
Недавно я была на выставке «Виставка-Читанка», состоявшейся в месте под названием Арт-Простір Крила. Точнее я была дома, в Петербурге, а выставка проходила в Киеве. С участницами и создательницами выставки я была знакома. У меня были воспоминания, связанные с ними, воспоминания наших реальных или виртуальных встреч. Зины с «Виставки-Читанки» феминистского художественного дуэта «Добро Пожаловать в Кукольный Дом» попали ко мне через другую выставку, «Феминисткие Транслокальности», которая проходила в Студии 4.413. По вечерам я слушала серии чтений: Доротея Ольковски, Жанна Долгова, Саломея Фегелин, Катя Хасина. В голове проносятся слова из названия авторской выставки Кати «Безвихрастый умножает скуку, с — отмерший перламутр, полая загадка». Голоса, тексты, изображения чтений и дистанционно доступных выставок создают сеть, в которую можно попасть как в ловушку.
Жанна Долгова в зине «Упражнение подружка» пишет, что женские генеалогии — это генеалогии хрупкие, нестабильные, склонные к исчезновению (невидимости?). Мы могли бы нарисовать схему, древо, создать объект, выставить его, оцифровать, закрепить, стабилизировать. Но тогда мы точно ничего не увидим. «Виставка-Читанка», как сообщают ее создательницы [4], работает с инкорпорирование текста в художественную практику, то есть с наделением текста статусом материального объекта.
На виртуальной выставке «Я не знаю, Земля кружится, или нет» в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства в раздел «Художники» наряду с художниками включены также подразделы «Сочинение» и «Стихи». Не смотря на такое формальное разделение, я воспринимаю на сайте биеннале текст Алексея Борисенка «Как мы объясним ОМОН нашим детям?» из раздела «Сочинение» как объект искусства. Сама инфраструктура сети позволяет мне воспринимать его именно так. Благодаря тексту Алексея я попадаю в Минск, где мы когда-то встречались, и в котором теперь происходит важнейшая политическая борьба на постсоветском пространстве.
Невидимое искусство позволяет мне пережить не очевидную близость.
От редукции эстетики к невидимости эстетики. Лика Карева
Все мысли, которые возникают у меня при рассмотрении выставок, которые превращаются в сайты, пока галереи держат закрытыми, крутятся вокруг двух идей: глобализации мира и конструирования пространства.
VII Московская международная биеннале молодого искусства (VII ММБМИ) обладает глобальным масштабом. В отличие от масштаба локального, к которому привязан человек, глобальный масштаб не может быть схвачен человеческими органами чувств. Иначе говоря, с ним нельзя столкнуться как с целым. Представляя из себя сеть выставочных проектов, различающихся между собой не только по местоположению, но и по сущности своих форматов, текущая Биеннале являет собой гиперобъект (термин Тимоти Мортона), объект, для которого не может быть адекватного ему зрителя. На превращение выставок современного искусства в конгломераты выставок, безусловно, повлиял прежде всего экономический процесс. Не было никакого решения, которое бы постановило переход к новому типу «гиперобъектной эстетики». Скорее, первичной была определенная экономическая динамика, и именно она нашла выход и новое развитие в современных условиях цифровизации искусства [5].
При безусловной актуальности политических следствий глобализации, у нее есть также не менее актуальные эстетические следствия. Философ Елена Петровская, говоря о чувственном восприятии современного человека, ссылается на понятие «когнитивная картография» (или составление карт познания) философа-марксиста Фредерика Джеймисона. Она говорит, что субъект современного мира строится на разрыве: это разрыв, который образован нашим повседневным опытом жизни в глобальном мире, и невозможностью представить себе этот мир, то есть целое, частью которого наш опыт является [6]. «Когнитивная картография» по сути осуществляет сшивание этого разрыва путем построения модели целого в повседневности.
Пример, который приводит Петровская: если человек отчужден от города, улицы которого пересекает каждый день, ввиду того, что не представляет его целое устройство, то когнитивной картографией будет являться составление представления о целом устройстве города. Таким образом, когнитивная картография — познавательный процесс (это и значит слово «когнитивный»), который реализуется через построение таких представлений о мире, которые включают пространственный аспект нашего восприятия.
Возвращаемся к рассмотрению моделирования пространства в цифровых проектах. Обратимся к одной из работ проекта «Я не знаю, Земля кружится или нет…» — «Мастер-ключ» Саши Зубрицкой. Эта цифровая работа основана на одноименной выставке художницы, прошедшей в петербургской галерее «Навикула-Артис». Как гласит ее описание, «все физически существующие объекты были подвергнуты цифровой обработке, отсканированы, воссозданы в цифровой среде» [7]. Однако, сайт представляет не просто набор этих объектов, но и, как и положено выставочной экспозиции, их определенную пространственную организацию. Цифровизация выставки потребовала от художницы совершения «когнитивного картографирования» выставки, а чтобы передать опыт представления целого, художница вместе с веб-дизайнером Алексеем Аче спроектировали определенный интерфейс взаимодействия с ее объектами. Заходя на сайт, мы сталкиваемся с одним из текстовых объектов, и можем «путешествовать» по плоскости путем манипулирования видимой областью.
Эта возможность передвижения задается как раз интерфейсом, по сути такой же значимой частью работы, как и сами объекты. Если мы обратимся к кантовскому определению эстетики в части аналитики прекрасного, изложенной Стивеном Шавиро, мы увидим, что эстетика для Канта касается не самих вещей, но того «способа, которым мы их воспринимаем» [8]. В этой связи цифровую эстетику определяет именно интерфейс, что обеспечивает человеку организованный доступ к объекту. Интерфейс сайта Зубрицкой и Аче постепенно знакомит с объектами так, как это бы происходило на реальной выставке — последовательно, один за одним. Помимо этой пользовательской возможности сайт предоставляет нам общий вид (zoom out) цифровой экспозиции, всю картину целиком. Казалось бы, это и есть искомая карта, или целое, как условие эстетического опыта.
Однако, как мне кажется, позволение зрителю переключаться на такой вид создает в его опыте определенный сбой или разрыв, в то время как когнитивная картография призвана разрывы опыта сшивать. Действительно, данность целой картины лишает нас активного знакомства с объектами, активного познания целого, которое мы осуществляем, прогуливаясь по выставке, собирая ее объекты в целое, которое было бы актуально и прекрасно для нас. Концепт Джеймисона описывает не карту как данность, а активный процесс знакомства с миром, который только потенциально может закончится формированием его целой картины, и если «аффективная тональность, происходящая от вещей», будет для нас «релевантна» [9]. Таким образом, предоставляя пользователю возможность видения целого как данности, мы, на деле, лишаем его эстетического опыта, самостоятельного нахождения этой «релевантности». По этой причине опыт восприятия искусства, — будь то в цифровой, будь то в аналоговой среде, — должен быть до известной степени «слепым».
Сноски:
[1] Eeefff — коллаборация коллаборация Дины Жук (писательницы, художницы) и Николая Спесивцева (художника, специалиста в области компьютерных наук, исследователя). Действует с 2013 года. Базируется в Москве. Приводится по сайту художников: https://eeefff.org/.
[2] Susan Buck-Morss, Aesthetics and Anaesthetics: Walter Benjamin's Artwork Essay Reconsidered. Доступно по: https://www.academia.edu/11829376/ Aesthetics_and_Anesthetics
[3] Из аудио-документации проекта Platform Perplex группировки eeefff. Доступно по ссылке: https://eeefff.org/ru/projects/platform-perplex.html.
[4] C канала документации «Виставки-Читанки» на youtube: https://www.youtube.com/playlist?list=PLHThxxkTCoNa5-g3k3wH6tu3UMR8LmmNf
[5] Исходя из работ некоторых критиков капитализма конца XX века, мы можем делаем вывод, что происходящее в современном искусстве и в глобальном мире в связи с пандемией, является всего лишь ускорением и усилением тех трендов, которые изначально и были вызваны глобализацией. Так, Ник Ланд в своем тексте 1997 года «Расплавление», описывал этот процесс так: «логистические ускоренная техноэкономическая интерактивность разрушает общественный порядок; рынки учатся производить интеллект; число жертв в череде глобальных войн растет», — цит. по Ник Ланд. Сочинения в 6т. / Том 2: Киберготика. Гиле Пресс, Пермь, 2018.
[6] Елена Петровская о «когнитивной картографии»для проекта «Лес»: https://youtu.be/ouuY2iVoK6Y.
[7] Мастер-ключ, Саша Зубрицкая. https://masterkey.garden/rus
[8] Стивен Шавиро. Вне Критериев: Кант, Уайтхед, Делез и эстетика. Гиле Пресс, Пермь, 2018.
[9] Alfred North Whitehead, Adventures of Ideas. New York: The Free Press, 1933.— цит. по Стивен Шавиро. Вне Критериев: Кант, Уайтхед, Делез и эстетика. Гиле Пресс, Пермь, 2018.
Репортаж с подростками на Закрытой рыбной выставке: «Живая камера». режиссер, поэт, музыкант Иван Курбаков
Автокомментарий:
Эстетика телевизионного репортажа, лишенная некоторых своих обязательных атрибутов - микрофона в руках корреспондента, уверенного говорения перед камерой - изменяется в сторону непосредственности документального фильма, где двое молодых «ведущих» Егор и Михаил, общаясь друг с другом, проводят своеобразное расследование внутри «Закрытой рыбной выставки».
Не имея предварительных «ключей» они пытаются подобрать их сами, не опираясь только лишь на культурный контекст, но скорее устраивая реактивный перформанс восприятия, где органично сосуществуют усилия мыслить в реальном времени, эмоциональные проявления, интеллектуальные диалоги, своеобразные мгновенные «мемы» и постепенное обретение самого способа «говорить» об этой конкретной выставке и современном искусстве вообще, не пользуясь для этого готовым теоретическим «аппаратом».
Четвертый дайджест полностью собран из материалов альманах-огонь (http://fajro.abc-group.ru/index.html), мультимедийного проекта о взаимодействии поэзии и музыки/сетевой портал в возможные миры. Кураторка проектов для Дневника Биеннале от альманаха-огня – Захаркив Екатерина, поэтесса, редакторка проектов «Ф-письмо», ГРЁЗА, альманах-огонь, лингвистка.
1. Репортаж с подростками на Закрытой рыбной выставке: «Живая камера». Автор репортажа – режиссер, поэт, музыкант Иван Курбаков
Автокомментарий:
Эстетика телевизионного репортажа, лишенная некоторых своих обязательных атрибутов - микрофона в руках корреспондента, уверенного говорения перед камерой - изменяется в сторону непосредственности документального фильма, где двое молодых «ведущих» Егор и Михаил, общаясь друг с другом, проводят своеобразное расследование внутри «Закрытой рыбной выставки».
Не имея предварительных «ключей» они пытаются подобрать их сами, не опираясь только лишь на культурный контекст, но скорее устраивая реактивный перформанс восприятия, где органично сосуществуют усилия мыслить в реальном времени, эмоциональные проявления, интеллектуальные диалоги, своеобразные мгновенные «мемы» и постепенное обретение самого способа «говорить» об этой конкретной выставке и современном искусстве вообще, не пользуясь для этого готовым теоретическим «аппаратом».
Репортаж смотреть тут.
2. Дневник-репортаж в галерее Богородское. Автор – художник, перформер Максим Илюхин
Я сегодня был на выставке в галерее Богородское, у метро Бульвар Рокоссовского. Выбрал первый проект на сайте Биеннале молодого искусства из серии объединение «Выставочные залы Москвы», который открылся 16 октября, и поехал туда. Там интересный проект, но я не все в нем понял и хочу разобраться что это, чтобы сделать репортаж. Пока опишу, что видел».
Ссылка на дневник-репортаж тут.
3. Видео-перформанс «Человек-огонь». Арт-группировка ООО «геррад». Авторы – поэт и художник Дмитрий Герчиков, фотограф и художник Гриша Радченко
Автокомментарий:
Программный код пандемии содержит алгоритм, который трансформирует глобальные процессы, дробящиеся под весом собственной информационной нагрузки, в формат архива. У этого процесса можно выделить, как минимум, два направления. С одной стороны, он осуществляет сбор, обработку и каталогизацию сведений о любых виртуальных или реальных объектах, попавших в его поле зрения. С другой — помещает их в изолированных пространствах стран, городов, квартир или мониторов, напоминающих ячейки в бесконечной таблице Excel. При этом Zoom с его цифровыми окошками — не только удобный инструмент коммуникации, но и метонимическое воплощение этих всеядных машин архивирования, трудящихся без сна и отдыха. В то же время периодический, но ожидаемый сбой программы как будто имитирует внезапные вспышки болезни в мире.
Вдобавок к сказанному отметим, что буквальный перевод слова «пандемия» с древнегреческого — «весь народ». Это указывает на внутреннюю связь эпидемиологической катастрофы нынешнего года со всяким собранием, коллекцией, кунсткамерой и даже музеем. По случайному стечению обстоятельств «Человек-огонь» снимался в пустом Музее Москвы в первый день прекращения работы бюджетных культурных институций из-за угрозы распространения COVID-19. Так, местом действия видео стала закрытая выставка в мире закрытых границ (изоляция внутри изоляции), где любое высказывание обречено на попадание в предзаданные бюрократические или электронные конвенции, опосредованные структурой сетки: протоколами, приложениями и трансляциями.
Поэтому нам хотелось уйти от любых заранее установленных стратегий — маркировать огненным иероглифом пустоту залов и тени от произведений, выставленных в них. Мы стремились зафиксировать отсутствие, ведь оно и обеспечивает возможность любого сообщества — людей или предметов, голосов или призраков. Наша работа запечатлела ритуал, алхимическую трансмутацию по превращению «архива» в гераклитовский огонь «архэ». Однако созвучие этих понятий случайно: «архив» восходит к «архэйону», что означает «казенное здание», и «архэ» в этом случае переводится как «власть». Но мы ориентируемся на воображаемые миры, организованные по логике оговорок и снов. Поэтому неожиданное звуковое подобие становится отправной точкой, по направлению к тому, что не может быть узнано, но может быть однажды услышано.
Именно на этом мерцающем пути, исключающем формальные суждения, человек-огонь послужил нам другом-Гермесом — тем, кто парит между говорением и молчанием, образом и вещью, порядком и случайностью. В его цифровой лихорадке сгорят всякие «непреложные» правила, насильственные системы охранения и слежения, полифункциональные модели труда и сверхбыстрые движения капитала. Они обратятся в безымянный пепел, вытесненный за скобки социальности и политики, а «пан-» переродится в Пана, покровителя музыки и дикой природы, который едва родившись, начал прыгать и смеяться.
Видео-перформанс смотреть тут.
Вступление к соник-гидам опубликовано в первом Дайджесте Дневника Биеннале. Кураторка проектов для Дневника Биеннале от альманаха-огня Захаркив Екатерина, поэтесса, редакторка проектов «Ф-письмо», ГРЁЗА, альманах-огонь, лингвистка.
https://soundcloud.com/cca_winzavod/sonik-gid-kirill-shirokov?in=cca_winzavod/sets/0sngswswh2r3
2. Соник-гид «Воспоминание о последнем дне в музее перед закрытием» (для основной экспозиции Биеннале). Автор – музыкант, саунд-исследователь, философ Евгений Былина
https://soundcloud.com/cca_winzavod/sonik-gid-vospominanie-o-poslednem-dne-v-muzee-pered-zakrytiem?in=cca_winzavod/sets/0sngswswh2r3
Композицию можно было бы назвать по-другому — «Музыка для музеев», вызывая в памяти работы самого известного музыканта, который концептуализировал жанр «эмбиент», его прагматику и содержание. Целью, которой я задавался при сочинении, была попытка создать функциональное звуковое сопровождение для похода в музей — предназначенное не для прямого «слушания», а скорее для того, чтобы оно стало дополнением музейного пространства, его координат и саундскейпа.
Преждевременное закрытие музеев внесло свои коррективы, поэтому мы имеем делом с «воспоминанием» — одной из версий того, как бы мог звучать музей вместе с эмбиент-композицией, каков мог бы быть опыт посещения выставки не с помощью глаза, но уха. Трек составлен на основе полевых записей, сделанных в Музее Москвы в последний день работы основной экспозиции Московской биеналле, а также генеративной композиции, основанной на цикличных, асинхронных петлях с записями фортепиано и синтезаторов.
3. Соник-гид “perceptone” (для выставки «20:20. Время остановилось»). Автор – композитор, саунд-артист Дима Аникин / resequence
https://soundcloud.com/cca_winzavod/sonik-gid-perceptone-dimy-anikina?in=cca_winzavod/sets/0sngswswh2r3
Автокомментарий:
Perceptone от лат. perceptio — восприятие и греч. Tonos — натяжение / напряжение / ударение / акцент.
Наблюдение за динамикой и статикой различных проявлений тонов, таких как градиенты интонаций, звуко-высотных, эмоциональных и цветовых – в окружающем мире и/или интроспективно. В зависимости от местонахождения слушателя (например, если это выставка или городское пространство), гид может оказаться элементом дополненной реальности и подчеркивать/смещать/исключать акценты, полученные от приоритетных перцептивных анализаторов.
В преддверии выхода подкаста публикуем фрагмент расшифровки из разговора с менеджеркой и со-основательницей организации «Феминистская мастерская» Ёш об отношении к труду. Ранее в первом дайджесте «Дневника биеннале» заявлена концепция подкаста.
Добро пожаловать на подкаст «На последнем издыхании», который делаем мы, Шестакова Саша, Даша Юрийчук и Настя Дмитриевская. В этом подкасте мы обсуждаем способы переосмысления отношения к труду в художественной сфере. Сегодня я, Саша Шестакова, буду разговаривать с ЁШ. Она менеджерка и соосновательница общественной организации «Феминистская мастерская», также ЁШ ведет телеграм-канал «Спонтанность» и в прошлом занималась артхаусным кинопрокатом, работая в коммунальных кинотеатрах, занималась общественной деятельностью молодежной организации, графическим дизайном, журналистикой. По образованию ЁШ градостроительница.
Я очень рада тебя приветствовать на нашем подкасте!
ЁШ:
Привет!
Саша:
Почему твой канал называется «Спонтанность», и как ты представляешь себе идеальные условия и формы спонтанного потока работы?
ЁШ:
Я искала воодушевляющее, вдохновляющее название, красивое, которое меня саму мотивировало бы писать, и эта концепция, слово пришло из книги «Бегство от свободы» Эриха Фромма, которую я как раз читала. Эрих Фромм там размышляет о том, что такое свобода, что современный человек живет в такой сложной ситуации избавления от веры в Бога, от сопричастности к чему-то великому, и, находясь в таком изолированном, индивидуализированном обществе, ему нужно в чем-то искать какой-то новый смысл. Эрих Фромм противопоставляет эту негативную свободу от чего-то свободе к чему-то, свободе что-то делать.
Он видит возможность найти позитивную свободу в осознанном, спонтанном, творческом труде, и в этом труде возникает общность с другими людьми, а также связь с природой. Спонтанность для меня, чтобы быть чувствительными к своим потребностям и эмоциям и уметь их чувствовать, отслеживать, иметь возможность реализовать эти чувства, желания, потребности, в частности, в какой-то форме труда.
Саша:
Я говорю из российского художественного контекста, и понимаю, что ты описываешь, - это идеальные условия, связанные с огромным количеством привилегий, , которые, есть далеко не у всех.
Каким образом можно соотносить желание такого труда и с необходимостью зарабатывать деньги, с необходимостью себя кормить, и, зачастую, кормить свою семью? Для женщин труд включает неоплачиваемый репродуктивный труд. Искусство тоже подразумевает огромное количество неоплачиваемого труда.
ЁШ:
В социальной сфере, где я работаю, мы все время думаем о каких-то максимально маргинализированных категориях общества, о непривилегированных участниках и участницах общества, и это, всегда сложно, но часть моей работы над собой и в организации состоит в том, чтобы не судить себя строго, не казнить себя за привилегии. Нет людей абсолютно маргинализированных и абсолютно привилегированных.
Я осознаю, что многим недоступно такое положение, из которого можно помыслить этот творческий спонтанный труд, но есть те, кому доступно. Почему бы не говорить и о таких людях. С одной стороны, у меня есть какие-то качества, и я соотношусь с какими-то маргинализированными группами, с другой стороны, мне доступны какие-то возможности. В первую очередь, я хочу сказать, что нельзя отказывать себе в праве рассуждать о том, как устроить свою судьбу и труд себе подобных людей.
Часть моей деятельности и осмысления окружающей действительности связана с тем, чтобы не загонять себя в режим зарабатывания денег ради зарабатывания денег, а переосмыслять ценности, удовольствия, образ жизни. Да, какая-то часть моих повседневных практик довольно потребительская, и я не могу с этим ничего сделать, и поэтому мне необходимо зарабатывать, но, в то же время, я параллельно создаю и поддерживаю сознательно непотребительские практики, которые освобождают меня от этого груза зарабатывания денег.
Саша:
Ты сказала про «непотребительское отношение» и «непотребительские практики». Что ты под этим подразумевала?
ЁШ:
Да, вообще мне нравится идея обмена, неденежного обмена и того, чтобы как можно меньше отношений переводить в коммерческое поле. Например, это касается психотерапии, которая, ой, это, наверное, плохой пример, давайте лучше другой.
Например, вот, ремонт в квартире (смеется) или ремонт какой-то техники. Мы можем -- и это очень хорошо работает в больших городах -- вызвать мастера, который за деньги нам будет делать, и экономика платформ нам в этом помогает. Есть сайты, где ты можешь найти мастера на что угодно, а можешь попросить своего друга, родственника. Также ты можешь учиться сама чинить свой велосипед, вместо того, чтобы отдавать его в ремонт. Это касается времяпрепровождения, досуга и того, как мы и где проводим время: или мы проводим время в квартирах своих друзей, или мы проводим время в заведениях или мы идем в «Симону» -- и мы идем не потому, что у нас есть лишние деньги, это больше про экономику солидарности.
ЁШ:
Экономика солидарности -- это тоже про то, что ты, отдыхая, можешь поддержать тем самым инициативу, которая политически близка тебе. К сожалению, в Украине пока с этим очень туго, но думаю, что будет дальше все больше развиваться такое, что, если есть где-то какое-то кафе, бар, который создают идейно близкие тебе люди, ты можешь там тратить деньги. Это, конечно, потребительская практика, но это смещает фокус потребительства в другую плоскость.
Расшифровка: Оксана Кита
Для «Дневника биеннале» Отдел практической аффектологии сфокусировался на феномене синестезии, проявлениях и последствиях ее феноменологической природы. Под синестезией обычно понимается кроссмодальная чувствительность, когда при стимуляции одной сенсорной модальности возникают ощущения в другой: символ обретает цветовое выражение, визуальные образы дают импульсы для тактильных или звуковых переживаний, звук представляется кинестетически.
При этом синестезию можно разделить на ту, при которой соединение ощущений происходит непроизвольным и бессознательным образом, и ту, которая требует активного сознания и работы. Символисты и авангардисты делали акцент на последней, поставив ее в центр проекта по взращиванию тонкой чувствительности, а с ней и нового, сверхнаблюдательного человека, который обладал бы всеохватывающим восприятием мира. Бодлер писал о чувственном познании символа; Кандинский проводил эксперименты с синтезом разномодальных ощущений, соединяя язык музыки, цвета и движения; Андрей Белый практиковал эвритмию – познание звука через жест. Сегодня в условиях ограниченной чувствительности, срезанной до визуально-аудиального, такие эксперименты и практики могут обретать новый градус значимости.
Исследователь синестезии Булат Галеев называет синестетические связи «вертикальными» или «глубинными», в отличие от «горизонтальных» связей обычных чувств. Однако если рассматривать синестезию как усилие, как намеренное открытие и утверждение тонких сцеплений, то эти связи вернее назвать трансверсальными: созданные потенциалом стимула-импульса, его способностью – через аккуратное сопровождение художниц и художников – свободно двигаться между категорий ощущений и медиумов. Так путешествие по выставке связывает разделенные в пространстве и времени тела и аффекты, разрывая сдерживающие структуры линий, оболочек, медиумов и интерфейсов. Эти разрывы и мутации открывают собственный формат коллективной ориентации, а вместе с ним – политически ценный способ видения мира как пространства для совместности, обусловленный вниманием к переформатированию и преодолению навязанных границ.
Лера Конончук
Женя Милюкос:
Исходной точкой передачи информации стала Аня Толстухина, которая взаимодействовала с художественными работами, представленными на Биеннале молодого искусства. Я не смогла оказаться с ней в том же самом месте из-за болезни, поэтому стала первым трансформатором ее ощущений и ее практики взаимодействия с объектами в Музее Москвы через видеосвязь в инстаграме. Двухканальное видео - это образы генератора, где образуется ток (я и Аня), и проводников.
Первый проводник задавал «импульс» для последующих проводников, ими стали 19 художников. Каждый из них видел только импульс одного предыдущего участника и источника-генератора, реагировал именно на них, передавая один свой импульс последующему проводнику. Все художники находились в разных условиях, в разных городах (и странах), они занимаются различными практиками, большинство из них не знакомы друг с другом. В какой-то момент работа генератора останавливается, но из-за количества переходов импульс от проводника к проводнику сохраняет возможность передачи информации.
Кто-то схватывал полностью своей энергией и силой импульс другого и перерабатывал его, стирая все через свою практику. Кто-то стал зеркалом предыдущего проводника. Кто-то сделал своей практикой обыденную коммуникацию с объектами и разрешил войти последующему в свое личное поле.
Авторки:
Аня Толстухина
Женя Милюкос
Приглашенные участники:
kolya
Иро4ка
Алиса Денисова
Daria Patrikeeva
Полина Дмитриева
Дима
Настя Ливаднова
Anikha
Misha Davydov
Rites of passage
Соня Петри
Николь Пейн
Лиза
Полина Бойко
Иван Ильинский
Алена Колесо
Оля Столовая
Shutta
Слава Савченко
В канун новогодних праздников мы рады объявить победителя open call для художников, который прошёл в рамках партнёрства VII Московской международной биеннале молодого искусства и Дома Gucci.
Поздравляем Юлию Левин @levin.iulya (Анапа), чья работа «Кто я есть» (Iulya levin — Who Am I) получила главный приз.
Специальное упоминание Экспертного совета конкурса и Дома Gucci получили ещё четыре художника, их работы можно будет увидеть в социальных сетях Биеннале:
Софья Авакова @sofartist — «Портрет года» (Sofya Avakova — Portrait of the Year)
Василий Аникин @anikin_art (Vasiliy Anikin) — Make Your Dreams Come True
Евгений Гранильщиков @granilshchikov — «Фейерверки» (Evgeny Granilshikov — Fireworks)
Валерий Шевченко @dada1sme (Valerii Shevchenko) — Random Walk
Дом Gucci является специальным партнером VII Московской международной биеннале молодого искусства. В сентябре в рамках этого партнёрства молодая художница из Санкт-Петербурга Полина Осипова создала работу Endangered Beauty (“Исчезающая красота”) в диджитал формате маски для Инстаграм.
@young_biennale, @gucci
ПОБЕДИТЕЛЬНИЦА:
Левин Юля (Анапа)
SHORTLIST:
Авакова Софья (Москва)
Аникин Василий (Москва)
Гранильщиков Евгений (Москва)
Шевченко Валерий (Москва)
Видеотур по выставке кураторских проектов Основного проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства в Музее Москвы при участии Исполнительного директора ММОМА Василия Церетели, комиссара биеннале Алексея Новоселова, Директора Музея Москвы Анны Трапковой и медиаторов биеннале Марины Толстовой и Вероники Набродовой.
В первой части Основного проекта, которая стартовала 5 сентября, представлены результаты открытого конкурса по созданию site-specific работ для внутренних фасадов Музея Москвы. Экспертным советом Биеннале из 370 заявок из 64 стран были отобраны для реализации четыре проекта: Рома Богданов (Screen), Алина Глазун (Без названия. / Все немного разные), Алиса Омельянцева (Настройка экрана), Игорь Самолет (Я смотрю на тебя, ты смотришь на меня).
Вторая часть Основного проекта представит результаты открытого конкурса для кураторов. Из 112 заявок из 26 стран были отобраны четыре проекта:
ЭЛЬЗА АБДУЛХАКОВА
[1990, Россия]
FORBIDDEN BODY LANGUAGE*
ДЖУЛИЯ МОРАЛЕ
[1995, Италия/Великобритания]
ШТЕРРЕ БАРЕНТСЕН
[1997, Германия/Нидерланды]
СОБСТВЕННЫЕ МЕСТА // АРХИВНЫЕ ПРОСТРАНСТВА
ЛИЗАВЕТА МАТВЕЕВА
[1991, Россия]
ФРАНЧЕСКА АЛЬТАМУРА
[1991, США]
Я НЕ ЗНАЮ, ЗЕМЛЯ КРУЖИТСЯ ИЛИ НЕТ...
В канун новогодних праздников мы рады объявить победителя open call для художников, который прошёл в рамках партнёрства VII Московской международной биеннале молодого искусства и Дома Gucci.
В июле 2021 года в Москве, Санкт-Петербурге, Екатеринбурге, Краснодаре, Красноярске и Нижнем Новгороде впервые пройдет фестиваль цифрового паблик-арта Rosbank Future Cities. В рамках темы «Города будущего» фестиваль объединяет кураторов, художников и урбанистов для исследования цифровых инфраструктур городов. Фестиваль является Специальным проектом Московской международной биеннале молодого искусства.
Фестиваль проходит в сотрудничестве с культурными институциями в городах проведения проекта и с их помощью призван объединить жителей шести городов России вокруг цифрового искусства.
Институциональные партнеры фестиваля помогают определить локации для расположения работ художников в своих городах, а также принимают участие в публичной и live программах Rosbank Future Cities. Среди них – Ельцин Центр в Екатеринбурге, ЦСИ «Типография» в Краснодаре, новое культурное пространство «Терминал А» в Нижнем Новгороде, музейный центр «Площадь Мира» в Красноярске, Севкабель Порт в Санкт-Петербурге, ММОМА и Институт «Стрелка» в Москве и многие другие культурные площадки.
Технологический слой города, состоящий из систем контроля транспортных и пешеходных потоков, онлайн-сервисов от геолокации до доставки еды, цифровых платформ и экономик, создает новые типы инфраструктур — материальных, но невидимых в ежедневном опыте. Такие среды отвечают на потребности горожан и меняют сценарии работы городов, в то же время развитие цифровых технологий зависит от самих потребителей этих сервисов. Фестиваль Rosbank Future Cities интегрирует работы художников в невидимую цифровую инфраструктуру города и переосмысливает традиционное понятие паблик-арта как искусства в городской среде.
В этом году фестиваль предлагает художникам по-новому взглянуть на привычные городские пространства через дополненную реальность (AR). Куратором основной программы фестиваля выступает Никита Нечаев, куратор исследований Garage Digital Музея современного искусства «Гараж»:
«Что такое «место» для алгоритмического слоя урбанистической среды, перераспределяющего труд, время и другие ресурсы городского жителя? Признавая ненейтральность публичного пространства, в том числе и цифрового, AR-проект этого года призывает обратиться к стратегиям объединения и инженерного сотворчества».
Художники-участники основной программы были номинированы экспертным советом в рамках закрытого конкурса, пять победителей были отобраны жюри проекта. В состав экспертного совета вошли куратор и галерист Алиса Багдонайте, арт-критик Александр Буренков, куратор исследований Garage Digital Музея «Гараж» Никита Нечаев, исследователь интеллектуальных технологий Мария Купцова, цифровой урбанист Вадим Смахтин, эксперт по XR-технологиям Олег Юсупов. Жюри фестиваля — комиссар Биеннале молодого искусства Алексей Новоселов, руководитель направления КСО Росбанка Екатерина Плужник и директор фестиваля Юлия Чернова.
Победителями конкурса 2021 стали молодые художники:
- Кирилл Макаров (Санкт-Петербург)
- Ян Посадский (Воронеж)
- Digital Object Alliance (Саша Пучкова и Анна Леонова, Москва)
- Софья Скидан (Ухта/Москва)
- Анна Таганцева-Кобзева (Санкт-Петербург/Москва)
Работы пяти победителей одновременно будут представлены в AR-пространстве в различных локациях городов-участников.
«Партнёрство Московской международной биеннале молодого искусства с новым фестивалем Rosbank Future Cities, чья миссия совпадает с задачами Биеннале, расширяет пространство поддержки молодых художников, кураторов и даёт возможность вывести проекты цифрового искусства в доступную любому зрителю городскую среду»
— АЛЕКСЕЙ НОВОСЕЛОВ, КОМИССАР МОСКОВСКОЙ МЕЖДУНАРОДНОЙ БИЕННАЛЕ МОЛОДОГО ИСКУССТВА, ПЕРВЫЙ ЗАМЕСТИТЕЛЬ ДИРЕКТОРА ММОМА.
Список всех институциональных партнеров и полная программа фестиваля в городах, маршруты прогулок, аудиогид, приложение для просмотра AR работ будут доступны с 2 июля на сайте rosbank.futurecities.art.
Организатором фестиваля является VCA (v confession agency) в стратегическом партнерстве с Росбанком.
«Фестиваль приглашает нас всех поразмышлять на тему городов будущего, в которых вопросы комфортной среды, взаимодействия и коммуникации между людьми в эпоху повсеместной диджитализации выходят на передний план. Эти темы созвучны Росбанку, который осознает необходимость и неизбежность изменений в городском пространстве с фокусом на людей и окружающую среду»
— ЕКАТЕРИНА ПЛУЖНИК, РУКОВОДИТЕЛЬ НАПРАВЛЕНИЯ КСО РОСБАНКА.
SUMMARY:
Фестиваль цифрового паблик-арта Rosbank Future Cities:
6 городов, 5 художников, 5 AR-работ, 6 live-перформансов, 18 дискуссий
Специальный проект Московской международной биеннале молодого искусства
Организаторы: VCA в стратегическом партнерстве с Росбанком
Города проведения: Екатеринбург, Краснодар, Красноярск, Москва, Нижний Новгород, Санкт-Петербург
Даты: 2 июля-1 августа, 2021
Сайт: rosbank.futurecities.art
Инстаграм аккаунт: @futurecities.art
Официальный хештег: #rosbankfuturecities
ЭКСПЕРТНЫЙ СОВЕТ ФЕСТИВАЛЯ:
АЛИСА БАГДОНАЙТЕ
Арт-менеджер, галеристка, куратор Golubitskoe Art Foundation и VYKSA, Artist-in-Residency
АЛЕКСАНДР БУРЕНКОВ
Независимый куратор международных выставочных и образовательных проектов, арт-критик
МАРИЯ КУПЦОВА
Трансдисциплинарный художник, архитектор, исследователь и педагог, изучающий интеллектуальные технологии
НИКИТА НЕЧАЕВ
Куратор Фестиваля, куратор исследований Garage Digital Музея современного искусства «Гараж»
ВАДИМ СМАХТИН
Руководитель кафедры «Цифровое искусство» в ИТМО, сооснователь Matrioshka и студии виртуальной архитектуры έphemera ONE, разработчик сервисов городской аналитики
ОЛЕГ ЮСУПОВ
Основатель Phygitalism, специалист в области xR технологий
СОСТАВ ЖЮРИ:
АЛЕКСЕЙ НОВОСЕЛОВ
Комиссар Московской международной биеннале молодого искусства, первый заместитель директора ММОМА
ЕКАТЕРИНА ПЛУЖНИК
Руководитель направления КСО Росбанка
ЮЛИЯ ЧЕРНОВА
Директор фестиваля Rosbank Future Cities, соосновательница VCA, автор курса «Фандрайзинг в культуре» магистерской программы ГУ-ВШЭ и Музея «Гараж»
ФЕСТИВАЛЬ ROSBANK FUTURE CITIES
Фестиваль цифрового паблик-арта Rosbank Future Cities призван содействовать развитию современного цифрового искусства и вместе с тем культурной жизни регионов России. Основную программу фестиваля составляют работы художников, отобранных экспертным советом, и представленные в городах-участниках фестиваля. Также в рамках фестиваля проходят дискуссионная программа и программа live-перформансов в партнерстве с региональными институциями. Вся программа фестиваля является публичной.
МОСКОВСКАЯ МЕЖДУНАРОДНАЯ БИЕННАЛЕ МОЛОДОГО ИСКУССТВА
Московская международная биеннале молодого искусства — масштабный проект в области современного искусства в России. Задачи биеннале — открытие новых имен, поддержка и стимулирование творческих инициатив художников и кураторов нового поколения, создание условий для их публичного высказывания и, как следствие, развитие среды современного искусства и международной интеграции. Московская международная биеннале молодого искусства проходит с 2008 года. Начало проекту положили ежегодный фестиваль молодого искусства «Стой! Кто идет?» (проводился Государственным центром современного искусства (ГЦСИ) ежегодно с 2002 по 2006 год) и выставка молодого искусства «Мастерская» (проводится Московским музеем современного искусства ежегодно с 2001 года по настоящее время). Проект активно развивается и продолжает поиск новых направлений в сфере поддержки молодого искусства, вовлекая в проект культурные институции, заинтересованные в развитии молодого искусства, а также работая с городской средой. youngart.ru
РОСБАНК
Стратегический партнер фестиваля Rosbank Future Cities
Росбанк – универсальный банк в составе международной финансовой группы Societe Generale. Стратегия Группы нацелена на повышение качества обслуживания клиентов и выход на лидерские позиции в области инноваций, обеспечение роста за счет развития бизнеса, усиление взаимодействия между подразделениями и достижение устойчивой доходности.
Росбанк обслуживает порядка 5 млн клиентов более чем в 60 регионах России. Сеть банка насчитывает более 220 отделений и более 37 тыс. банкоматов партнерской сети, включая порядка 1500 собственных. Росбанк включен Банком России в перечень 12 системно значимых кредитных организаций.
Являясь заметным игроком на российском банковском рынке, Росбанк активно развивает цифровые услуги, работает с искусственным интеллектом, анализирует Big Data, применяет новейшие технологии. В рамках проекта Rosbank Digital Biennale были созданы робот-художник совместно с FANUC Россия (2017) и галерея футуристического технологического искусства на форуме инновационных финансовых технологий Finopolis в Сочи (2019).
Банку присвоены наивысшие кредитные рейтинги национальных агентств АКРА на уровне AAA (RU) и Эксперт РА на уровне ruААА. Росбанк также имеет кредитные рейтинги международных рейтинговых агентств Fitch Ratings (BBB) и Moody’s Investors Service (Baa3). Банк включен в ТОП-3 надежных российских банков по версии журнала Forbes в 2021 году. Росбанк входит в топ-10 крупнейших российских банков по версии журнала The Banker. Росбанк L’Hermitage Private Banking - победитель премии SPEAR's Russia Wealth Management Awards 2020 в номинации «Лучший иностранный банк на территории Российской Федерации». Депозитарий Росбанка стал лучшим в номинациях «Качество обслуживания клиентов» и «Лидер рынка» среди всех стран Европы с развивающейся экономикой по версии Global Custodian. Росбанк признан лучшим транзакционным банком Восточной Европы для финансовых институтов по версии журнала EMEA Finance.
VCA (v сonfession agency)
Организатор фестиваля Rosbank Future Cities
Эксперт в области культурного продюсирования, организации мероприятий и фандрайзинга. VCA профессионально занимается интеграцией брендов в культурный контекст. Среди стратегических партнеров VCA – международная ярмарка современного искусства COSMOSCOW, Музей современного искусства «Гараж», ММОМА и другие институции. Продюсерская компания VCA является сооснователем международного гастрономического фестиваля IKRA.
PHYGITALISM
Технологический партнер фестиваля Rosbank Future Cities
Компания PHYGITALISM – разработчик визуальных решений на основе искусственного интеллекта, дополненной и виртуальной реальности. Более 5 лет компания реализовывает сложные технологические решения на стыке цифрового и физического миров. Является лауреатом международных премий – Webby Awards, Shorty, Media lions и другие. Компания имеет фундаментальный подход в разработках и исследованиях, а также свою магистерскую программу в МАИ “AR/VR & AI”.
ИНСТИТУЦИОНАЛЬНЫЕ ПАРТНЕРЫ ФЕСТИВАЛЯ
ЕЛЬЦИН ЦЕНТР (Екатеринбург)
Фонд «Президентский центр Б.Н. Ельцина» (Ельцин Центр) – некоммерческая организация, носящая имя первого президента России.
ТИПОГРАФИЯ (Краснодар)
«Типография» — это центр современного искусства, основанный в 2012 году в Краснодаре художниками из группировки ЗИП и меценатом Николаем Морозом в пространстве бывшей типографии «Советская Кубань».
TERMINAL А (Нижний Новгород)
Terminal A — это культурно-образовательный центр, объединяющий в себе выставочное пространство для художественных проектов, школу современного искусства для детей и взрослых, а также кураторскую библиотеку подкаста «Партнерский материал», в которой будет представлена современная актуальная литература.
ПЛОЩАДЬ МИРА (Красноярск)
Музейный центр «Площадь Мира» – это крупнейшая в Сибири презентационная площадка современного искусства, формирующая креативное сообщество и культурную среду обитания в городе и регионе.
ММОМА (Москва)
Московский музей современного искусства — первый в России государственный музей, специализирующийся на искусстве XX и XXI веков. С момента открытия музей многократно расширил сферу своей деятельности и получил признание широкой публики. Сегодня музей является одним из самых активных участников художественной жизни столицы.
ИНСТИТУТ МЕДИА, АРХИТЕКТУРЫ И ДИЗАЙНА «СТРЕЛКА» (Москва)
Институт медиа, архитектуры и дизайна «Стрелка» основан предпринимателем и филантропом Александром Мамутом в 2009 году для изменения физического и культурного ландшафта российских городов. Институт активно занимается образовательно-просветительской деятельностью, направленной на развитие человеческого капитала.
СЕВКАБЕЛЬ ПОРТ (Санкт-Петербург)
«Севкабель Порт» — это проект преобразования исторического «серого пояса» Гавани Петербурга в общественное культурно-деловое пространство.
Контакты
на новости:
на новости
политики конфиденциальности
